Mit ‘Action’ getaggte Beiträge

Langsam, aber sicher nähern wir uns mit C.I.A. – CODE NAME: ALEXA den All-out-Actionvehikeln, die PM Entertainment zur Mitte der Neunzigerjahre perfektionierte. Merhis 21. Regiearbeit in gerade einmal sechs Jahren zeigt zwar noch alle Merkmale der preisgünstigen DTV-Ästhetik, die er mit seinem Partner Richard Pepin etabliert hatte – stahlblaue Ausleuchtung, viele Szenen in halbdunklen Heizungskellern und Lagerhallen, hämmernde Synthiescores, viel zerbrechendes Glas, brennende Menschen, Explosionen und die Kombination der drei –, aber dafür wird jeder erzählerische Ballast konsequent über Bord geworfen. In der ersten halben Stunde geht es eigentlich ohne größere Unterbrechungen zur Sache, erst dann gönnt sich C.I.A. – CODE NAME: ALEXA eine kleine Ruhepause.

Worum geht’s? Der CIA-Agent Mark Graver (Lorenzo Lamas) kann mit einem Alleingang einen Geiselnehmer stoppen, der sich Zugang zu einem Regierungsgebäude verschafft hatte. Bei der Beerdigung des Übeltäters dringen einige maskierte Terroristen, darunter Alexa (Kathleen Kinmont), in die Kirche ein und entwenden die Leiche. Sie arbeiten im Auftrag des schurkischen Mahler (Alex Cord), der es auf einen Mikrochip abgesehen hat, welcher sich im Inneren des Leichnams verbirgt. Detective Nick Murphy (O. J. Simspson) gelingt es, Alexa festzunehmen, doch dann schaltet sich Graver ein und nimmt ihm die Terroristin ab. In einem CIA-Bunker zieht er sie mit ihrer Tochter als Druckmittel auf seine Seite, um Mahler das Handwerk zu legen …

C.I.A. – CODE NAME: ALEXA (der Titel ist furchtbar zu tippen) liefert einen bunten Strauß wilder Schießereien, Keilereien sowie selbstzweckhafter Auto- und Feuerstunts und gehört damit per se schon einmal zu den besten Filmen der Welt. Dass er außerdem eine CIA-Zentrale aufbietet, in der Karateka und Schwertkämpfer zwischen dampfenden Heizungsrohren ausgebildet werden, Parabolantennen herumstehen und alle in putzigen Miniautos herumfahren, wenn sie nicht gerade in dem eigens für Geschäftsessen eingerichteten Luxusrestaurant dinieren, ist darüber hinaus Zeichen für seine Kreativität und seinen Humor. Wie alle Filme von PM Entertainment ist auch dieser Vertreter aber nicht etwa mit ironischem Augenzwinkern inszeniert, sondern todernst gemeint. Das ist auch das Tolle daran, wie da nämlich Jungsfantasien umgesetzt werden, ohne sie gleichzeitig der Lächerlichkeit preiszugeben. In dieser Welt ist es völlig normal, dass ein CIA-Agent aussieht wie Lorenzo Lamas – mit Viertagbart, zurückgeschleimtem Haar, Minipferdeschwanz und Lederblouson – und die weitgereiste 24-jährige Superterroristin mit dem Modelkörper und der zuckersüßen Tochter von diesem erst einmal in das kleine Schwarze mit den Nuttenpumps gesteckt wird. Vielleicht soll das alles ein bisschen an Bessons LA FEMME NIKITA erinnern (dessen Remake, Badhams POINT OF NO RETURN, wenig später erschien), aber was hier völlig fehlt, ist dieser existenzialistisch-humanistische Überbau, der das Treiben der Geheimdienste als pervers, das Schicksal der unfreiwilligen Agentin als tragisch begreift. In Merhis Film ist das alles einfach nur geil, denn was könnte es Schöneres geben, als vom Staat dafür bezahlt zu werden, Bad Guys umzunieten? Dass Graver, Alexa und Töchterchen dem CIA am Ende eine Absage erteilen, um eine gutaussehende Familie zu gründen, wirkt daher arg aufgesetzt, aber irgendwie auch schön. Zumal dieHelden nur ein Jahr später in C.I.A. II – TARGET: ALEXA zurückkehrten. Aber das ist eine andere Geschichte und soll ein anderes Mal erzählt werden.

MAXIMUM FORCE ist ein Film zum Träumen und Liebhaben. Er hat drei “coole” Protagonisten, einen extrafiesen Schurken und eine gerechte Mission. Er hat eine Storyline, die Achtjährige sich beim Räuber-und-Gendarm-Spiel kaum besser hätten ausdenken können, ist voller markiger Klischees, expressiv ausgeleuchteter Bilder sowie geiler Momente und One-Liner. Man möchte während der Sichtung fortwährend niederknien und dem lieben Gott dafür danken, dass er den DTV-Actionfilm erfunden hat. Alle Ärgernisse der Welt – Neonazis mit ihren hässlichen Hackfressen und verkümmerte Gehirnen, feige, rückgratlose Politiker, unfähige Arbeitgeber, der Verbleib des HSV in der ersten Bundesliga – treten für 90 scheißegeile Minuten in den Hintergrund.

Merhis Film beginnt mit dem Cop Rick Carver (Jason Lively, Sohnemann Rusty aus EUROPEAN VACATION), der von einer Brücke aus mit einem ganzen Arsenal von Hightech-Gerätschaften einen Waffendeal finsterer Anzugtypen beobachtet. Als ein Landstreicher ihn in ein Gespräch verwickelt, wird er entdeckt und mit einem Hubschrauber verfolgt, den er jedoch mit seinem Maschinengewehr vom Himmel pustet. Als nächstes sehen wir den Cop Michael Crews (Sam Jones), Typ: Lederjacke, Wifebeater-Unterhemd, Dreitagebart und große Klappe, der sich Zugang zu einem dubiosen Nachtklub verschaffen will, vom Türsteher jedoch erkannt und aufgefordert wird, seine Waffe abzugeben. Crews gibt als faulen Kompromiss sein Magazin ab (er hat noch ein Ersatzmagazin in der Tennissocke) und verursacht drinnen, wo illegale Kickboxkämpfe ausgetragen werden, direkt eine Keilerei. Die nächste Person, die in den Fokus rückt, ist Cody Randal (Sherrie Rose), die als Prostituierte getarnt als Undercover-Ermittlerin unterwegs ist. Bei einer Auseinandersetzung mit einem fiesen Zuhälter (Sonny Landham) zückt sie kurzentschlossen die Waffe und ballert den Finsterling über den Haufen. Diese drei Episoden werden immer wieder unterbrochen von der Rede des schurkischen Geschäftsmannes Tanabe (Richard Lynch), dessen kriminellen Unternehmungen den Bullen ein Dorn im Auge sind. In seinem durch die Jalousien in ein noireskes Licht getauchten Konferenzraum gibt er sein Verständnis des amerikanischen Traums zum besten und sich als Brutalkapitalisten zu erkennen, der alles verkauft, wonach eine Nachfrage besteht: Droge, Waffen, Nutten, Kickboxfights (für die Yuppies in Beverly Hills, wie er behauptet). Am Ende seiner Rede muss natürlich einer der Zuhörer dran glauben, damit auch der Letzte, dem der diabolische europäische Fantasieakzent und das vernarbte Gesicht noch nicht reichen, begreift, dass mit diesem Mann nicht zu spaßen ist.

