Mit ‘Coming of Age’ getaggte Beiträge

e96fd9dbc9364ca280291fe2c445a17c_20182Nach dem vierten Teil war eine Steigerung des Niveaus eigentlich nicht mehr unbedingt zu erwarten: Die Serie schien dazu bestimmt, mit einem beherzten Kopfsprung in die Jauche zu enden. Doch der Wechsel auf dem Regiestuhl macht es möglich, dass ROMAN ZA’IR tatsächlich noch einmal an den Geist der ersten beiden Teile anknüpft. Das bedeutet, es gibt hier eine glaubwürdige Liebesgeschichte und menschliches Drama – garniert zwar mit den frivolen Späßen und Sex-Episödchen, die man erwarten darf, aber eben nur garniert, nicht zugeschaufelt.

Teil 5 lässt sich von Juvenile-Delinquents- und Rockerfilm der Fünfziger beatmen: Benny (Yftach Katzur), Bobby (Jonathan Segal) und Johnny (Zachi Noy) – ja, auch diesmal ging es nicht ohne wenigstens einen Namenstausch – heizen auf ihren heißen Feuerstühlen durch die Gegend und machen waghalsige Mutproben an einer Klippe am Meer. Ein Hauch von REBEL WITHOUT A CAUSE weht durch den Film und Bobby kommt dabei mal wieder die Schurkenrolle zu. Als Benny sich nämlich in seine jünger Schwester Ginny (Stefanie Petsch) verliebt, knallen ihm die Sicherungen raus. Erst wird der beste Freund übel verdroschen, dann der Kontakt verboten und der Schwester das kleine Herz gebrochen, sodass sie schließlich zu den Pillen greift, die sie der älteren und erfahreneren Freundin entwendet hat. Natürlich nimmt alles ein gutes Ende, nur die Motorräder zerschellen nach dramatischem Showdown am Fuß der Klippe.

Dazwischen absolviert Dolly Dollar einen Auftritt als schwer kurzsichtige und vollkommen debile Cousine, während Bea Fiedler eine Paraderolle als nymphomane Zahnärztin abbekommen hat. Johnny ist wie immer der Dooftrottel, der stets auf frischer Tat ertappt wird, und Bobby vögelt alles, was ihm vor die Flinte kommt. Der Soundtrack wartet mit einer schönen Compilation alter Hits auf und der ganze Film wird von dieser leichtfüßigen Urlaubsstimmung getragen. Alles wieder beim Alten im Grunde genommen, aber das ist hier eine rundum gute Sache.

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eis_am_stiel_iiiMit dem dritten Teil der EIS AM STIEL-Reihe klinkten sich deutsche Produzenten in das Erfolgsgeschäft ein – und trieben die Verflachung weiter voran. Die Eröffnungssequenz gibt gleich einen guten Vorgeschmack auf das Kommende: Beim Spannen kracht der dicke Zachi Noy durch das Dach eine Duschbaracke, auf der Flucht vor den aufgebrachten Frauen fällt er am Strand in eine von seinen Kumpels ausgehobene Grube, die ihn sogleich einbuddeln und seinem Schicksal überlassen. Sie sind kaum verschwunden, da kommt auch schon ein Dreikäsehoch des Weges und pinkelt dem armen Tropf ins hilflos aus dem Sand guckende Gesicht. Ein Auftakt nach Maß.

EIS AM STIEL 3: LIEBELEIEN setzt verstärkt auf flache Zoten und frivole Späße, die die eigentliche Story über weite Strecken des Films völlig vergessen lassen. Benny (Yftach Katzur) ist glücklich mit der süßen Sally (Ariella Rabinovich) liiert, als ihm die kirschmundige Nikki (Orna Dagan) begegnet und ihm den Kopf verdreht. Nach einer Affäre ist Schluss mit Sally, doch Nikki entpuppt sich als echtes Luder, das Benny ständig mit anderen Typen provoziert. Benny, vorher der sensibelste und vernünftigste seiner Clique, tritt hier in die Fußstapfen seines Freundes Bobby (Jonathan Segal), der in den Filmen zuvor noch Momo hieß, diesen Namen aber aus unerfindlichen Gründen an Zachi Noy abtreten musste, welcher zuvor noch Johnny genannt ward: Eine Extravaganz, die die deutsche Synchro exklusiv hat. Das bedeutet, Benny benimmt sich Sally gegenüber wie ein Arsch und markiert ständig den eiskalten Hund, dem alles egal ist. Ironischerweise muss ihm ausgerechnet der Egofucker und Chauvi Bobby die Leviten lesen und ihm die Augen für Nikkis miesen Charakter öffnen: Wahrscheinlich, weil er sich selbst in ihr wiedererkennt. Ich hatte ja schon vorher angemerkt, dass die EIS AM STIEL-Reihe sehr ausschließlich aus männlicher Sicht erzählt ist, was sich nicht zuletzt darin äußert, dass Typen, die Frauen wie bessere Matratzen behandeln, echte Kerle sind, Frauen, die das gleiche tun, aber Huren. Nun ja. Hier und da blitzt Herz auf, meist in den Szenen zwischen Benny und Sally, ansonsten geht der dritten Installation sowohl der Realismus des Originals wie auch die Wärme des Sequels ab.

