School of Rock (USA 2003)
Regie: Richard Linklater
Auch bei der dritten oder vierten Sichtung finde ich den Film immer noch toll: Ich liebe Jack Blacks besessenen Enthusiasmus, der Witz, mit dem Rockmythologie in SCHOOL OF ROCK gleichzeitig banalisiert und gepredigt wird und den großen Abschlusssong, der mir immer wieder eine Gänsehaut beschert.
Stone Cold (USA 1991)
Regie: Craig R. Baxley
Zu Beginn der Neunzigerjahre war es noch möglich, dass Michael Douglas einen knallharten, aufwändigen und brutalen Actionfilm ohne viel Schnickschnack, dafür aber mit einem endlos peinlichen Ex-Footballstar produzierte, der dann sogar einen großen Kinostart bekam. STONE COLD ist ein großes Fest, protzt mit Lance Henriksen und William Forsythe, die ihre Szenen auffressen wie hungrige Löwen, und fetten handgemachten Stunts. Einer der letzten seiner Art.
Tenacious D in: The Pick of Destiny (USA 2007)
Regie: Liam Lynch
Gefällt mir mit zunehmenden Sichtungen immer besser, was heißt, dass die wenigen eher misslungenen Szenen mittlerweile kaum noch ins Gewicht fallen. TENACIOUS D IN: THE PICK OF DESTINY eignet sich perfekt für ein Double Feature mit Linklaters SCHOOL OF ROCK und sei allen empfohlen, für die Rock bei allem Respekt vor allem synonym für „Spaß“ steht. Ben Stillers Cameo ist unbezahlbar!
Superbad (USA 2007)
Regie: Gregg Mottola
Manchmal wirkt SUPERBAD mit seinen zahllosen Vulgarismen etwas übermotiviert, dann ist es wieder ein wunderbarer Freundschaftsfilm, der wie Linklaters DAZED AND CONFUSED Jugendliche an der Schwelle zum Erwachsenwerden beobachtet. In Mottolas Film bedeutet das vor allem, endlich die Jungfräulichkeit zu verlieren und tierisch zu bechern … oder doch noch mehr? SUPERBAD besticht durch sein hohes Tempo und einen magnetischen Flow, dem man sich allzu gern hingibt. Man könnte SUPERBAD mit einigem Recht als den AFTER HOURS für Junggebliebene bezeichnen.
CA$H, ein beschwingter Caper-Movie in der Tradition der OCEAN’S ELEVEN-Filme, erfindet das Rad nicht neu, bietet aber Entertainment auf hohem Niveau. Die Akteure, allen voran Dujardin, haben sichtlich Spaß an dem Possenspiel, das bis zum Ende spannend bleibt. Neben den für diese Filme typischen Minidiskursen über Wahrheit und Täuschung, Vertrauen und Lüge gibt es auch die formalen Kniffe, die man in diesem Genre erwarten darf. Filigraner Splitscreen-Einsatz lässt noch einmal THE THOMAS CROWN AFFAIR Revue passieren, die erlesenen Schauplätze wecken Erinnerungen an Filme wie Hitchcocks TO CATCH A THIEF, die PINK PANTHER-Reihe und ähnliche. CA$H enthält somit all das, was man sich im Vorfeld von ihm erhofft hat. Das nenne ich Dienst am Zuschauer.
MAD DETECTIVE hat ein paar nette Einfälle und sieht, wie man das von einem Johnny-To-Film gewohnt ist, absolut fantastisch aus. Leider hat man es hier aber nicht mit einem zweiten PTU oder EXILED zu tun, sondern mit einem Werk, das der Workaholic To anscheinend mal so zwischendurch gedreht hat, um sein Pensum zu erfüllen. MAD DETECTIVE ist ein nur wenig ernst zu nehmender Spaßfilm, dessen zentrale Idee leider nicht genug ausgearbeitet wurde und somit letzten Endes verpufft. Die lustigen Einfälle neutralisieren sich in der labyrinthischen Narration und am Schluss fragt man sich, wofür der Aufwand denn nun eigentlich betrieben wurde. MAD DETECTIVE ist keineswegs schlecht, bietet zudem ein längst überfälliges Wiedersehen mit Lau Ching Wan und To-Stammkraft Lam Suet. Letztlich fehlt ihm aber das, was alle anderen To-Filme im Überfluss aufweisen: Substanz. Dass derzeit keiner besser Schießereien inszenieren kann als er, wird aber auch hier wieder evident.
