der kommissar episode 056 – 071 (deutschland 1973 – 74)

Die letzten KOMMISSAR-Sitzungen liegen lang, nämlich fast drei Jahre, zurück: Ein langes, kinderloses Wochenende schien mir der ideale Zeitpunkt, die Sichtung fortzuführen und erneut einzutauchen in die von Reinecker protokollierte, mit Zigarettenrauch und Bierduft durchwaberte Welt des Bürgertums. Mehr noch als DERRICK ist DER KOMMISSAR comfort food, perfekt für die bevorstehende Zeit um Feiertage und Jahreswechsel, wenn der geschäftige Trubel Platz macht für Vorfreude und Entspannung. Im Gegensatz zum kalten Stephan Derrick vermittelt Kommissar Keller (Erik Ode) diese altväterliche, kompromisslose, aber im Kern wohlmeinende Strenge – wie der Weihnachtsmann, der am Ende des Jahres mit prüfendem Blick in sein schlaues Buch die ungezogene Spreu vom artigen Weizen trennt. Mir fiel diesmal auf, dass DER KOMMISSAR manchmal fast wie eine Familienserie rüberkommt: Im Zentrum also der strenge Papa, der seine „Jungs“ (er nennt sie mehrfach wirklich so) Grabert, Heimes und Klein an der langen Leine laufen lässt, um sie aufs Leben vorzubereiten, am Rande das treue „Rehbeinchen“, das dazu Stullen und Bier serviert und manchmal auch einen guten Tipp hat. Die Serie ist wunderbar, gemütlich wie ein alter, vertraut müffelnder Sessel, toll auch, um dabei sanft wegzudösen – und immer wieder für Überraschungen, Begeisterung, Gelächter und offene Münder gut.

 

Episode 056: Tod eines Hippiemädchens (Theodor Grädler, Deutschland 1973)

Der Kollateralschaden der langen Pause: Diese Episode habe ich damals noch gesehen, aber dann vergessen, einen Text darüber zu schreiben.

?/*****

 

Episode 057: Das Komplott (Wolfgang Staudte, Deutschland 1973)

Der Büroangestellte Andreas Steintaler (Udo Vioff) ist nach Dienstschluss noch im Büro, als ihn sein Chef per Telefon zu sich bestellt. Steintaler findet Sekunden später nur noch die Leiche und einen leeren Tresor vor und verständigt die Mordkommission. Die nimmt ihm seine Geschichte aber nicht ab: Wie soll der Täter in der knappen Minute, die der Angestellte von seinem Arbeitsplatz ins Büro des Chefs brauchte, einen Mann erschossen, einen Tresor geleert, alle Spuren verwischt haben und dann auch noch unbemerkt entkommen sein? Als das vermisste Geld kurz darauf an Steintalers Arbeitsplatz gefunden wird, scheint er als Mörder überführt. Dennoch hält er an seiner Geschichte fest. Es scheint, als wolle jemand ihm den Mord in die Schuhe schieben.

Der Kriminalfall ist trickreich gescripteter Standard mit einer allerdings superabsurden Auflösung, die ich hier nicht verraten möchte, bei der aber der immer tolle Charles Regnier überaus passend zum Einsatz kommt. Reineckers Hauptaugenmerk liegt wieder einmal auf dem verlogenen großbürgerlichen Ringelpiez um den eigentlichen Mordfall und er fährt eine beachtliche Schar an suspekten Gestalten auf: Die mondäne Gattin des Toten (Ursula Schult) hat ein Verhältnis mit Steintaler und kann sich nicht im Geringsten dazu durchringen, die trauernde Witwe zu spielen. Dasselbe gilt für ihre beiden Töchter (Ingrid Steeger & Barbara Stanek). Ihr zur Seite steht der hypernervöse Dettmann (Leopold Rudolf), seit Jahrzehnten ein treuer Diener des Toten, dessen anfängliche Fassung immer mehr zum Teufel geht, bevor er in einer eindrucksvollen Szene vor seiner Familie komplett die Nerven verliert. Als sein arroganter, selbstverliebter und aufreizend ungerührter Sohn gibt Wolf Roth eine frühe Kostprobe jenes Typus, den er später noch einige Mal bei DERRICK perfektionieren sollte. Leicht über dem Durchschnitt angesiedelt, ist „Das Komplott“ eine gute Folge zum Wiedereinstieg.