Wenn man die Ansprüche etwas zurückschraubt und einen vielleicht sogar nostalgische Bande an den Film ketten, ist er trotzdem ganz OK: Am besten sind eigentlich die Szenen mit Bennys Eltern (Menashe Warshavsky & Dvora Kedar), die besonders viel Screentime bekommen: Ich mochte die Szene, in der die Mama mit Benny in einem Bekleidungsgeschäft ist und mit dem alten Verkäufer über „Albert Pressler“ schwadroniert und um den Preis einer Hose feilscht. In einer langen Episode buhlen sowohl Benny als auch sein Vater um die Gunst der feschen Nichte Trixie (Sibylle Rauch), die dann in einer eher ekligen Szene wieder einmal von Momo und Bobby benutzt wird. Eine andere Episode dreht sich um eine nymphomane Klavierlehrerin und endet – ebenfalls ein beliebter Standard der Reihe – damit, dass der Dicke Haue bekommt, weil er sich an der Falschen vergreift. Der Film huscht so an einem vorbei, ohne wirklich anzustrengen: Durchaus eine Leistung, aber sein größter Fehler ist wohl, dass er gegenüber den Vorgängern einen merklichen Rückschritt bedeutet, er seine Charaktere nicht weiterentwickelt, sondern in ihrem pubertären Status verharren lässt – was sie nicht eben sympathischer macht. Benny wirkt mit seiner ausdruckslosen Trauermine beinahe wie ein Psychopath und die süße sommersprossige Sally kann einem beinahe Leid tun, dass sie am Schluss doch wieder auf ihn reinfällt. Ein bitterer Zerrspiegel des Endes vom ersten Teil.

 

 

 

 

lemon-popsicle-movie-posterA trip down memory lane: Es muss so ’89, ’90 rum gewesen sein, als RTLplus die Filme der EIS AM STIEL-Reihe komplett ausstrahlte und meinem damals 13-, 14-jährigen Ich viele schöne Stunden vor dem Fernseher bescherte. Die Filme waren mir schon ein Begriff aus der Videosammlung meines Großonkels, auch meinen Eltern waren sie bekannt. Mit acht zwischen 1978 und 1988 erschienenen Teilen war die von Menahem Golan und Yoram Globus initiierte Reihe nicht nur ein Megaerfolg gewesen, sondern ein echtes popkulturelles Phänomen, dass das hierzulande sonst eher unbeachtete Filmland Israel in den Blick der Massen rückte. Einen gute Ruf genoss EIS AM STIEL hingegen nie: Das waren Softsexfilmchen mit derbem Humor, die man als seriöser Filmkritiker natürlich nicht gut finden durfte.

Das Wiedersehen nach gut 25 Jahren war von Ent-Täuschung geprägt: In Erinnerung behalten hatte ich EIS AM STIEL als sommerlich-liebenswürdigen, relativ zahmen Coming-of-Age-Film. Der mit Bubblegum-klebrigen Fünfzigerjahre-Hits bis an den Rand vollgepackte Soundtrack, damals ein kaum zu unterschätzender Erfolgsfaktor, begünstigte die Sinnestäuschung. Aber wahrscheinlich ist sie auch der damaligen Seherfahrung zuzuschreiben: Als 14-Jähriger war ich damals auf einer Ebene mit den Protagonisten und selbst, wenn ich nicht wie sie in den Fifties in Israel aufwuchs, so waren viele Probleme, mit denen sie sich rumschlugen, und Erfahrungen die sie machten, doch relativ identisch mit den meinen. Momo, Benny und Johnny waren Indentifikationsfiguren, die man als Junge sofort verstand. Heute war ich doch einigermaßen erstaunt darüber, wie unsympathisch – eben alterstypisch – die drei teilweise agieren: Der schöne Momo (Jonathan Segal) sowieso, ein Womanizer ohne Skrupel, aber auch der eigentliche Protagonist Benny (Yftach Katzur), ein Zögerer und Zauderer, der erst spät wirklich einmal Stellung bezieht. Johnny (Zachi Noy) ist der arme Dickwanst, dem meist übel mitgespielt wird, aber wie er jeden Pfennig, den er seinen Kumpels leiht, sofort in seinem Notizbuch vermerkt und seine Komplexe mit großen Sprüchen überspielt, lässt auch ihn in keinem allzu guten Licht dastehen. EIS AM STIEL ist exklusiv aus Männerperspektive erzählt und die Mädchen und Frauen, die darin vorkommen, bleiben als Menschen völlig unergründet, sie sind keine Charaktere, lediglich Gesichter: hübsche, und dann auch interessant als potenzielle Sexualpartner, oder weniger hübsche, und dann betrachtet Davidson sie kaum freundlicher als seine Protagonisten. Ich habe keinen direkten Vergleich, aber auch die deutsche Synchro sorgt nicht für Differenzierung, im Gegenteil. In einer relativ bitteren Szene, wenden sich die drei Jungs aus lauter sexueller Frustration an eine Protituierte und landen mit dieser in einer ranzigen Abstellkammer, wo sie den Akt auf einer traurigen Holzpalette vollziehen, die behelfsmäßig mit einem schmutzigen Laken bedeckt ist. Benny, der seine Jungfräulichkeit in diesem alles andere als romantischen Szenario verliert, übergibt sich danach, während Johnny unbeeindruckt seinen Platz einnimmt und einige saftige Sprüche ablässt, die nicht recht zu Situation passen wollen, eher der damaligen Synchromode geschuldet scheinen.