Die drei Cops bekommen schließlich einen geheimnisvollen Brief, dessen Absender sie in ein finsteres Lagerhaus bestellt. Er entpuppt sich als Captain Fuller (John Saxon) und weiß über seine Gäste genauestens Bescheid. Sie alle haben persönliche Gründe, aus denen sie Tanabe zur Strecke bringen wollen, doch bislang waren sie damit erfolglos (siehe Intro). Fuller will ihre Kräfte bündeln und ein schlagfertiges Team aus ihnen machen, das mit vereinten Kräften gegen den Bösewicht in die Schlacht zieht. Dass ausgerechnet ein abgerissenes, wenig einladendes, mies beleuchtetes und wahrscheinlich hochgradig asbestverseuchtes Lagerhaus als ihre Einsatzzentrale dienen soll, schreckt die Kämpfer für Gerechtigkeit nur kurz ab. Zu überzeugt sind sie davon, als neu formierte Strike Force endlich ihr Ziel erreichen zu können. Doch zunächst gilt es zu trainieren. Es folgt eine wahrhaft herz- und hirnerweichende Sequenz, in der man die von Fuller vollmundig als die “Besten” ihres jeweiligen Fachs Bezeichneten beim sinn- und  planlosen Verdaddeln ihrer Zeit beobachtet. Rick, seines Zeichens “Technik- und Waffenexperte”, hat einen Computer, schraubt in seinem schimmligen Kabuff an irgendwelchen selbst gebauten Bomben rum, ballert wild durch die Gegend oder spielt mit ferngesteuerten Autos und Flugzeugen. Dieser “Kinderkram” weckt erwartungsgemäß die Bully-Qualitäten von Crews, der stets einen Kippenstummel im Maul hat und viel lieber auf seinen Sandsack einprügelt oder Liegestützen auf den Fingerknöcheln macht. Und was treibt Cody, während die Männer “arbeiten”? Sie sitzt im Schneidersitz auf einer Yogamatte und meditiert. Zu guter letzt erhebt aber auch sie sich und tritt dann einige Bretter durch. Done! Zur Belohnung darf sie sich fortan mit den schmierigen Anmachen der beiden Kollegen herumschlagen, die beide Morgenluft wittern, denn so nah sind sie schon lang keiner Frau mehr gekommen. Ihre Denke erinnert mich an die Grundschulzeit, wo die bloße Gegenwart eines Mädchens in Rufweite Anlass genug war, sie zu fragen, ob sie mit einem “gehen” wollte. Und Rick und Crews wirken trotz ihrer coolen Männernamen und ihrem Gehabe wie große Jungs, die am liebsten noch Spielzeugsoldaten im Sandkasten hochjagen würden. Man versteht die Genervtheit Codys nur zu gut, weil sie eigentlich nur einer von den “Jungs” sein will. Nach einem lustigen Kinderstreich der Drei unterbricht plötzlich Tanner das ausgelassene Gelächter, um zu fragen, welche Fortschritte die Spezialeinheit mit ihrer Ausbildung gemacht habe. Von ihren Fähigkeiten absolut überzeugt, entgegnen sie ihm, dass sie die absolut Besten seien, vom Herumsitzen langsam die Schnauze voll haben und es kaum erwarten können, Tanabe ein neues Arschloch zu reißen. Daraufhin knipst Tanner das Licht aus und hetzt drei Ninjas auf die Supercops, die in der folgenden Keilerei schmerzhaft erkennen müssen, dass zur “Bündelung der Kräfte” etwas mehr gehört, als im selben abbruchreifen Haus zu wohnen. Um Tanabe zu besiegen, müssten sie agieren wie “one body” und denken wie “one mind”, weiß Tanner. Sie setzen das dann auch sofort um, stellen sich Rücken an Rücken und siehe da: Sie schlagen die Angriffe der Ninjas mit dieser Strategie nieder. Tanner ist zufrieden: Sie sind bereit zum Einsatz!

MAXIMUM FORCE ist auch deshalb so geil, weil er eine sattsam bekannte Formel verfolgt, die für seine Storyline typischen Plotpoints sklavisch abhakt, ohne sie jedoch wirklich jemals richtig auszufüllen. Wie oben skizziert, bleibt alles Behauptung. Warum die stulligen Übungen aus den Einzelkämpfern Rick, Michael und Cody ein Team gemacht haben, bleibt genauso unklar, wie der plötzliche Erfolg, den sie nach ein paar Festnahmen kleiner Dealer und Prostituierten feiern. Tanabe sieht sein Geschäft wegen dieser Lappalien bedroht und beschließt die Plagegeister mit Maßnahmen zu belegen. Die Erwähnung von Crews’ Exfrau und Kind führt zu einer Exekutionsszene, die sich aber als Albtraum von Crews entpuppt. Geistesgegenwärtig ruft er seine Frau an, um ihr zu befehlen, wegzufahren. Man sieht sie danach tatsächlich nie wieder, aber das eindringliche Telefonat voller vielsagender Pausen, dass er mit ihr führt, zieht ein ebenso eindringliches und vielsagendes Zwiegespräch mit Cody nach sich, das in der obligatorischen Sexszene resultiert. Rick, der plötzlich hineinplatzt, ist aber nicht eifersüchtig, vielmehr gönnt er Crews den Erfolg. Tanabe setzt als nächstes den korrupten Polizeichef (Mickey Rooney in einem dieser typischen DTV-Auftritte: Er ist in zwei Szenen zu sehen, in denen er auf dem Rücksitz einer Stretchlimo sitzt) auf Tanner an, weil Plan Nummer 1 nicht funktioniert hat. Doch der lässt sich nicht kaufen. Bei der folgenden Ballerei im Lagerhaus sterben daher sowohl Tanner als auch Rick. Crews und Cody hatten zuvor kugelsichere Westen von ihrem Kumpel erhalten. Als Cody den sterbenden Rick fragt, warum er keine getragen habe, antwortet der nur: “Ich hatte nur zwei. Und ich wollte, dass ihr sie habt.” Die Szene ist auch deshalb so rührend, weil die tiefe Freundschaft, die angeblich zwischen den drei Cops entstanden sein soll, buchstäblich aus dem Nichts kommt. Anstatt das jedoch schadenfroh als Versäumnis des Films zu betrachten, sehe ich es eher als Aussage über die Charaktere: Die sind so ausgehöhlt und einsam, dass schon die bloße Gegenwart anderer Menschen eine Seelenverwandtschaft konstituiert.