Die historisch verbriefte Ermordung des General Ma wurde bereits von Chang Cheh unter dem Titel BLOOD BROTHERS verfilmt. THE WARLORDS unterscheidet sich aber deutlich von den naiv-bunten Werken der Shaw Brothers und ist stattdessen als großer Prestigefilm gedreht, der in jeder Einstellung „Epos!“ schreit. In den großen Kampfszenen fühlt man sich an das Monumentalkino längst vergangener Zeiten erinnert, denn statt Computerkriegern gibt es hier ein wahrhaft beeindruckendes Aufgebot an Komparsen, die dem Gemetzel zur Authentizität verhelfen. Visuell orientiert man sich dennoch an Hollywood: Statt in einen Historienfilm fühlt man sich in einen Kriegsfilm a la BLACK HAWK DOWN versetzt. Grau- und Brauntöne bestimmen das Bild, der Highspeed-Shutter qualmt förmlich, die Charaktere werden im wahrsten Sinne des Wortes durch den Schmutz gezogen. So wenig originell das auch ist: Es hilft, THE WARLORDS im Kontext des Kriegsfilms zu sehen, anstatt ihn mit asiatischen Heldenepen zu vergleichen. Wenn sich die Akteure während der Belagerung von Souzhou jahrelang in schlammigen Schützengräben verschanzen müssen, kann unser Bildgedächtnis das nur mit Kubricks PATHS OF GLORY in Verbindung bringen. Dennoch muss THE WARLORDS als Antikriegsfilm versagen: Das streckenweise im Übermaß ausgegossene Pathos passt einfach nicht zum Rest des Films, wirkt befremdlich ob der geschilderten Vorgänge. Damit und mit seiner utilitaristischen Philosophie sorgt THE WARLORDS für einiges Stirnrunzeln: Wo Zhang Yimou sich der Kritik an HERO noch entziehen konnte, bietet Peter Chan die breite Brust an. Es ist nicht ganz klar, was er mit seiner Geschichte eigentlich aussagen möchte, sein Film wirkt für europäische Augen unreflektiert und fragwürdig. Und vor diesem Hintergrund muss einem auch der betriebene Aufwand letztlich sehr verdächtig vorkommen.
Nach dem südkoreanischen INTO THE MIRROR drehte Horrorhoffnung Aja diesen Film, der leider als Prototyp des generischen Horrorfilms ohne jeden Mehrwert angesehen werden muss. Es ist die Schlampigkeit des Drehbuchs, die MIRRORS den Gnadenstoß verpasst: Neben den vollkommen ausgereizten Standard-Plotelementen Alkoholsucht und Familienprobleme ist es vor allem die unzureichende und inkohärente Definierung der titelgebenden Bedrohung, die MIRRORS des möglichen Erfolgs beraubt. So sieht man sich einer filmischen Wundertüte ausgesetzt, die ihre Regeln aufstellt, wie es ihr beliebt, ohne dabei irgendeiner nachvollziehbaren Logik zu folgen. Und weil auch wirklich gruselige Momente Mangelware bleiben, man stattdessen eine langweilige Ermittlungsgeschichte aufgetischt bekommt, in deren Verlauf sich Sutherland geriert wie sein alter ego Jack Bauer, darf man MIRRORS am Schluss Versagen auf ganzer Linie attestieren. Zum Vergessen.