***/*****

 

Episode 58: Schwarzes Dreieck (Theodor Grädler, Deutschland 1973)

In der Abwesenheit seiner Gattin Helga (Käthe Gold) verunglückt der Ehemann in der Badewanne, als ein elektrischer Rasierapparat ins Wasser fällt. Der vermeintliche Unfall wird zum Mord, als Untersuchungen ergeben, dass sich der Mann immer nur nass rasierte. Aber wer brachte den Mann um und verschwand dann unbemerkt aus der abgeschlossenen Wohnung? Neben der Gattin, die von ihren beiden Söhnen (Karl Walter Diese & Peter Fricke) bedrängt wird, die Anteile am Geschäft des Vaters an sie zu übertragen, gerät die rätselhafte Frau Böhle (Angelika Salloker) in Verdacht: Auch ihr Mann starb vor Jahren bei einem höchst sonderbaren Unfall.

Die Grundkonstellation erinnert ein klein wenig an Hitchcocks STRANGERS ON A TRAIN, aber interessanter sind Reineckers Betrachtung von Ehe und Alter im Hinblick auf die älteren Frauen, die im Mittelpunkt der Geschichte stehen. Die drei Damen, um die es geht, werden von ihren Gatten als bessere Hausbedienstete betrachtet und jeder liebevollen Zuwendung beraubt. Mehr noch: Auch Helgas Söhne interessieren sich nur so lange für ihre Mama, wie sie etwas von ihr haben wollen. Kaum hat sie ihre Unterschrift unter dem Vertrag hinterlassen, machen sie sich wieder aus dem Staub, haben noch nicht einmal die Zeit, ihren Kaffee zu trinken und ihr Stück Kuchen zu essen. „Die Ehe ist ein Kampf, den die Frauen verlieren“, sagt Frau Böhle gegenüber Kommissar Keller: eine Überzeugung, die sie dazu geführt hat, einen teuflischen Mordplan auszuhecken. DER KOMMISSAR (und später DERRICK) zeichnet sich nicht unbedingt durch ein besonderes Verständnis für Frauen aus: Reinecker weist ihnen meist eine feste, wenig flexible Rolle zu und verurteilt sie, wenn sie aus dieser ausbrechen. Für ältere Damen macht er aber eine Ausnahme, zumindest ist das der Schluss, zu dem man nach Betrachtung dieser traurigen Episode kommt. Das Schicksal von Helga bewegt, auch weil Käthe Gold eine sehr anrührende Darbietung gibt. Der Anblick der Rentnerinnen, deren größte Freizeitvergnügung es ist, Tauben im Park zu füttern, ist der Gipfel der Tristesse.

*****/*****

 

Episode 59: Der Tod von Karin W. (Theodor Grädler, Deutschland 1973)

Die junge Karin Winter (Simone Rethel) wird in einer Kneipe niedergeschossen, nachdem sie noch versucht hat, ihre Mutter (Ida Krottendorf) anzurufen. Die Ermittlungen ergeben, dass Karin in einem Erziehungsheim war und mehrfach durch kleinere Vergehen aufgefallen ist. Die familiären Verhältnisse sind kompliziert: Die alleinstehende Mutter brachte regelmäßig Männerbekanntschaften nach Hause, unter anderem ihren Nachbarn Otto Pajak (Harald Leipnitz), was ihr bei dessen Schwester (Maria Schell) den Ruf der Schlampe einbrachte. Aber Pajak hatte nicht nur Interesse an der Mutter.