Der Tod der beiden Vertrauten ist natürlich der letzte Schritt, der zum unweigerlichen Showdown nötig ist, und weil ich bis hierhin schon genug gespoilert habe, hülle ich mich über den Ausgang desselben in Schweigen und komme zum Fazit. Als Actionfilm ist MAXIMUM FORCE sehr durchschnittlich: Es gibt ein paar Explosionen samt durch die Luft fliegender Menschen, ein paar Autostunts und Schießereien, aber noch nichts von der durchdrehenden Lebensmüdigkeit und Größe späterer PM-Exzesse. Wahrscheinlich ist das auch der Grund, dass MAXIMUM FORCE damals auf Video keinerlei Eindruck außer Enttäuschung bei mir hinterlassen hat. Es hat bei dieser Sichtung Ewigkeiten gedauert, bis mir wieder eingefallen ist, dass ich ihn tatsächlich schon einmal gesehen habe. Die Kunst besteht wohl darin, ihn nicht als knalligen Actioner, sondern als naives Nachahmen der großen Vorbilder zu schauen, als Direct-to-Video-Neo-Noir, der bis unter die Hutkrempe mit artifziellen Bildern von trockeneisnebligen Straßenecken oder stahlblauer Räumlichkeiten vollgestopft ist oder als prall gefüllte Wundertüte putziger Einfälle. MAXIMUM FORCE ist einer jener Filme, die förmlich überlaufen vor Spinnereien, bizarrer Eingebungen und niedlicher Details, dass sie darüber ganz vergessen, eine Geschichte zu erzählen. Merhi hat einen immens kurzweiligen, aber niemals auch nur annähernd spannenden Filme gedreht, der nebenbei eine totale Augenweide ist. Auf den Trichter mit dem Orange and Teal sind die Filmemacher erst 20 Jahre später gekommen. Dabei hatte MAXIMUM FORCE schon alles zum Thema gesagt.

THE TOWERING INFERNO darf als McQueens letzter wirklich großer Film gelten, doch wahrscheinlich ist es seit seinem Durchbruch in den Sechzigerjahren auch der erste, den man nicht als “Steve-McQueen-Film” bezeichnen kann. Nicht nur, dass dem Star mit Paul Newman ein mindestens gleichrangiger Partner zur Seite gestellt wurde – Newman war jahrelang der Gradmesser, an dem McQueen seinen eigenen Karrierefortschritt bewertete, und die Antwort auf die Frage, wer von den beiden in THE TOWERING INFERNO das prestigeträchtige “Top-Billing” erhalten würde, kostete die Produzenten großes diplomatisches Geschick und Kreativität –, Irwin Allens Film ist als Gipfelpunkt seiner Katastrophenfilm-Reihe auch ein Werk, das seine Darsteller in den Schatten der damals beispiellosen Spezialeffekte und des High Concept stellte.

Allens Filme – neben diesem vor allem THE POSEIDON INFERNO, aber auch der massiv gefloppte Bienenfilm THE SWARM und die gleichermaßen erfolglosen BEYOND THE POSEIDON ADVENTURE und WHEN TIME RAN OUT, sowie die thematisch verwandten Fernsehproduktionen FLOOD! und FIRE! – setzten auf die publikumsträchtige und gut vermarktbare Verbindung aufwändiger Spezialeffekte und stargespickter Besetzungslisten. Es sind hochgradig materialistische Filme, die so entstanden und den Zuschauer heute unweigerlich an überdimensionierte, größenwahnsinnige Jahrmarktsattraktionen erinnern. Die Schablone, nach der sie gefertigt wurden, hatte Allen dem Film AIRPORT entlehnt und binnen kürzester Zeit zur fragwürdigen Perfektion getrieben. Der Regisseur, der hinter der Kamera stand, war kaum mehr als ein besserer Fotograf, dessen Aufgabe in erster Linie darin bestand, die materiellen und menschlichen Schauwerte wirksam ins Bild zu setzen. Eine persönliche Handschrift sucht man vergebens und so sind Allens Katastrophenfilme dann auch von einer beachtlichen Homogenität und Gleichförmigkeit.

Inhaltlich zeichnen sie sich meist durch eine fast religiös anmutende Fortschritts- und Technikskepsis (was angesichts des technischen Aufwands, der da betrieben wurde, höchst ironisch ist) sowie die Beimengung manipulativer melodramatischer Elemente aus. In der Exposition von THE TOWERING INFERNO wird das moderne Hochhaus, das höchste der Welt, eingeführt, dessen Eröffnungsfeier kurz bevorsteht. Architekt Doug Roberts (Paul Newman) will sich aus dem Geschäft des “Höher, Schneller, Weiter” zurückziehen, Bauherr Jim Duncan (William Holden) ihn natürlich behalten. Schon nach kurzer Zeit entdeckt Doug, dass Pfusch am Bau betrieben wurde: Um Kosten zu sparen, hat Simmons (Richard Chamberlain), der Schwiegersohn Duncans, billige Kabel verbaut. Diese Kabel lösen einen zunächst unentdeckt bleibenden Brand aus, der die oberen Etagen des Wolkenkratzers in eine Todesfalle verwandelt. Während die gefangenen Partygäste zu entkommen versuchen, kämpft die von Chief O’Halloran (Steve McQueen) angeführte Feuerwehr verzweifelt gegen die Flammen an. Die letzten zwei Stunden des rund 165 Minuten langen Films bestehen aus einer unablässigen Folge mehr oder minder spannender oder actionreicher Set Pieces, die jeweils die Überwindung eines neuen Hindernisses zum Thema haben und bei denen die breite Besetzung zunehmend ausgedünnt wird. Damit das den richtigen emotionalen Nachhall findet, werden da Liebespaare getrennt oder beim Schäferstündchen überrascht, alternde Damen auf halsbrecherische Klettertour geschickt, behinderte Kinder in den Flammen ausgesetzt oder treue Freunde versengt. Ein besonders beliebtes Allen’sches Mittel ist die Betonung der schicksalhaften Fügung: Bevor Sekretärin Patty (Susan Blakely) von ihrem Chef und Lover (Robert Wagner) unter dem Vorwand, einen Brief aufzunehmen, zum Schäferstündchen in sein Büro gerufen wird, in dem sie beide den Tod finden werden, bemerkt ihre Kollegin, dass sie doch schon fast in ihren Feierabend gegangen wären.