EIS AM STIEL ist keine ausschließlich gut gelaunte Angelegenheit und wenn er dennoch mit dieser süßlichen Melancholie und Nostalgie aufgeladen ist, dann liegt das daran, dass er sich ganz in die Vorstellungswelt seiner drei männlichen Hauptfiguren begibt. Ja, Davidson kreiert einen greifbaren Sense of Place, und viele Szenen, in denen die Jungs einfach nur in ihrer Flipperhalle rumhängen, sich die Plakate amerikanischer Filmklassiker vor dem Kino anschauen oder durch die Straßen schlendern, sind wunderbar: Man spürt die Sonne auf der Haut und den Kitzel unendlicher Möglichkeiten, dieses Gefühl, das der Jugend exklusiv ist. Aber alles, was sich dann für sie ergibt, ist fürchterlich deprimierend und falsch, ganz gleich ob es die verzweifelt notgeile Seemannsbraut ist, die Jungs in ihre Wohnung lockt, um sich ihre Bedürfnisse befriedigen zu lassen, oder natürlich die große Liebesgeschichte zwischen Momo und Nili (Anat Atzmon), die mit einer ungewollten Schwangerschaft, einer feigen Trennung, Tränen und einer Abtreibung endet. Man weiß als Zuschauer, dass der edle Retter Benny nicht belohnt werden wird, ahnt, mit welcher Wendung der Film enden wird. Auch wenn EIS AM STIEL auf unzählige Klischees zurückgreift: Er fühlt sich meistens erschreckend echt an und rettet das wenigstens noch ins direkte Sequel hinüber. Dass die drei Freunde nach diesem Film und dem, was sie erlebt haben, immer noch zusammen rumhängen, ist schmerzhaft, aber wahr. Pubertierende Jungs sind schon ziemlich ekelhaft.

 

holsystemTHE SYSTEM ist ein Film, der gleich zwei große Karrieren kickstartete: Michael Winner hatte bis zu diesem Zeitpunkt zwar schon einige Dokumentar- sowie preisgünstige, meist exploitative Spielfilme gedreht, aber erst THE SYSTEM verschaffte ihm einen Namen als junge, kreative und verwegene künstlerische Kraft des britischen Kinos, mit der zu rechnen war. Und auch Oliver Reed, ein ambitionierter, charismatischer und energetischer Schauspieler, dem aufgrund seiner Mitarbeit in den Horrrofilmen der Hammer das Etikett des auf Psychopathen abonnierten B-Mimen angeheftet worden war, gelang es mit seiner Darbietung, sich für Größeres zu empfehlen.

Der Film folgt einer Gruppe von jungen Männern um den Fotografen Tinker (Oliver Reed), die das ganze Jahr auf die Sommersaison hinfiebern, in der ihr Heimatort an der englischen Südküste aus dem sprichwörtlichen Winterschlaf erwacht und von spendierfreudigen Urlaubern und attraktiven Mädchen heimgesucht wird. Das titelgebende „System“ bezeichnet die ausgeklügelte Strategie der Männer, die sicherstellen soll, dass sie während der Ferien alle auf eine ähnliche Zahl sexueller Erlebnisse kommen.Tinker ist als Strandfotograf für die erste Kontaktaufnahme zuständig, danach werden die Mädchen von einem Etablissement ins nächste geschleust, wo die Jungs ihr Geld verdienen und ihrerseits ein Chance auf Eroberung erhalten. Doch die Verlockungen dieser Sommer beginnen langsam, aber sicher ihren Reiz zu verlieren: Nach der Saison ist das Örtchen wie ausgestorben, mit miesen Jobs ist kein Staat zu machen, die folgenlose Vergnügung mit wechselnden Mädchen kann das wachsende Bedürfnis nach einer echten Beziehung und einer Perspektive nicht mehr länger ersetzen. Für Tinker beginnen die Zweifel, als er die aus gutem Hause stammende Nicola (Jane Merrow) kennen lernt und sich in sie verliebt. Aber der Kontakt mit ihr zeigt ihm, dass er nicht nur geografisch, sondern auch sozial gefangen ist …