Julian Richards‘ Werk als heterogen zu bezeichnen, ist fast noch geschmeichelt. Dem famosen und mit viel Lob bedachten DARKLANDS ließ er den uninspirierten Krimi SILENT CRY folgen und nach dem visionären THE LAST HORROR MOVIE (und einem mir unbekannten Film namens MESSIAH) kommt nun mit SUMMER SCARS ein Werk, das zwar keineswegs schlecht ist, aber dennoch kaum für offene Münder sorgen wird. Eng verwandt mit Rob Reiners STAND BY ME – in beiden geht es um Jugendliche, die ihre kindliche Unschuld verlieren – mutet SUMMER SCARS an wie das kleine Fernsehspiel. Das ist durchaus spannend, routiniert inszeniert und glaubwürdig gespielt, bietet darüber hinaus aber nur wenig. Wenn man über einen Film sagt, er sei „unaufgeregt“ ist das ja eigentlich ein Lob: In diesem Fall hätte es aber ruhig etwas mehr sein dürfen. Seiner eigenen Logik folgend müsste der nächste Richards-Film eigentlich wieder ein Knaller werden …
Aus Unlust und dem Bedürfnis, dem Diskurs auszuweichen, habe ich mir statt des Pflichtfilms WALTZ WITH BASHIR diesen 1.923ten Zombie-Funsplatter-Teeniefilm angesehen, an den sich schon nächstes Jahr kein Mensch mehr erinnern wird, der aber auch nicht ganz so schlimm ist, wie man das eigentlich erwarten durfte. Die Darsteller sind ebenso sympathisch wie ihre Charaktere, allzu hohle Zoten und beifallheischende In-Joke- und Zitatorgien vermeidet Bishop über weite Strecken, dafür sind Kameraarbeit und Schnitt aber eine absolute Katastrophe. Über ein paar gute Ideen verfügt DANCE OF THE DEAD zwar, aber machen wir uns nix vor: Was er betreibt, ist ist reine Bedürfnisbefriedigung. Bishops Film ist das filmische Äquivalent zum Snickers: Es schmeckt (ab und zu), aber man käme nicht auf die Idee, sich davon ernähren zu wollen, auch wenn die Werbung suggeriert, dass das möglich sei. Der frenetische Applaus des Publikums wirft aber die Frage auf, ob sich jemand über diese Tatsache im Klaren ist.
LAT DEN RÄTTE KOMMA IN verdankt Kathryn Bigelows modernem Vampirfilmklassiker NEAR DARK einige Vorarbeit: Auch in Alfredsons Film wird viel Gewicht auf eine elegische Stimmung gelegt, die das vampirische „Lebensgefühl“ widerspiegelt. Dies erreicht Alfredson neben der großartigen Fotografie, die viele einprägsame Bilder der Leere und Dunkelheit malt, vor allem durch einen Verzicht auf einen gängigen Plot. LAT DEN RÄTTE KOMMA IN erzählt viele kleine Geschichten in seinen knapp zwei Stunden, auf ein bequemes narratives Korsett verzichtet er aber. So läuft sein Film still und gleichmäßig vor sich hin, erweckt den Eindruck, Zeit und Raum seien ausgeschaltet und es könne ewig so weitergehen. Besonders interessant ist – wie könnte es anders sein – die Figur der Eli: Jene muss ein Leben zwischen Kindheit und Geschlechtsreife und somit in der Asexualität leben, was der Film immer wieder explizit thematisiert. LAT DEN RÄTTE KOMMA IN wirkt dadurch noch über sein Ende hinaus: Denn wir als Zuschauer sehen all die Probleme, die auf die Freundschaft zwischen Oskar und Eli zukommen. Oskar wird älter werden und Eli ihre Opfer beschaffen, damit diese den Vampirvirus nicht weiter verbreiten muss, Eli wird jedoch immer in ihrem geschlechtslosen 12 Jahre alten Körper gefangen bleiben. Es klingt wie eine hohle Phrase, aber in diesem Fall trifft sie ausnahmsweise zu: LAT DEN RÄTTE KOMMA IN ist ein leiser Film, der dafür umso nachhaltiger wirkt. Eine Tragödie, ein Melodram, eine schwarze Komödie, ein Horror-, ja vielleicht sogar ein Endzeitfilm: All das ist LAT DEN RÄTTE KOMMA IN. Und immer trifft er den richtigen Ton. Bis hierhin der beste Film des Festivals.