Wie die meisten in den Siebzigerjahre entstandenen Katastrophenfilme wirkt auch THE TOWERING INFERNO heute hoffnungslos überkommen – und im Grunde war er das ja auch damals schon, egal wie revolutionär seine Effekte auf seine Zuschauer gewirkt haben mögen. Es ist, als hätte es das New Hollywood und seine Idee, realistische Geschichten einfacher Leute zu erzählen, nie gegeben, als sei die Tradition des immer auch etwas angeberischen Monumentalkinos noch genauso lebendig wie 20 Jahre zuvor. Man mag in Allens Filmen einen Vorläufer des wenig später mit STAR WARS losgetretenen, heute das Gros der Hollywood-Produktionen ausmachenden Eventkinos sehen, doch ästhetisch hat er nichts damit zu tun. THE TOWERING INFERNO mutet vor allem hinsichtlich seiner Dramaturgie fast fernsehmäßig an, als hätte Allen einen Supercut aus den besten LOVE BOAT-Episoden erstellt und mit teuren Effektsequenzen aufgemotzt. Die ehrfurchtgebietende Darstellerriege wird zur Verkörperung eindimensionaler Pappkameraden durch die plüschigen Settings gejagt, die atemlose Aneinanderreihung von Attraktionen lässt zwischendurch immer wieder Zeit für das Einschieben eines Werbeblocks oder die Toilettenpause und ein ausgelutschtes, trantütiges Klischee – das Paar mit divergierenden Karriereplänen, der pfennigfuchsende, arrogante Schwiegersohn, die vom Pech verfolgten Liebenden, der die Katastrophe herunterspielende Unternehmer, der durchgreifende Feuerwehrmann, die tapferen Kinderlein, die Massenpanik, die die Katastrophe noch vergrößert, die Hornbrille Duncans – jagt das nächste. THE TOWERING INFERNO ist weniger Film als vielmehr Aufhänger für eine Marketingkampagne zur Selbstdarstellung Allens und erinnert darin an die zum dramatischen Scheitern verurteilten Bemühungen übermotivierter Provinz-Impresarios, irgendwelche ehemaligen Bundesligastars zu Fantasiesummen für ihren Kreisligaverein oder auf den Bühnen der Welt beheimatete Superstars zur Eröffnung des lokalen Möbelhauses zu engagieren. Was in der freien Wirtschaft regelmäßig zu scheppernden Konkursen führt, zog auch bald Allens Niedergang nach sich. Die Kluft zwischen der großes Entertainment versprechenden Oberfläche seiner Filme und dem, was sich darunter verbarg, fiel spätestens bei THE SWARM auch dem wohlmeinendsten Zuschauer noch frappierend ins Auge. Nach drei Megaflops in Folge war Allens Produzentenkarriere dann beendet.

Den nackten Unterhaltungswert von THE TOWERING INFERNO tut das alles keinen Abbruch. In seinem Größenwahn und seiner geschmacklosen Anhäufung von protzigen Schauwerten ist er beispiellos und ähnlich erdrückend wie die mit potthässlichem Luxussschrott zugestellte Villa eines russischen Waffenhändlers mit zu viel Geld und zu wenig Stil. Man hat nicht wirklich die Gelegenheit, sich zu langweilen, auch wenn es schon ziemlich vermessen ist, einem schnöden Brand zweieinhalb Stunden Zeit zu widmen. Doch das alles relativiert sich natürlich, wenn man bedenkt, dass es Filme über Vulkanausbrüche, Erdbeben und Springfluten gibt. Sofern man über Sinn für Humor verfügt, entfaltet das geschäftige Gewusel der Schauspieler, die durch den Film stolpern wie die prominenten Kandidaten einer Gameshow durch einen elaborierten Hindernisparcours, durchaus einen nicht unbeträchtlichen Witz. Und: Was ist das eigentlich für ein maroder Schrotthaufen, der da errichtet wurde? Da funktionieren Sprinkleranlagen nicht, fehlen Feuerschutztüren, brennen alle Sicherungen durch, sobald das Licht angeht, versagen Fahrstühle, sind Türen von verschüttetem Beton versperrt und gehen Scheiben schon beim bloßen Angucken zu Bruch. Wirklich nichts funktioniert und wie da jeder Rettungsversuch nur in einer neuen Katastrophe mündet, ist einfach urkomisch. Ebenso wie das hilflose Finale, bei dem man gefühlte 20 Minuten dabei zusehen darf, wie Wasser die Wände runterläuft und Leute enthemmt durch die Gegend purzeln. Am Ende atmen alle tief durch und Fred Astaire bekommt von O. J. Simpson sogar das kleine Kätzchen zurück. Et hätt noch emmer joot jejange. Aber ob der sich die Komik von THE TOWERING INFERNO auch Steve McQueen erschlossen hat? Der hier zum ersten Mal wirklich alt aussehende Schauspieler versieht seinen Feuerwehrhauptmann mit der Autorität und kalten Routine, die er auch seinem Bullitt verlieh. Während alle anderen panisch durch die Gegend rennen oder versuchen, sich mit smartem Lächeln gegen Allens Effektorgie zu behaupten, scheint McQueen als einziger der Überzeugung, wirklich ein tödliches Feuer bekämpfen zu müssen. Seine Nemesis Paul Newman kriegt von ihm, kaum dass er aus dem Feuerwehrauto steigt, den Marsch geblasen: Es besteht kein Zweifel, dass McQueen diesen Film genauso Ernst nahm wie alle anderen seiner Filme und er nicht dazu bereit war, sich lediglich demütig in Allens Nummernrevue einzufügen. Ihm gehört dann auch das Schlusswort, mit der prophetischen Mahnung, beim Bau von Hochhäusern auf die klugen Feuerwehrmänner zu hören. Ein bisschen gesunder Menschenverstand würde aber auch schon reichen. So sagt der Architekt Doug dann auch zum Ende, dass man die dampfende Ruine als Mahnmal stehen lassen solle, auf dass sie an all den “bullshit” auf der Welt erinnere. Eine gute Idee. Und THE TOWERING INFERNO kann man direkt daneben stellen.

1317873755Ich möchte diese Gelegenheit nutzen, ein Loblied auf Lorenzo Lamas zu singen, einen Schauspieler, den zu verlachen leicht fällt, den man noch nie wirklich Ernst geommen hat, dessen Karriereverlauf ihn aber für mich zu einem echten Sympathen macht – mal ganz davon abgesehen, dass er als (Action-)Schauspieler viel besser ist, als man es ihm für gewöhnlich zugesteht.