THE SYSTEM erhielt seinerzeit sowohl in Großbritannien als auch in den USA, wo er unter dem Titel THE GIRL-GETTERS vermarktet wurde, hervorragende Kritiken, forderte aber auch die Sittenwächter heraus. Seinen Ruf als „Skandalfilm“ erntete er allerdings wohl weniger, weil es tatsächlich allzu Anstößiges zu sehen gab (der Film wirkt heute einfach nur brav in seinem Verzicht auf explizite Nacktheit und Sexszenen): Es war wahrscheinlich die Darstellung von jungen Männern, die Mädchen nachstellen wie Jäger ihrer Beute, sie innerhalb des „Systems“ zu verwertbarem Material machen und dann für unverbindlichen Sex aufs Zimmer locken, die den konservativen Würdenträgern zu viel war. Winner, der ein ganzes Leben darauf verwendete, sich einen Namen als Provokateur und Nervensäge zu machen, lässt in THE SYSTEM keinen Zweifel an seinen Sympathien: Die Spießer, die einmal im Jahr aus ihrem Lock gekrochen kommen, um Souvenirgeschäfte an nichtssagenden Orten leerzukaufen, bekommen seine Verachtung genauso ab wie die Reichen, die mit ihren Cabrios in ihre Sommerresidenzen fahren und gegenüber den Einheimischen die Nase rümpfen. Aber auch Tinker kommt nicht ungeschoren davon. So sehr er die Verlogenheit all dieser Gesellschaftsspiele auch durchschaut hat, so wenig ist er doch in der Lage, sich von ihnen zu emanzipieren und aus einem Leben auszusteigen, das er als sinnlos erkannt hat. Sein als Rebellentum getarntes Selbstmitleid kulminiert in einer heftigen Ohrfeige für Nicola, als die ausnahmsweise einmal den Spieß umdreht.

Die Gesellschaftskritik von THE SYSTEM wirkt heute manchmal etwas schwer- und selbstgefällig: Er ist ein Produkt seiner Zeit, den frühen Sechzigern, als das, was wir heute „Jugendkultur“ nennen, seinen Anfang nahm, und sich junge Menschen nicht mehr länger damit zufrieden geben wollten, die Biografien ihrer Eltern fortzuschreiben. Oliver Reed, der in nahezu jeder Szene des Films agiert, zeigt als Tinker diese unwiderstehliche körperliche Präsenz, die fast alle seiner Auftritte auszeichnet, aber seine Figur ist auch immer kurz davor, zwischen überelaborierten, dramatischen Dialogzeilen und manischen Körperimprovisationen zum schreiberischen Klischee zu gerinnen. Winner kann die zwei grundverschiedenen Impulse des Films nie ganz versöhnen: Da ist einerseits dieses konstruierte, quasi-literarische Drehbuch voller Symbole und verspielter Zeilen, das wohl auch eine hervorragende Bühnenvorlage abgegeben hätte, anderseits der aufregende sense of place und das Gefühl von sommerlichem Leben, die auch heute noch einnehmend wirken. Es macht Spaß, mit Tinker und seinen Kumpels durch die Straßen und Kneipen von Roxham zu ziehen, mal hier mal dort einzukehren und dabei die unterschiedlichsten Menschen zu treffen, immer mit dem Wissen, dass hier in wenigen Wochen alles ruhig sein wird. Doch der Spaß wird dem Zuschauer durch die bedeutungsschweren Dialoge genauso geraubt, wie er den Protagonisten schon lange abhanden gekommen ist. Die Lockerheit der Anfangsszenen weicht bald der Schwermut, beides von Kamermann Nicolas Roeg kongenial abgelichtet. THE SYSTEM hat natürlich vor allem das Problem, dass er in Konkurrenz zu zahlreichen ähnlichen Filmen steht, die anders als er schon seit Jahrzehnten zum Kanon gehören. Winners Film ist nach der anfänglichen Aufregung längst im Schoß der saturierten Fernsehunterhaltung angekommen und darüber fast vergessen worden. Man darf ihn ruhig wiederentdecken – und wenn es nur als Startschuss für zwei spannende Filmkarrieren ist.