Die Folge bestätigt, was ich oben über Reineckers Frauenbild schrieb, denn dass Karins Mutter aktiv Ausschau nach Männern hielt und diese mitunter auch nach Hause brachte, wird ihr ausschließlich negativ ausgelegt. Gut, man mag darüber streiten, inwiefern die Tatsache, dass ihr Schlafzimmer direkt neben dem der Tochter liegt, nicht etwas mehr Zurückhaltung ihrerseits erfordert hätte, aber diese Einschränkung nimmt Reineckers Drehbuch eigentlich nicht vor. Es sind der „Egoismus“ und die Freizügigkeit der Mutter, die die Tochter zur Ladendiebin, Heiminsassin und schließlich zum Mordopfer machten. Pajaks Missbrauch einer Minderjährigen ist demgegenüber ein Kavaliersdelikt: Schließlich fungierte die Mama als Kupplerin. Diese Ausrichtung ist aus heutiger Sicht natürlich extrem streitbar, aber das macht diese und viele andere Episoden der Serie  ja auch so faszinierend. Es ist ein Stück deutscher Mentalitätsgeschichte, derer man da ansichtig wird. Und es ist beileibe keine schöne Geschichte. Harald Leipnitz, sonst meist als kerniger, schlagkräftiger Machotyp besetzt, gibt hier einen der typischen Reinecker-Waschlappen, einen Mann ohne Mumm in den Knochen, der voll unter der Fuchtel sowohl seiner herrischen Schwester als auch seiner Geliebten steht. Diese Charakterisierung ist natürlich zweischneidig: Man spürt Reineckers Verachtung für diese mummlosen Männer (in der man ebenfalls ein sehr traditionelles Männerbild erkennt), gleichzeitig entlässt er sie so auch ein Stück weit aus ihrer Verantwortung.

****/*****

 

Episode 60: Die Nacht, in der Basseck starb (Wolfgang Staudte, Deutschland 1973)

Der Nachtclubbesitzer Basseck (Jürgen Goslar) wird in seiner Wohnung von einem Unbekannten erwartet und erschossen. Keller und sein Team erfahren, dass der Mann regelmäßig junge Mädchen aus seinem Laden als Geliebte rekrutierte und dann wieder auf die Straße setzte, wenn er die Lust an ihnen verlor. Die letzte, die es getroffen hat, ist die schöne Dana (Evelyn Opela). Und dann ist da auch noch Günter Wagner (Jochen Bißmeier), ihr letzter Kunde und der Bruder eine von Bassecks Verflossenen.

Ich fand diese Episode nur mittelmäßig interessant: Sie verschenkt Horst Tappert (als Bassecks Geschäftspartner) und dessen Talent zum Schurkentum in einer völlig unterentwickelten Rolle und nervt zudem mit endlosen Musikeinspielungen der Les Humphries Singers, die als Attraktion des Nachtclubs eine Nummer nach der anderen zum Besten geben und dabei die Tanzfläche ganz allein für sich in Anspruch nehmen. Jürgen Drews, damals ein Mitglied der Combo, tanzt so am Rande mit und wirkt, als sei ihm das alles furchtbar unangenehm. Das zeugt von mehr Geschmack und Stil, als ich ihm zugetraut hätte, aber auch von einer fragwürdigen Arbeitsmoral. Diese breiten Musikeinlagen (neben dem penetranten Ohrwurm „Mamama-mamamalu!“ gibt es auch ein Liedchen über Mexiko, bei dem der Sänger natürlich einen Sombrero tragen muss) sind schon faszinierend – mit welch elender Scheißmusik man damals zu Ruhm und Geld kommen konnte -, aber verfehlen das Ziel, hier ein bisschen Glamour reinzubringen. Viel besser gelingt das der betörenden Evelyn Opela, deren tschechischer Akzent („Ich habe ein Dacksi gerufen.“) in Verbindung mit der markanten Mund- und Kieferpartie sowie dunkeln Augen und Haaren mehr Mystik in die Episode bringen, als alle Scriptwindungen Reineckers.

***/*****

 

Episode 61: Der Geigenspieler (Theodor Grädler, Deutschland 1973)

Der Geigenspieler Triberg (Günther Stoll) erhält eine Warnung, nach seinem Konzert auf gar keinen Fall wie gewohnt mit dem Zug nach Hause zu fahren. Er nimmt die Warnung zur Kenntnis, steigt dann aber doch in den Zug – und wird durch das Fenster erschossen. Seine Ehefrau Irene (Sonja Ziemann) kann am Bahnhof nur noch die Leiche in Empfang nehmen. Wie sich herausstellt, hatte sie ein Verhältnis mit dem mittellosen Maler Kolding (Heinz Bennent). Und der verfügt kurz nach dem Mord plötzlich über eine große Menge Geld, die ihm vom Irene Triberg überreicht wurde.