Wer wie ich in den Achtzigerjahren aufgewachsen ist (oder wer sich sonst an dieses Jahrzehnt erinnert), der hat Lamas wahrscheinlich als “Lance Cumson” in der Serie FALCON CREST kennen gelernt. Als Leser der Jugendpostille “Bravo”, die dem dunkelhaarigen Beau mit dem permanenten Dreitagebart seitenweise erlegen war, musste ich mich damals schon mit dem ernüchternden Gedanken arrangieren, den vorherrschenden weiblichen Männergeschmack mit meinem Aussehen meilenweit zu verfehlen. Lamas war, so schien es mir, zu Großem berufen, ein geborener Star. Doch seine Versuche, auf der großen Leinwand Fuß zu fassen, schlugen fehl (für seine Leistung im Breakdance-Film BODY ROCK wurde er für die berüchtigte Goldene Himbeere nominiert), und mit dem Ende der Achtzigerjahre, von FALCON CREST und des in diesem Jahrzehnt von der Gillettwerbung geprägten Männlichkeitsideals ging es auch für Lamas bergab. An die Stelle der beliebten Seifenoper traten die ersten Auftritte in kleineren Actionfilmen wie SNAKE EATER und dann schließlich das Engagement für die Serie RENEGADE, in der er einen zu Unrecht verdächtigten Polizisten auf der Flucht spielte und in den postmodernen Neunzigern mit langen Haaren, Motorrad, Jeans, Cowboystiefeln und Totenkopfringen an den Händen wie ein aus der Zeit gefallenes Relikt wirkte. Ein solches verkörpert Lamas auch in den Dutzenden von DTV-Actionern, die er im weiteren Verlauf des Jahrzehnts drehte. Er repräsentiert längst überkommene Rollenbilder und eine untergegangene Ära, in der sich der Grad der Virilität noch an der Ausgeprägtheit von Bart- und Brusthaarwuchs, an der Zahl sexuell höriger Verehrerinnen und überstandener Kneipenschlägereien, dem Pensum an Whiskey, das man wegkippen und trotzdem noch gerade auf der Harley sitzen konnte, und an der zur Schau gestellten Scheißegal-Haltung sowie der Beharrlichkeit der Weigerung, Haushaltstätigkeiten zu verrichten, messen ließ. In allen diesen “Disziplinen” erreichte Lamas mit Leichtigkeit Spitzenresultate, was ihn auch zum Actionhelden prädestinierte. Wie es aber genau dazu kam, dass er plötzlich als Kickboxer reüssierte, weiß ich nicht: Sein immenser Bekanntheitsgrad machte ihn für die Produzenten der damals populären Filme interessant, mangelnde Filmreferenzen gleichzeitig erschwinglich, aber er verfügte über keinerlei Martial-Arts-Ausbildung.

Das erklärt auch, warum er als ehemaliger Kickboxchampion Nick Taylor in FINAL IMPACT kaum selbst aktiv wird. Stattdessen hat er sich nach einer schweren, körperlich wie seelisch traumatischen NIederlage gegen den eklen Jake Gerrard (Jeff Langton), der ihm auch noch die Frau ausspannte, hinter den Schreibtisch eines fragwürdigen Clubs zurückgezogen, der ölige Frauenringkämpfe und Kickboxfights veranstaltet. Seinen Frust über die vergeigte Karriere und die erfahrene Schmach ertränkt er Tag für Tag im Schnaps, außerdem laboriert er an einer äußerst hartnäckigen Oberbekleidungs-Allergie, die ihn dazu zwingt, ständig mit freiem Oberkörper unter Weste oder Jeansjacke herumzulaufen. Als ihn aber der junge Kämpfer Danny (Michael Worth) aufsucht, ein absoluter Bewunderer von Nicks einstiger Kampfkunst, und sich als Supertalent erweist, das unter anderem den bepferdeschwanzten Gary Daniels wegboxt, sieht Nick seine Chance auf eine verspätete Revanche. Er erklärt sich bereit, Danny auf die in Kürze in Las Vegas ausgetragenen Meisterschaften vorzubereiten, bei denen Jake der erklärte Favorit ist. Nicks Freundin Maggie (Kathleen Kinmont) beäugt Nicks Enthusiasmus hingegen mit Argwohn: Sie ist besorgt darüber, dass ihr Partner seine einstige Niederlage immer noch nicht überwunden hat, und fürchtet, dass er seinen Schützling ins Unglück treibt.

Ich habe mich gestern irgendwann gefragt, warum ich FINAL IMPACT eigentlich so verflucht unterhaltsam finde. Nämlich just in dem Moment, in dem mir auffiel, dass dieser vermeintliche Kickboxfilm als KIckboxfilm nicht besonders viel hermacht. Die Fight sind alle sehr ordentlich, wenn auch nicht übermäßig spektakulär in Szene gesetzt, und mit Leuten besetzt, die Hand- und Fußwerk offensichtlich verstehen, aber sie laden nicht gerade zum Mitfiebern ein, wie das bei Turnierfilmen – man denke an BLOODSPORT und Konsorten – idealerweise der Fall ist. Das ganze Turnier läuft so im Hintergrund ab und außer dem Schurken Jake lernt man keinen der Teilnehmer kennen, es dient eher als Auflockerung für die dramatische Geschichte Nicks, der an seiner Vergangenheit zu zerbrechen droht. Irgendwann kommt es natürlich zur Begegnung mit Jake, Nick nennt seine gehässige Ex eine “Hure” und wird von dem Rivalen zu einer Schlägerei herausgefordert. Maggie ist verzweifelt, es kommt zum Streit, bei dem das leidige Thema “Alkohol” zur Sprache kommt und Nick landet aus Trotz mit einer anderen Frau im Bett. Maggie zieht die Konsequenzen und verlässt ihn, er hat nun nichts mehr und naürlich auch keine Chance gegen Jake. Yaddayaddayadda, man kennt das aus Dutzenden Filmen, nichts davon ist neu. Es ist Lorenzo Lamas, der FINAL IMPACT trägt und ihn für mich gestern zum Quell der Freude machte.
Schon der Auftakt, wie er da mit dem Whiskey-Tumbler in den totenkopfberingten Fingern, der Weste über dem gutgeölten, üppig behaarten Körper, den zurückgeschmierten Haaren und dem Dreitagebart in seinem Schreibtischstuhl hängt, er die Avancen seines Bewunderers mit aufreizender Arroganz an sich abprallen lässt, ist göttlich. Der Weg ist geebnet und Lamas beschreitet ihn im Folgenden mit einer beeindrucken Sammlung redneckiger Rockeroutfits, cooler Sprüche im Mundwinkel und nie versiegenden Schnapsreserven. Er hat etwas entschieden Aufmüpfiges, Emporkömmlerisches an sich, er ist der Asi, dessen Sieg man anerkennen muss, weil er so gut ist. Das Tolle an ihm ist, dass man ihm seine Arroganz und Selbstverliebheit zugesteht, auch wenn sie eigentlich durch nichts untermauert wird. Allein, weil er diese leere Autorität zu verkaufen weiß. Besser jedenfalls, als seine Kickboxbemühungen, die immer etwas auswendig gelernt anmuten. Lamas ist so etwas wie der negative Seagal: Man verzeiht ihm, dass er sich mit Dingen brüstet, die er nicht kann, weil er so verflucht charmant in seiner Attitüde ist. Seagal hingegen kann Vieles von dem, was er behauptet, aber man vermutet Hochstaplerei, weil er damit stets so unsympathisch hausieren geht. Wie Seagal spielt auch Lamas immer nur eine Variation desselben Typen, eines großmäuligen Proleten mit dem Herzen aus Gold. Man will, dass er gewinnt, allein deshalb, damit der Nachschub an Wet-Gel, Cowboystiefeln und protzigem Herren-Modeschmuck nie versiegen mag und er sich seine arrogante Selbstverliebtheit bewahrt.