jf_dazedandconfused_final_smEin bisschen was zu DAZED AND CONFUSED habe ich schon nebenan in meinem Text zum „spiritual sequel“ EVERYBODY WANTS SOME!! gesagt, das natürlich auch der Anlass war, mir diesen Lieblingsfilm mal wieder anzuschauen. Nicht immer funktioniert eine solche Auffrischung, gerade Filme, die man in der erweiterten Jugend zu schätzen gelernt hat, erscheinen einem mit etwas Abstand oft unreif oder zu sehr einer bestimmten Zeit verhaftet, die unwiederbringlich verflogen ist. Aber DAZED AND CONFUSED ist immer noch so toll wie damals, wenn natürlich auch nicht mehr so überraschend. Er ist von einer quirligen Lebendigkeit, von einer immensen Dichte in seiner Atmosphäre, in der Zeichnung des Milieus, in dem er spielt, dass es wirklich schmerzhaft sein kann, sich daran zu erinnern, dass er nur ein Film ist, dass es diese Charaktere gar nicht wirklich gibt, und dass sie – wenn doch – gut 15 bis 20 Jahre älter als man selbst wären. Das Gefühl, an der Schwelle zu etwas Neuem, Aufregendem zu stehen, fängt er ein wie kaum ein zweiter Film und nebenbei gelingt ihm das Wunder, einen an einer jener wundersamen Sommer-Partynächte teilhaben zu lassen, die anscheinend nicht enden wollen, die vollgepackt sind mit kleinen Geschichten, Plots und Subplots, durch die man sich treiben lässt, mal hier mitmacht, dann wieder aussteigt, um sich von der nächsten Euphoriewelle an einen anderen Ort mitreißen zu lassen. Am Ende, wenn Pink (Jason London), Wooderson (Matthew McConaughey), Slater (Rory Cochrane) und Simone (Joey Lauren Adams), am Morgen nach jener grandiosen Nacht Richtung Houston rauschen, um dort die Tickets für das fieberhaft erwartete Aerosmith-Konzert zu kaufen, fühlt man sich wie sie: Ein bisschen hungover, berauscht, etwas müde, aber verdammt glücklich.

DAZED AND CONFUSED spielt am letzten Schultag des Jahres 1976 in einer texanischen Kleinstadt. Da gibt es die Schüler, die sich darauf vorbereiten, nach dem Sommer als „Seniors“ zurückzukehren, und die „Freshmen“, Junior-High-Abgänger, die von den Veteranen mittels demütigender Initiationsriten auf den kommenden „Ernst des Lebens“ vorbereitet werden. Im Mittelpunkt stehen der Senior Randall „Pink“ Floyd, Quarterback der Highschool-Footballmanschaft, der vom Coach dazu gedrängt wird, sich mit der Unterschrift eines Enthaltsamkeits-Gelübdes für das nächste Jahr zu verpflichten, und Mitch Kramer (Wiley Wiggins), ein Freshman, der nach überstandener Initiation von den Seniors unter ihre Fittiche und mit in die aufregendste (und längste) Nacht seines Lebens genommen wird. Aber ihre beiden sich kreuzenden Geschichten sind nur zwei von zahlreichen weiteren: Da gibt es den coolen Wooderson, der der Highschool eigentlich schon lange entwachsen ist, aber immer noch gern mit den Kids rumhängt und seinen Status als elder statesman genießt. Den ekligen O’Bannion (Ben Affleck), der sitzengeblieben ist und nun schon im zweiten Sommer hintereinander sadistische Jagd auf die Freshmen macht, die traditionell den Arsch mit einem breiten Cricket-Schläger versohlt bekommen. Die Nerds Tony (Anthony Rapp), Mike (Adam Goldberg) und Cynthia (Marissa Ribisi), die sich zur Teilnahme an der Party überreden lassen, zu der sie sich nicht so recht zugehörig fühlen. Pickford (Shawn Andrews), bei dem die große Party steigen soll, von der die Eltern aber in letzter Sekunde Wind bekommen. Sabrina (Christin Hinojosa), das weibliche Pendant zu Mitch, die sich in den ebenso zurückhaltenen Tony verliebt. Und natürlich deren Freunde und Freundinnen, die um diese Fixterne in immer neuen Konstellationen herumkreisen und den Eindruck vermitteln, man bewege sich tatsächlich in einem gesellschaftlichen Mikrokosmos.

Es passiert eigentlich nichts übermäßig Aufregendes: Ein gewisses Alter vorausgesetzt, hat wahrscheinlich jeder Zuschauer etwas ganz ähnliches erlebt wie die Figuren aus DAZED AND CONFUSED (die kulturellen Unterschiede einmal außen vor gelassen). Es sind die Authentizität, mit der Linklater Ort und Zeit einfängt, die durch die Bank famosen Darsteller, die von ihren Charakteren überhaupt nicht mehr zu trennen sind (der damals 16-jährige Wiley Wiggins ist nichts weniger als brillant in seinem Debüt), und dieser unwiderstehliche, verführerische Flow, den der Film entwickelt, die ihn zu etwas ganz Besonderem machen. Wer auf Americana und Coming-of-Age-Stoffe steht, dürfte nach DAZED AND CONFUSED ebenso restlos beglückt sein wie ich nach nunmehr etlichen Sichtungen. Eine vitalisierende filmische Frischzellenkur, ein Werk, das einen das Leben in all seinen Facetten lieben lässt.