Ein weiterer Eintrag in Reineckers bis tief in die Neunzigerjahre reichende Abrechnung mit bürgerlichem Ehe-Ennui: Hier geht die Ernüchterung sogar so weit, dass der Ehemann die eigene Ermordung geradezu als Erlösung hinnimmt. Insgesamt ist „Der Geigenspieler“ nur Durchschnitt, was immerhin „gute Unterhaltung“ bedeutet, die zudem durch die Leistungen von Sonja Ziemann, dem immer großartigen Heinz Bennent, Elisabeth Flickenschildt und Erik Schumann in einer ungewohnten Rolle als gammliger Schmierlappen aufgewertet wird.

***/*****

 

Episode 62: Ein Funken in der Kälte (Wolfgang Staudte, Deutschland 1973) 

Die alternde Prostituierte Heide Hansen (Mady Rahl) wird ermordet und aus dem fahrenden Auto geworfen. Sie ging für den fiesen Zuhälter Schönau (Hans Brenner) auf den Strich und unterhielt zudem eine zärtliche Beziehung zu dem Säufer Alfons Schichta (Klaus Behrendt), vor dessen Kellerwohnung sie immer auf Freier wartete. Warum musste sie sterben?

Traurige Dramen im Milieu: Auch darauf verstand sich Reinecker, der hier eine besonders trostlose Geschichte erdachte. Alte Nutten, die keiner mehr haben will und die sich mit einer Erkältung im Kellerloch eines Alkoholikers aufwärmen, der jede Selbstachtung verloren hat, und ein Loddel, der Minderjährige als sein neuestes Geschäftsmodell entdeckt hat: Das sind die Zutaten dieser Episode, die es bundesdeutschen Fernsehzuschauern anno 1973 erlaubte, sich davon zu vergewissern, wie gut sie es selbst hatten, und sich nebenbei von Reineckers Elendstourismus einen wohligen Schauer über den Rücken jagen zu lassen. Vieles hier wärmte Reinecker später bei DERRICK wieder auf, am prominentesten sicherlich den Coup, Behrendt als Säufer im Endstadium zu besetzen. Die Folge ist nicht so spannend und ihr Highlight ist Brenner als schmieriger Zuhälter.

***/*****

 

Episode 63: Sonderbare Vorfälle im Hause von Professor S. (Wolfgang Becker, Deutschland 1973)

Die Haushälterin von Professor Steger (Hans Caninenberg) wird von einem Einbrecher umgebracht: Anstatt die Flucht zu ergreifen, legt er die Leiche in ihr Bett und macht es sich anschließend gemütlich. Er hört Musik, liest, macht sich sogar etwas zu essen. Der Professor, ein Psychiater, verdächtigt seinen Sohn Alfred (Matthieu Carriére), der einst selbst in Behandlung war, und verwischt deshalb alle Spuren. Doch dann gibt es einen ganz ähnlichen, zweiten Fall im Haus des Malers Erdmann (Günther Ungeheuer).

Ein Psychothriller! Die interessante Folge mit tragischer Auflösung bietet Carriére in seiner Paraderolle als aufmüpfig-arroganter, kalter Schnösel, den er eigentlich sein ganzes Leben lang spielte. Margarethe von Trotta bleibt lange im Hintergrund, was zwar die Überraschung am Ende vergrößert, aber hinsichtlich ihrer Figur Potenzial verschenkt. Dazu läuft Lobos Nummer-eins-Hit „I’d love you to want me“ in Dauerschleife, bis man sich die Ohren abreißen möchte. Wenn es um Popmusik und Jugendkultur ging, offenbarten sich Reinecker und mit ihm seine Produzenten meist als völlig Ahnungslose. Nun gut, Lobos Ohrwurm, der auch in den USA zum Hit avancierte, fand reißenden Absatz und dürfte auch bei Teenies für Verzückung gesorgt haben, aber dass die Platte im Haushalt eines Akademikers wie Steger Einzug hält, halte ich für einigermaßen unwahrscheinlich.

****/*****

 

Episode 64: Ein Mädchen nachts auf der Straße (Theodor Grädler, Deutschland 1973)

Die Studentin Inge Sobach (Uschi Glas) wird erwürgt in ihrer Wohnung aufgefunden. In dem erfolgreichen Unternehmer Harald Bergmann (Curd Jürgens) hatte sie einen wohlmeinenden Gönner – und einen Geliebten? Der Mann berichtet Keller, wie er Inge kennen lernte und welche Beziehung er zu ihr unterhielt. Brachte er sie um, weil sie sich in seinen Sohn Rolf (Amadeus August) verliebte? War Rolf der Täter, weil er es nicht ertragen konnte, sie mit dem Vater teilen zu müssen? Oder war gar Bergmanns erzürnte Gattin Elvira (Inge Birkmann) die Täterin?