DOWNLOADING NANCY umweht wie den französischen MARTYRS der Ruch des Skandals: Auf dem Sundance-Festival sorgte Rencks Film für Aufruhr, die Befürchtung, dass er es gerade darauf angelegt habe, bleibt aber zum Glück unbegründet. Exploitativ wird DOWNLOADING NANCY nie, immer hält er die Distanz, nie missbraucht er seine Hauptfigur für billige Effekte. Natürlich hat es immer auch etwas von Elendstourismus, sich auf Spielfilmlänge dem Leiden eines Menschen auszusetzen, dennoch berührt DOWNLOADING NANCY im Inneren, kapriziert sich nicht auf vordergründige Schocks. Er zeichnet das Poträt dreier innerlich vollkommen zerstörter Charaktere, denen es aus eigener Kraft nicht mehr gelingt, ihrem Leben eine Wendung zu geben. „It’s what you feel, not who you are!“ sagt die Psychotherapeutin zu Nancy, als diese empört ist über deren schlagwortartige Notizen. Dass sie nicht mehr in der Lage ist, diese Trennlinie zu ziehen, stürzt Nancy in die Katastrophe. Und Louis, der sich in die zerstörte Nancy verliebt, bringt nicht die Kraft auf, sie von ihrem Wunsch abzubringen. In Christopher Doyles Bildern voller Tristesse und Mittelmaß beobachtet man den unausweichliche Niedergang und ist entsetzt über so viel emotionale Deprivation. Renck erzählt seine Geschichte als Mosaik aus zahlreichen Rückblenden und Zeitsprüngen, das zwar nicht alle Fragen beantwortet, aber dennoch alles sagt. Was Renck außerdem hoch angerechnet werden muss, ist dass er es vermeidet, seine Geschichte zum kulturpessimistischen Hieb gegen das Internet zu nutzen. Die Verantwortung tragen in DOWNLOADING NANCY die Menschen ganz allein.
Vor zwei Jahren lief auf dem Festival ein französischer Horrorfilm namens ILS, zu deutsch: THEM, der zumindest als Inspirationsquelle gedient haben dürfte, wenn man THE STRANGERS nicht gar als Remake begreifen muss. Doch Bertino nimmt sich einige Freiheiten mit dem Ausgangsmaterial, die seinem Film leider nicht immer zum Vorteil gereichen. Wo die Bedrohung in ILS lange Zeit immateriell blieb und sich erst spät in der Gestalt von marodierenden Armutskindern manifestierte, rückt Bertino seine menschlichen Buhmänner schon relativ schnell ins Bild und nimmt damit früh die Spannung raus. Die unheimlichen Masken, die Tatsache, dass man nie die Gesichter der Peiniger sieht, fängt dies nicht vollkommen auf. Auch wenn Bertino einige sehr beunruhigende Bilder gelingen, die mehr als einmal an Carpenters 
Vielleicht basiert die Idee für JCVD auf dem vor ein paar Jahren erschienenen NARCO: Schon in jenem spielte Van Damme sich selbst und trat als Muse eines hoffnungslosen Karatekünstlers auf. Aber auch so hatte der belgische Schauspieler mit seinen letzten Werken (u. a. die ausgezeichneten WAKE OF DEATH und UNTIL DEATH) angedeutet, dass er einen zweiten Frühling erleben könnte. Diese Hoffnung bestätigt sich nun mit JCVD. El Mechris begeht zum Glück nicht den Fehler, sich auf den selbstreflexiven Aspekt des Films zu kaprizieren und ihn mit In-Jokes zu überladen. JCVD begnügt sich nicht mit dem Gimmick, dass die Muscles from Brussels sich selbst spielen. Vielmehr hat El Mechri eine bewegende Tragikkomödie gedreht, die die Schattenseiten des Daseins als Actionstar thematisiert und geeignet ist, den gegenwärtigen Stand des Actionkinos und dessen Ruf, der irgendwo zwischen der Einschätzung als hirnloser Unterhaltung und Gewaltverherrlichung pendeln dürfte, zu reflektieren. Van Damme liefert eine beeindruckende schauspielerische Leistung ab, angesichts derer auch einige formale Fehler verzeihlich sind. El Mechri greift nämlich mit beiden Händen in die technische Wunderkiste der Postproduction und nicht immer kommt das, was er da herauszieht, dem Film zugute. So ist JCVD etwa in ein schmutziges Braungrün gehüllt, dessen Funktion sich nicht ganz erschließt. Eine etwas naturalistischere Umsetzung hätte dem Film besser zu Gesicht gestanden. Letztlich ist JCVD aber viel zu originell, ungewöhnlich und intelligent und hält mit einem langen, direkt in die Kamera gesprochenen Monolog Van Dammes einen wunderschönen, geradezu magischen Moment bereit. Zusammen mit KUNSTEN A TENKE NEGATIVT der bisher beste Film des Festivals.
Remember it for later 