 

everybodysmallIch liebeliebeliebe Linklaters DAZED AND CONFUSED, einen der schönsten Coming-of-Age- und -Sommerfilme überhaupt. Als ich ihn damals zum ersten Mal sah, war ich dem deutschen Äquivalent zum Highschool-Umfeld, in dem er spielte, zwar selbst schon entwachsen, aber gefühlsmäßig noch nah genug dran, um für seine Mischung aus Aufbruchsstimmung und Melancholie empfänglich zu sein. Wie Linklater dieses prickelnde Gefühl, vor einem neuen, großen Lebensabschnitt zu stehen, einfing, das alles in den Ereignissen eines einzigen Tages – des letzten eines Schuljahres – zu verdichten, ist für mich immer noch ein perfektes Beispiel für das, was ich an amerikanischer Dichtung so liebe: die Liebe zum Banalen, die Mythologisierung des Alltäglichen. Und dann war da natürlich dieser grandiose Soundtrack, vollgepackt mit unsterblichem Classic Rock von Aerosmith und Alice Cooper über Kiss und Foghat bis zu War und ZZ Top.

EVERYBODY WANTS SOME!! nennt sich das aktuelle „spiritual sequel“ zu DAZED AND CONFUSED, spielt vier Jahre später, im Sommer des Jahres 1980, und nun an den letzten drei Tagen vor dem Beginn des ersten College-Semesters des Protagonisten Jake (Blake Jenner), gewissermaßen das Äquivalent zu Randall „Pink“ Floyd aus dem Vorgänger. Hier und dort war zu lesen, EVERYBODY WANTS SOME!! sei ein Eighties-Film, nachdem DAZED AND CONFUSED entschieden Seventies gewesen war, aber das trifft es nicht ganz. Klar, die Musik ist absolut zeitgenössisch, aber 1980 war dann eben doch eher das letzte Jahr der Siebziger, was sich in der Mode ebenso zeigt wie im Rock- und Disco-dominierten Soundtrack sowie der übrigen Ausstattung. Wer also Vokuhila, Schulterpolster, bodenlange Mäntel mit hochgekrempelten Ärmeln und Synthie-Pop erwartet, kann gleich draußen bleiben. Hier regieren Pornoschnauzbärte, Polyesterhemden, Clogs, Van Halen, Cheap Trick und The Cars, mit dem ein oder anderen Ausblick auf Kommendes (siehe „Rapper’s Delight“ von der Sugarhill Gang). Viel mehr setzt Linklater fort, was er in DAZED AND CONFUSED begonnen hatte: Es geht erneut um den Beginn eines neuen Lebensabschnitts, dessen Konturen und Inhalt noch weitestgehend vage sind, um das Gefühl, unzählige Möglichkeiten zu haben, und die Frage, was die sinnvollste Wahl unter diesen Möglichkeiten ist. Vor allem aber um die Erkenntnis, dass die wichtigen Entscheidungen auch erst einmal warten können. Die Studienzeit ist zum Genießen da! Es gibt viele Gemeinsamkeiten zwischen beiden Titeln: Man erkennt manche Charaktere des Vorgängers in den neuen Figuren wieder, sieht, wie sich die Initiationsriten wiederholen, dass sich die Interessen in den kurzen Jahren zwischen Highschool und College nur geringfügig geändert haben. Es geht um Partys, Drogen und natürlich um Mädchen, Liebe und Sex.

Aber es gibt auch deutliche Unterschiede zwischen beiden Filmen. Das Figureininventar ist begrenzter, anstatt der unterschiedlichsten Geschlechter, Cliquen und Altersgruppen stehen nun die männlichen Mitspieler einer College-Baseballmannschaft im Mittelpunkt, und während sich der Plot auch hier als relativ lose Folge von Parties und Unternehmungen darstellt, mäandert EVERYBODY WANTS SOME!! etwas weniger frei als DAZED AND CONFUSED. Man könnte auch sagen: Da wurde schon eine Wahl getroffen, eben ein bestimmter Weg von vielen eingeschlagen, wurden bestimmte Chancen ergriffen und andere ausgelassen. Jake will es als Baseballer schaffen, aber wie Pink zuvor nicht alles dafür opfern, und so geht es auch seinen Kameraden, die den Ruhm, den die Zugehörigkeit zur erfolgreichsten Mannschaft auf dem Campus mit sich bringt, vor allem als Schlüssel zum Herzen – oder zum Schlafzimmer – der Mädchen benutzen. Aber es deutet sich auch immer wieder an, dass das nicht alles sein kann bzw., dass die Zeit für diesen Hedonismus nur begrenzt ist: Als sie sich nach einem Abend in einer klassischen Disco und einer Countrybar am nächsten Tag bei einem Punkkonzert wiederfinden, hat Jake schon mit einer nahenden Identitätskrise zu kämpfen: Wer ist er eigentlich, wohin gehört er? Pitcher Willoughby (Wyatt Russell), Wiedergänger von McConaugheys Wooderson aus dem Vorläufer, ist längst 30, schleicht sich aber immer wieder mit gefälschten Pässen in den Colleges ein, weil er von dem Lebenswandel einfach nicht genug bekommt. Und der durchgeknallte Jay (Juston Street) muss endlich begreifen, dass er Teil eines Teams ist, in das er sich einfügen muss, anstatt seine Team-Mates als bloße Leitersprossen – oder Hindernisse – auf dem Weg zur Profikarriere zu begreifen. Wie DAZED AND CONFUSED endet EVERYBODY WANTS SOME!! in einer Art Zen-Zustand des momentanen Angekommenseins. Dem romantischen Date auf einem nächtlichen Weiher folgt der erste Tag an der Uni, Augenlider und Knochen von den Ereignissen des vergangenen Wochenendes bleischwer. Die Stimme des Professors versinkt im Rauschen des Adrenalins, in den Erinnerung an die letzten Stunden und der freudigen Gewissheit, einige turbulente Jahre vor sich zu haben.