Erinnert sich noch jemand an den großartigen STONE COLD vom leider vergessenen Craig R. Baxley, der 1991 noch einmal zeigte, wie man im Jahrzehnt zuvor Actionfilme gedreht hatte und zudem die Klasse besaß, Lance Henriksen und William Forsythe als Köpfe einer verbrecherischen Bikergang zu besetzen? Kann sich noch jemand außer mir ein DTV-Rip-off dieses Kleinods vorstellen, vielleicht gar aus dem Hause PM Entertainment, der Heimat filmisch aufbereiteter Automobilverschrottung? Geht noch jemandem bei der Vorstellung die Hose auf? Dann träumt weiter, denn THE LAST RIDERS ist nicht dieser Film, auch wenn er ohne Frage an den Erfolg von STONE COLD anknüpfen will. Erik Estrada ist kein Brian Bosworth, was immer das heißen mag.

Der ehemalige Star aus der Fernsehserie CHiPS ist Johnny, Mitglied der Bikergang “The Slavers” und neben Anführer Rico (Angelo Tiffe) der Veteran der Truppe. Als er nach einem fehlgeschlagenen Drogendeal bei einem Vergeltungschlag eingesetzt wird und einen Mann umbringt, der sich kurz darauf als dreckiger Cop herausstellt, verkündet er seinen Ausstieg (“Take my colors. Burn ’em and piss on the ashes.”), um die Kameraden zu schützen, und begibt sich auf den Weg gen Norden. Dort stattet er seinem alten Kumpel “Hammer” (William Smith), der eine Werkstatt an der Autobahn sein eigen nennt, einen Besuch ab und lässt sich überreden, bei ihm unterzukommen und zu arbeiten. Wenig später entflammt gar die große Liebe, als die Reisende Anna (Kathrin Middleton) mit ihrer Tochter wegen einer Panne gezwungen ist, bei Johnny zu übernachten. Doch natürlich holt die Vergangenheit Johnny ein …

THE LAST RIDERS ist nach NIGHT OF THE WILDING und RING OF FIRE ein neues Beispiel dafür, was für bizarre Filme dabei herauskommen, wenn man versucht, die Formeln Hollywoods zu adaptieren, ohne die Ressourcen dafür zu haben. Das, was in einem herkömmlichen Actioner in der Exposition abgefrühstückt würde, dehnt Joseph Merhi auf über eine Stunde aus und quetscht den eigentlich interessanten Teil der Story in einen kurzen Showdown, der kaum der Rede wert ist, ja, eigentlich noch nicht einmal diese Bezeichnung verdient. Als Action- oder Rachefilm ist THE LAST RIDERS ein ziemlicher Rohrkrepierer, aber wie er die altbewährte Formel beugt und zum Ausgangspunkt eines schmonzettenhaften Melodrams macht, ist nicht ohne bizarren abseitigen Reiz. Merhi verwendet wie erwähnt viel Zeit darauf, die Liebesbeziehung zwischen Johnny und Anna anzubahnen und macht dabei vor keinem Klischee halt. Anna ist zunächst natürlich eine eingebildete Schlampe, die Johnny der schlechten Arbeit bezichtigt und seine Hilfsbereitschaft nur mit Unverschämtheiten zu kontern weiß. Schließlich bleibt ihr aber doch keine Wahl, als auf sein Angebot, bei ihm im Trailer zu wohnen, einzugehen. Kaum dass sie einen Fuß in die Tür gesetzt hat, geht die geborene Hausfrau mit ihr durch, sie putzt, räumt auf und schickt den im Weg rumstehenden Mann zum Einkaufen, weil der nur Bier im Kühlschrank hat. Das Fleisch, das er mitbringt, schaut sie an wie ein gebrauchtes Kondom: Sie kocht natürlich vegetarisch, japanisch, um genau zu sein, und zwingt ihn dann sogar dazu, mit Stäbchen zu essen, wobei er sich extradumm anstellt und keinen einzigen Bissen in den Mund bekommt. Nicht mit Johnny, den es nach Burger, Fritten und Milchshake gelüstet und der Annas hässliches Kind dabei sofort auf seiner Seite weiß. Doch das sind natürlich nur die obligatorischen Anlaufschwierigkeiten, die eine umso harmonischere Beziehung nach sich ziehen. Aber was heißt hier “Beziehung”? Seinen romantisch-kuriosen Gipfel erklimmt der Film, als Johnny und Anna während eines Ausflugs nach Las Vegas spontan HEIRATEN! Nachdem er vor kurzem noch als Polizistenmörder nach Kanada auswandern und sie eigentlich nur mal eben ihr Auto reparieren lassen wollte, eine überaus unerwartete Entwicklung, die man durchaus als “Kurzschluss” bezeichnen könnte. Die beiden leben in einem verschissenen Wohnwagen irgendwo im Nichts, for Christ’s sake! Geht das Blag eigentlich irgendwo zur Schule?