Eine KOMMISSAR-Folge mit Curd Jürgens muss zwangsläufig ein Ereignis sein: Der „normannische Kleiderschrank“ gibt wieder eine seiner berüchtigten Darbietungen als ergriffen-lüsterner Onkel, der mit seiner einzigartig sonoren Stimme über die „Lebensfreude“ und den unbeirrbaren Optimismus des jungen Mädchens schwärmt, alle berechtigten Nachfragen über die möglicherweise sexuelle Natur seiner Bekanntschaft brüsk von sich weist, solche Unterstellungen als bornierte Fantasielosigkeit von Menschen kritisiert, die einfach keinen Einblick in die höheren Weihen wahrer, platonischer Liebe haben. Dass er einräumen muss, die schöne, reine, freudige und optimistische Inge, die seine Tochter sein könnte, dann doch auch mal gefickt zu haben (aber nur einmal!), ist in seinen Augen kein Widerspruch und schon gar nicht irgendwie anrüchig. Es ist ein Fest. Dass die Männer im KOMMISSAR (und auch später bei DERRICK) auffallend oft ganz selbstverständlich deutlich jüngere Geliebte haben, wird kaum hinterfragt – die Tatsache folgt eben ganz logisch aus der gesellschaftlichen Realität der BRD der Siebzigerjahre, in der die Männer die Karrieren hatten und sich dann jüngere, „repräsentative“ Frauen nahmen, die vom Wohlstand des Gatten schließlich nur profitierten – und mit denen sich vor den Geschäftsfreunden gut protzen ließ. Curd Jürgens führt die Denke, die hinter solchen Beziehungen steht, gnadenlos vor – gerade weil er sich so unreflektiert in seine Rolle wirft, die sich von seiner Lebensrealität wahrscheinlich kaum unterschied. Auch im echten Leben angelte er sich mit Vorliebe deutlich jüngere Mädchen, die seine müden Knochen mit ihrer „Lebensfreude“ munter machten und im Gegenzug in den Genuss seines luxuriösen Lebensstils und natürlich seiner großen Weisheit als Künstler kamen. Uschi Glas macht mit beim schmierigen Spiel, versieht ihre Inge mit großäugiger, reichlich naiver Unbedarftheit und Offenheit, und verleiht dem geilen alten Bock damit mehr oder weniger die Carte blanche. Wahnsinn.

*****/*****

 

Episode 65: Sommerpension (Jürgen Goslar, Deutschland 1973)

Im Moor wird ein Toter neben seinem im Schlamm stecken gebliebenen Wagen aufgefunden. Ganz in der Nähe befindet sich die abgelegene Pension von Amalie Schöndorf (Marianne Hoppe), die ihre Zimmer an einige Rentner vermietet. Ihre Tochter Barbie (Gerlinde Döberl) hat ein lahmes Bein, seit die Mama sie zusammen mit ihrer Haushälterin Paula (Bruni Löbel) über den Haufen fuhr – und ihr so das Leben und die Tour bei den Männern vermasselte: Eigentlich hatte der Gasthof-Besitzer Schuster (Götz George) die Barbie schon als Ehefrau in spe auserkoren – bis er das Hinkebein zu sehen bekam. Aber was hat der Tote mit dieser Geschichte zu tun?