EVERYBODY WANTS SOME!! ist vielleicht kein so großer Wurf wie DAZED AND CONFUSED, wie könnte er es als Fortsetzung auch sein, aber dieses Gefühl transportiert er genauso effektiv wie jener. Sein Handlungsort und die Figuren, die ihn bevölkern, wachsen einem mit all ihren Marotten ans Herz, man wünschte sich, es ginge ewig so weiter. Als ich nach dem Film aus dem Kino trat, ein warmer Sonnentag der Nacht gewichen und von einem Regenguss abgekühlt worden war, da war ich regelrecht euphorisiert, meinte ich, den Duft der Freiheit und der Chance in der Luft riechen zu können, der wohl auch Jakes Nase so verführerisch unwehte. Jugend hin oder her, es gibt immer noch viel zu entdecken. Leider muss ich dabei dank meines spärlichen Bartwuchses auf einen prachtvollen Schnäuzer verzichten.

maliziaEin Meisterwerk!

Salvatore Samperi drehte mit MALIZIA eine Commedia sexy all’Italiana, die nicht nur nichts mit den überbordenden Albernheiten der FLOTTEN TEENS-Filme zu tun hat, sondern auch weitaus mehr bietet, als man von einer „Sexkomödie“ gemeinhin erwarten würde. Das Lachen bleibt einem mitunter am dicken Kloß im Halse stecken, den zuvor die mitunter äußerst bittere Zeichnung eines von rigiden Moral- und Rollenvorstellungen bestimmten gesellschaftlichen Alltags und der auf diese unweigerlich folgenden Bigotterie  hinterlassen hat. Was beschwingt und heiter beginnt, mit einem kritischen, aber eher melancholisch-humorvollen, irgendwie auch etwas nachsichtigen Blick auf das Leben in einem erzkatholischen Land, entwickelt sich mit unaufhaltsamer Logik zum schmerzhaften, den Thriller und das Drama heftig streifenden Runterzieher, der am Ende keinen einzigen der Protagonisten unversehrt lässt und ein Happy End aufbietet, das einem das Blut in den Adern gefrieren lässt.

Samperi – zum Zeitpunkt der Entstehung des Films gerade 29 Jahre alt und eine der Hoffnungen des italienischen Kinos – erzählte mit MALIZIA eine Geschichte, die ein für Italien sehr typisches Problem behandelte, wie Udo von L’amore in città in seiner Einführung zum Film berichtete: Die Fantasie, von einer älteren Frau in die Sexualität eingeführt zu werden, teilen wahrscheinlich Jungs auf der ganzen Welt, aber in Italien, wo Mädchen „unberührt“ in die Ehe gegeben werden sollten und junge Männer in der Regel beim Bordellbesuch mit dem Vater ihre Jungfräulichkeit verloren, war eine ganz andere Sehnsucht mit ihr verknüpft. Das sieht man eben auch in MALIZIA, in dem sich der etwa 13-jährige Nino (Alessandro Momo), Sohn des sizilianischen Geschäftsinhabers Ignazio (Turi Ferro) und einer von drei Söhnen, die den Tod ihrer Mutter betrauern, unsterblich in die junge, hübsche Haushaltshilfe Angela (Laura Antonelli) verliebt. Er ist nicht der einzige: Auch sein älterer Bruder, vor allem aber der eigene Vater machen der aparten Person Avancen, die Nino mit zunehmender Frustration beobachtet und denen er nichts entgegenzusetzen weiß, schließlich betrachten ihn alle noch als Kind. Die Qual, die die durch die ständige Anwesenheit Angelas entfachte Lust bei ihm verursacht, wächst ins Unermessliche, als der Papa seine Absicht verkündet, Angela zu heiraten. Und nun beginnt Nino ein grausames Spiel mit der wehr- und mittellosen Hausangestellten zu spielen, das ihm seinen Willen erfüllen und die Hochzeit hinauszögern soll.