Es ist klar, dass das fragwürdige Glück nicht lange anhalten kann und deshalb wird Johnny auch von den Bullen ausfindig gemacht und Rico als angeblicher Verräter präsentiert. Der schickt seine Killer, die statt seiner aber “nur” Anna und das kleine Mädchen mit ihren Schrotflinten wegpusten. Johnny kann nichts mehr tun, außer den Trailer – der ja eigentlich seinem Kumpel Hammer gehört – anzuzünden und bedröppelt in die Flammen zu schauen. Was er an seinem Freund hat, der die mutwillige Zerstörung seines Eigentums ganz entspannt hinnimmt, bemerkt er hoffentlich später. Der Zuschauer darf frohlocken, denn nun gibt es zum ersten Mal seit dem Auftakt des Films wieder Action: Zum Frauen-AOR-Sound der “Sheilas”, die auch schon zu Beginn einen ausgedehnten Auftritt hatten und unter anderem eine Querflötistin in ihren Reihen wissen, gibt es eine Montagesequenz, in der Johnny einige seiner alten Kumpels murkst. Er wird dabei aber verwundet und schleppt sich in seine alte Stammkneipe, wo ihn die Bedienstete Feather (Mimi Lesseos) aufnimmt und gesund pflegt. Merkt jemand was? Bevor sich das Szenario, das Johnny überhaupt zu ihr führte, aber noch einmal wiederholt (Feather gesteht Johnny ihre Liebe, aber der braucht wahrscheinlich noch ein bis zwei Tage Trauerarbeit), bricht er auf, um mit seinem best buddy Rico anzurechnen. In einer dunkeln Gasse stehen sich dei beiden schließlich zwischen zwei brennenden Mülltonnen gegenüber. Sie schauen sich grimmig an, nicken ,,, und fahren dann in entgegengesetzte Richtungen davon. Ende.

For real, ich habe mir das nicht ausgedacht. THE LAST RIDERS müsste man als Publikumsverarsche bezeichnen, wenn das, was man da 90 Minuten lang geboten bekommt, nicht so durch und durch faszinierend in seiner Spießigkeit wäre. Wer immer schon der Meinung war, dass noch unter der speckigsten Rockerjoppe ein sentimentales Muttersöhnchen steckt, der wird sich hier bestätigt sehen. Und wer immer schon einen Rockerfilm gesucht hat, für den sich auch die Oma begeistern kann, der ist mit THE LAST RIDERS endlich am Ziel angekommen. Halleluja!

A priori richtige Aussagen: Regisseure, deren Nachnamen klingen wie der Titel eines drittklassigen GREMLINS-Rip-offs, sollten keine Martial-Arts-Filme machen. Wahrscheinlich wusste Richard W. Munchkin das sogar selbst, denn mit RING OF FIRE tut er sein Menschenmöglichstes, der ungeliebten Schublade zu entkommen. Bei einer Laufzeit von 97 Minuten widmet er sich vielleicht in kargen 10 der handfesten körperlichen Auseinandersetzung die für sein Genre eigentlich konstituierend ist.

Viel mehr interessiert ihn die Rassengrenzen transzendierende Liebe zwischen dem charmanten chinesischen Arzt Johnny Woo (Don “The Dragon” Wilson) und der Bimbo-Blondine Julie (Maria Ford). Letztere ist eigentlich mit dem öligen Vokuhila-Proleten Chuck (Vince Murdocco) verlobt, doch es kriselt, weil der nur seine illegalen Arena-Fights im Sinn hat, die er mit seinen Kumpels  Brad (Dale Jacoby) – einer gelungenen Kreuzung aus Tim Wiese und Vanilla Ice – und Bud (Gary Daniels) bestreitet. Bei diesen Fights nimmt auch Johnnys Cousin Terry (Steven Vincent Leigh) teil und der gerät bald in einen erbitterten Streit mit den Konkurrenten, der sich zu einem Krieg zwischen Weißen und Asiaten ausweitet. Wobei “Krieg” hier bedeutet, dass es einmal eine ca. dreiminütige Massenkeilerei gibt, die von dem immer zu spät auftauchenden Polizisten Lopez (Michael DeLano) aufgelöst wird. Dieser “Krieg” führt schließlich zu einem Zweikampf zwischen Terry und Brad, den Julie unbedingt verhindern will, weil sie Gewalt verabscheut. Johnny hat eine Superidee: Er schlägt Terry vor, Brad das Angebot zu unterbreiten, den Kampf nach thailändischer Art mit Glassplitter-gespickten Handschuhen zu bestreiten. Das lehnt Brad bestimmt ab und Terry verliert sein Gesicht nicht! Doch er hat die Rechnung ohne Brad gemacht. Lebensmüde wie er ist, willigt er nämlich ein (Terrys Blick ist Gold wert) und bringt Terry im Kampf um. Es kommt zum Showdown zwischen Johnny und Brad.

So könnte eine Inhaltsangabe des Films lauten, die dann jedoch die Realität verkennen oder zumindest reichlich schönfärben würde. Meist wohnt der Zuschauer nämlich dem ritualisierten Dating Game von Julie und Johnny bei. Sie trifft ihn zum ersten Mal im Chinarestaurant seiner Tante, wo er sie mit einer poetischen Glückskeks-Botschaft überrascht. Dann begegnen sie sich bei einem Maskenball wieder, und er bittet sie als mysteriöses Phantom zum Tanz. Der Maskenball ist übrigens höchst seltsam, denn zur Kleidervorschrift scheint nicht nur die Kostümierung, sondern auch ein Schuhverbot zu gehören. Alle tanzen barfuß, wahrscheinlich, weil die Veranstaltung in einer Turnhalle stattfindet. Johnny ist nach diesem Erlebnis genauso hin und weg wie Julie. Er sucht sie bei ihrer Arbeit in einer Boutique auf, wo sie gerade ein Kleid anprobiert, doch seine Liebeserklärung hält er vor der falschen Umkleidekabine: Peinlich berührt eilt er von dannen, als eine über beide Ohren strahlende Oma ihm einen Kuss auf die Backe drückt. Doch Julie hat alles gehört und weiß: Johnny ist der Richtige. Fortan treffen sie sich zum vergnüglichen Bummeln und er überzeugt sie mit weiteren Glückskeks-Weisheiten von der spirituellen Überlegenheit des Chinesen gegenüber dem weißen Kickbox-Proleten US-amerikanischer Provenienz. Eine ausgedehnte Folklore-Einlage gibt dann sogar Aufschluss über die Bräuche des Neujahrsfestes und die Tante Johnnys klärt die beiden darüber auf, dass sie nach dem chinesischen Horoskop super zusammenpassen. Dem Glück scheint also kaum etwas im Wege zu stehen. Außer seiner Hautfarbe, denn wir schreiben ja erst das Jahr 1991. Als Brad und Chuck Johnny und Terry beim Maskenball begegnen, fragen sie, ob das hier Pearl Harbor sei, und als Julie ihrer Oma ein Foto von ihrer großen Liebe zeigt, sagt die, das könne sie ihrem in Vietnam gefallenen Vater nicht antun. “Gelbe Sippenhaft” heißt das Phänomen wahrscheinlich. All diese Vorurteile begünstigen die in jedem Film nötige Komplikation im dritten Akt, als Julie plötzlich reichlich unmotiviert kalte Füße bekommt und Johnny gegenüber behauptet, ihm alles nur vorgespielt zu haben. Während des Finalfights bekennt sie sich dann jedoch zu ihrer großen Liebe und springt just in dem Moment in den Ring, als der feige Brad mit einem Samuraischwert zuschlagen will. Wie weiland Winnetou fängt sie den ihrem Liebhaber zugedachten Hieb ab, doch es wird natürlich alles gut werden. Fin.