German Gothic mit komischen Untertönen, die vor allem auf das Konto der Rentner gehen, die Beweisstücke einsacken, sich über erkaltete Suppe beschweren, Keller zum Baden im Moorsee einladen und natürlich beim Mordfall schön die Klappe halten, weil sie nichts lieber wollen, als dass die brave Barbie endlich den Mann bekommt, der ihr zusteht. Götz George hat einen ca. drei Meter breiten Schnurrbart, aber ansonsten kaum mehr als einen ausgedehnten Gastauftritt, der ihn deutlich unterfordert. KOMMISSAR- und DERRICK-Profis sortieren die Folge als eines von mehreren Beispielen ein, in denen Menschen mit Behinderung äußerst schlecht wegkommen. Ob das nur Reineckers Sicht widerspiegelt oder sie damals dem bundesdeutschen Status quo entsprach, kann ich nicht befriedigend beantworten. Fest steht, dass Barbie durch ihre Behinderung „damaged goods“ ist, völlig unvermittelbar auf dem Ehemarkt. Der eben noch bis über beide Ohren verliebte Schuster schaut auf einmal drein, als habe ihm jemand kräftig in die Suppe gerotzt, als er das Humpeln der jungen Frau erblickt, und das Drehbuch gibt ihm mehr oder minder Recht: Was will ein Gastwirt auch mit einer lahmen Frau, die kann ja weder Gäste bedienen noch Bierfässer schleppen! Dann doch lieber gar keine Gattin! Es ist zum Verrücktwerden.

****/*****

 

Episode 66: Herr und Frau Brandes (Leopold Lindberg, Deutschland 1973)

Die Malerin – was hat Reinecker nur ständig mit Malern? – Gerda Brandes (Agnes Fink) hat soeben Besuch von einem ihrer Kunden, da zerreißt ein Schuss im nahegelegenen Wald die Stille. Wenig später wird ein Toter gefunden, ein junger Mann, der Frau Brandes Modell stand und außerdem ein Verhältnis mit ihr hatte. Der Verdacht fällt natürlich sofort auf ihren Mann Wolfgang (Bernhard Wicki), der von der Affäre weiß – und nach einem Tag des Nachdenkens auch ein Alibi hat, das ihm Ursula Becker (Gisela Stein) gibt, die Erzieherin des geistig behinderten Sohnes Ulrich (Andreas Seyferth), mit der wiederum er sich über die Entfremdung der Ehefrau hinwegtröstet. Dann malt der Junge ein Gewehr.

Zerrüttete Ehen, eines der Leib- und Magenthemen Reineckers. Die Überraschungen halten sich in Grenzen, die Episode lebt ganz von dem Zusammenspiel von Fink und Wicki, die auch im echten Leben verheiratet waren. Wicki beim Rauchen zuzuschauen, ist allein schon ein Fest und die Stimme der Fink, die sie unter anderem Katharine Hepburn und Ellen Burstyn lieh, lässt einen in Ehrfurcht erzittern. Auf der anderen Seite haben wir mit Ulrich wieder ein Beispiel für die erbarmungswürdige Darstellung von Menschen mit Behinderung. Nicht nur, dass der Junge als komplett schwachsinnig dargestellt wird, er wird auch von keiner der ihn umgebenden Personen als auch nur annähernd gleichwertig und zurechnungsfähig behandelt. Das ist aus heutiger Sicht einfach nur erschütternd.

****/*****

 

Episode 67: Tod eines Buchhändlers (Theodor Grädler, Deutschland 1973)

An einem Sonntagmorgen wird der Dorf-Buchhändler Kapp (Werner Bruhns) ersoffen am Ufer der Isar aufgefunden, unweit seines Autos. Im Ort scheint man sich sicher zu sein, dass der Tod Folge eines Unfalls ist, denn jeder weiß, dass Kapp sich samstags gepflegt einen hinter die Binde zu gießen pflegte – nur um danach seine schöne Gattin Herta (Judy Winter) zu verdreschen. Weil aber einige Indizien auf Fremdeinwirkung schließen lassen, nehmen Kommissar Keller und seine „Jungs“ die Ermittlungen auf. Die führen sie schnell zu Kapps Azubi Roland Beyfuss (Pierre Franckh): Der konnte es nicht ertragen, das Leid der Gattin seines Chefs mitanzusehen, denn er schwärmte für die junge Frau.