Mithilfe der phänomenalen Kamerarbeit von Vittorio Storaro taucht Samperi die zunächst sehr komischen Vorgänge (der Film eröffnet mit der von zahlreichen Pannen begleiteten Totenwache) in ein warmes, goldenes Licht, das alles in einer nostalgisch aufgeladenen Vorvergangenheit zu verorten scheint und damit die geistige Nähe zum bitter-melancholischen Coming-of-Age-Film schafft. Auch Fred Bongustos geschäftig vorpreschendes Titelthema (das ich seitdem nicht mehr aus dem Kopf bekomme) trägt seinen Teil dazu bei, dass man die Blüten, die der Katholizismus im Leben der Charaktere treibt, eher mit einem gewissen Amüsement betrachtet, denn mit der Ablehnung, die sie eigentlich verdienen. Das Leben von Ignazio und seinen Söhnen könnte gewiss schlimmer sein: Der Tod der Mutter wurde von allen erstaunlich gut, fast ein wenig zu gut verarbeitet, das Geschäft des Vaters läuft ebenfalls, die Söhne entwickeln sich nach Plan und Angela erweist sich als unersetzliche Hilfe, die Ignazio in wahre Verzückung – etwa über seine volle Unterwäscheschublade – versetzt. Und den hinter der Fassade der Gottesfurcht und Keuschheit verborgenen Sexismus, dem die wie ein Besitzstück behandelte Angela ausgesetzt ist, nimmt man auch deshalb so hin, weil die von ihm betroffene ihn selbst kaum wirklich zu registrieren scheint.

Die Stimmung kippt mit der anwachsenden Frustration Ninos, der einen für sein Alter überaus perfiden Einfallsreichtum an den Tag legt, wie er die Begehrte in die Ecke drängen kann. Hier erst kommt sowohl die Machtlosigkeit Angelas wie auch die vollkommene Blindheit Ignazios zum Vorschein, der nichts von dem, was in seinem Haus vorgeht, überhaupt registriert. Seine Zukünftige interessiert ihn als Mensch überhaupt nicht, er hat keinerlei Antennen für ihre Gefühle, noch fragt er nach der Ursache für ihr ausweichendes Verhalten ihm gegenüber, viel zu beschäftigt ist er mit den  Verpflichtungen, die mit der anstehenden Hochzeit einhergehen, etwa den Gesprächen mit dem Pfarrer, von dem er seinen Segen erwartet. Indessen wird aus jugendlichem Übermut ein perverses Machtspielchen, das die vermeintliche Unschuld des unreifen Knaben in arge Zweifel stellt. Die Stimmung spitzt sich im letzten Akt von Samperis Film massiv zu: Was vorher unter dem Deckel erst langsam vor sich hin simmerte, dann zu brodeln begann, kocht nun endgültig über: Eine schöne dramaturgische Entsprechung zu den Gefühlen Ninos, die erst durch die repressiv-verlogene Stimmung in seiner Heimat überhaupt solche Kraft entfalten können. Angela indessen geht ihrerseits in die Offensive und löst das Dilemma auf überraschende, aber konsequente Art und Weise. Doch dass der wiederhergestellte Frieden von Dauer ist, darf angesichts der bösen Schlusspointe stark bezweifelt werden.

MALIZIA schickte mich am Samstag durch ein Wechselbad der Gefühle: Ich lachte, vor allem über den Witwer Ignazio, der nie so wirklich die Autorität besitzt, die er sich selbst zuschreibt (seine strenge Mutter verbietet ihm in einer hübschen Episode ständig das Wort, sobald er nur den Mund öffnet), oder die zahlreichen liebevoll gezeichneten Nebenfiguren, litt mit dem verzweifelten Nino, der nach sexueller Druckentladung sucht, genauso wie mit Angela, die unverschuldet in eine für sie absolut verheerende Situation gerät. Samperi hat ganz offensichtlich nicht allzu viel übrig für die Kirche, die eine Atmosphäre der Bigotterie etabliert hat, aber den Menschen begegnet er mit viel Verständnis und Sympathie, egal wie schwach sie sein mögen, wie idiotisch sie sich verhalten, wie gemein sie bisweilen mit ihresgleichen umgehen. MALIZIA wird niemals ätzend oder zynisch, auch wenn der Schluss, wie erwähnt, nur wenig Hoffnung auf eine Besserung macht. Das passt auch zum tragischen Schicksal Laura Antonellis, die im vergangenen Jahr in völliger Armut mit 73 Jahren verstarb, nachdem eine Drogensucht und eine missglückte Schönheitsoperation ihre Karriere vor rund 25 Jahren schlagartig beendet hatten. Hier darf man sie in einer Performance bewundern, die gleichermaßen fragil wie kraftvoll ist und das warme Zentrum dieses großartigen Films bildet.