RING OF FIRE ist der pure Wahnsinn wie man meinem Text hoffentlich entnehmen kann. Er bietet nicht nur einen Einblick in die schlimmsten Geschmacksentgleisungen, die sich die Mode zu Beginn der Neunzigerjahre erlaubte, sondern auch hölzernes Schauspiel, bizarre Bildkompositionen, billige Settings und allerlei unerklärliche Details. Einmal stellt die Tante etwa Johnny und Terry eine Frau vor, die ihr nun beim Wäscheaufhängen helfen werde. Man sieht sie dann in der folgenden Szene gemeinsam am Wäscheständer stehen und danach verschwindet die freundliche Haushaltshilfe wieder. Warum? Musste da vielleicht wirklich gerade Wäsche aufgehangen werden am Set und man dachte sich, das kann man auch einfach mit einbauen? Man weiß es nicht. Das größte, weiterhin andauernde Rätsel ist für mich aber die Karriere von Don “The Dragon” Wilson. Ich warte noch auf den ersten Film mit ihm, den ich gut finde und nicht einfach nur schrecklich farblos und unansprechend. Gut, warum er Actiondarsteller wurde, erklärt ein Blick in seine Biografie. Als mehrfacher Kickbox-Champion war er natürlich prädestiniert für eine Karriere in DTV-Filmen, aber ich frage mich trotzdem: Gibt es da draußen wirklich Leute, die ihn gut finden? Die, wenn sie ein DVD-Cover in der Hand halten, auf dem sein Name prangt, sagen: “Geil, der neue Wilson!” Und wenn ja: Was müssen das für traurige Zeitgenossen sein? Aber ich will nicht gemein sein. In RING OF FIRE ist Wilson durchaus ganz adäquat besetzt, wahrscheinlich, weil er als romantischer Lover einer unterbelichteten Blondine glaubwürdiger ist als als schweigsamer Actionheld. RING OF FIRE geht in die Geschichte ein als der erste Kickbox-Film von PM Entertainment. Es sollten einige weitere folgen, aber in diesem Subgenre waren Pepin und Merhi ganz offensichtlich nicht zu Hause. Wer nur die Perlen aus ihrem Oeuvre herauspicken möchte, sollte sich eher an ihre Cop- und Gangsterfilme halten. Wobei einem dann natürlich Kuriositäten wie diese hier entgehen, in der Gary Daniels (in seinem erst driten Film) von einem besoffenen Chinesen angepisst wird.

1973 White lightning - Los traficantes (ing) 01Ein Lieblingsfilm seit meiner Kindheit, in der ihn meine Eltern aus dem Fernsehen aufgezeichnet hatte. Verstanden habe ich ihn damals nicht (warum man keinen Schnaps brennen darf, war mir ein Rätsel), aber die Eröffnungsszene, in der der fiese Sheriff Connors (Ned Beatty) zwei Jungs ertränkt, hat mich immens beeindruckt. Heute fällt es mir dann auch ein bisschen schwer auseinanderzuhalten, was an meiner Zuneigung hoffnungslose Nostalgie ist und was “objektives” Gutfinden von Sargents schnurrendem Entertainmentboliden. WHITE LIGHTNING genießt einen ausgezeichneten Ruf als einer von Reynolds’ besten Filmen seiner “klassischen” Phase, aber ich vermute, dass Menschen, die ihn heute zum ersten Mal sehen, ihn wahrscheinlich als unspektakulär empfinden. Es gibt drei ausgedehnte Verfolgungsjagden und eine tolle Besetzung, aber sonst könnte WHITE LIGHTNING auch eine etwas in die Länge gezogene Folge von “Ein Colt für alle Fälle” oder “Ein Duke kommt selten allein” sein.

Burt Reynolds ist Bobby “Gator” McKluskey und er sitzt im Bau, weil er sich als “Moonshine Runner”, also als Lieferant schwarz gebrannten Fusels, verdingt hat, was in der Gegend, aus der er kommt, quasi der Standardberuf für echte Kerle ist. Als er erfährt, dass sein Bruder Donny, ein Student, vom korrupten Sheriff Connor umgebracht wurde, schlägt er dem Staat einen Deal vor: Er bietet sich als Informant an, verspricht, Connor belastendes Material zu finden, und wird freigelassen. Als Fahrer für Roy Boone (Bo Hopkins) steigt er in die Szene ein, bekommt aber bald Gewissensbisse, weil er natürlich auch seinesgleichen mit inkriminiert. Also muss er den schurkischen Sheriff auf seine Weise drankriegen.

WHITE LIGHTNING gefällt mir vor allem wegen seines staubig-sumpfigen Südstaatensettings. Alle Figuren sprechen diesen herrlich Southern Drawl, sind pausenlos verschwitzt und leben in Holzhäusern voller Gerümpel, die Straßen sind lehmige Dreckpisten und keiner scheint einer normalen Arbeit nachzugehen. Burt Reynolds ist ein Mahnmal männlichen Selbstbewusstseins, ohne jedoch in dieses Geckenhafte abzugleiten, das später seinen Abstieg begleitete. Auch wenn sich das in meiner Beschreibung anders anhört: WHITE LIGHTNING ist frei von überflüssigen Beigaben oder klischeehaften Übertreibungen. Er wirkt eher reduziert in seinem gesamten Aufbau, auch nicht so als hätte ein Yankee einen Film über das Leben im Süden gemacht. Ob Sargents Film wirklich authentisch ist, kann ich natürlich nicht beurteilen, aber er wirkt definitiv so. Ein gutes Beispiel, um einen Eindruck von dieser Zurückgenommenheit zu geben, ist Ned Beatty. Sein Sheriff ist kein geiferndes Arschloch, wie man das von Bösewichten in Actionfilmen erwarten darf, nein, es ist eben ein Beamter, der seine Amtsautorität missbraucht in dem Glauben, dazu berechtigt zu sein. Beatty erkennt man fast gar nicht mit Brille, Hut und zusammengepressten Lippen und jede Komik, die er sonst gern in seine Rollen einbringt, ist hier abwesend. J. C. Connor ist einfach nur ein Fascho-Arschloch, wie es sie überall gibt. Das ist dann auch der kleine Schlenker, den sich der Film erlaubt: der Grund, warum Gators Bruder sterben musste. Hier weitet sich ganz zum Schluss der enge Fokus des Films und das zuvor nie hinterfragte Handeln des Helden wird doch noch einmal infrage gestellt, bevor es ein letztes Mal rund geht.

Doch, doch WHITE LIGHTNING ist schon toll.