Wenn mich nicht alles täuscht, beginnt hier die lange Tradition Münchener Krimis mit Pierre Franckh in der Rolle des gutmütigen, treudoofen und schlappschwänzigen Pechvogels. Wer ihn wie ich bereits in Dutzenden von DERRICK-Episoden in Variationen dieses Typus gesehen hat, für den hält sich die finale „Überraschung“ ziemlich in Grenzen. Wobei „Tod eines Buchhändlers“ generell zu den eher vorhersehbaren Folgen des umfangreichen Reinecker’schen Schaffens gehört. Interessant ist sie vor allem hinsichtlich ihrer Haltung zu ehelicher Gewalt: Zwar wird der Gattinnenverprügler Kapp ziemlich deutlich als Unsympath gezeichnet, sein Handeln zudem noch dadurch verschlimmert, dass seine Fäuste die göttliche Judy WInter treffen, die damals wirklich zum Niederknien schön war, aber es ist dennoch auffällig, dass sich Reinecker eine eindeutige, explizite Bewertung verkneift. Keller äußert sich nie zu Kapps Entgleisungen, auch die Aussagen der Nebenfiguren in Richtung „Was andere Leute tun, geht uns nichts an“ bleiben unwidersprochen und am Ende wird der geschundenen Ehefrau gar der schwarze Peter zugeschoben, weil sie dem jungen Roland solche Flausen in den Kopf gesetzt hat. Problematisch, aber faszinierend.

****/*****

 

Episode 68: Domanns Mörder (Wolfgang Becker, Deutschland 1974)

Ernst Faber (Erich Schellow) und sein Sohn Ulrich (Peter Chatel) finden in der Familienvilla den toten Domann (Michael Maien) auf – und fangen sofort an, wilde Pläne zu schmieden und Vorsichtsmaßnahmen zu ergreifen, damit die Polizei bloß niemanden verdächtigt. Weder Mutter Gerda (Gisela Uhlen) noch Tochter Hannelore (Gitty Djamal), Hausmädchen Luise (Gustl Halenke) oder die junge Irmi (Irina Wanka) sind da – was auch ein bisschen das Problem der Familie ist, deren Mitglieder alle ihre eigenen Wege gehen, ohne sich groß um die anderen zu kümmern. Die Mitglieder sind sicher, dass einer aus ihrer Mitte der Mörder ist, aber wer, warum und wieso, interessiert sie nicht. Hauptsache, sie gehen straffrei aus.

„Kann denn nicht endlich mal jemand an die Kinder denken!?“, pflegte Ned Flanders‘ Ehefrau bei den SIMPSONS auszurufen. Ihr Flehen könnte auch diese Episode überschreiben, in der Reinecker zeigt, wie die Eitelkeiten der Erwachsenen unsere süßen Kinderlein ins Unglück stürzen. Irina Wanka, die die nahezu stumme Irmi spielt, blieb dem Rollenbild, das sie hier im zarten Alter von 12 zeigte, auch in den folgenden zwei Jahrzehnten bei unzähligen DERRICK-Auftritten treu. Immer spielte sie den Unschuldsengel reinen Herzens, der durch das amoralische Treiben der Sünder um sich herum in tiefste Abgründe gestoßen wurde. Das ist ein fetter Spoiler, ich weiß, aber mehr als die Frage nach dem Täter interessiert in „Domanns Mörder“ die Sezierung großbürgerlicher Arroganz, die Reinecker mit blitzendem Skalpell vornimmt. Vor allem Erich Schellow ist großartig als Patriarch, dem der Gedanke, es mit der Wahrheit zu halten, nicht im Entferntesten in den Sinn kommt.

****/*****

 

Episode 69: Ein Anteil am Leben (Ullrich Haupt, Deutschland 1974)

Die Kellnerin Alma (Heidi Stroh) wird in ihrer Wohnung von ihrer männlichen Begleitung brutal erstochen. Ihre Arbeitskollegin, die Putzfrau Anna Bergmann (Käthe Gold), die bei Alma im Flur schlafen darf, weil sie ihre Wohnung verlor, überrascht den Mörder und lässt sich ihr Schweigen gut bezahlen. Keller ahnt, dass die Frau etwas weiß – und dass der Täter aus dem Kreise gut betuchter Münchener Geschäftsleute und Politiker stammen muss, die Alma jeden Freitag bediente. Keller versammelt die Männer im Brauhaus, doch die wissen, dass er ihnen nichts nachweisen kann.

Das Setting der verschworenen männlichen Saufgemeinschaft, die die mangelnde sexuelle Bereitschaft einer jungen Frau drastisch bestraft, griff Reinecker auch später bei DERRICK noch einige Male auf. Hier verbindet er es mit einer seiner Betrachtungen zur Einsamkeit im Alter. „Ein Anteil am Leben“ ist kein Highlight der Serie, was mehrere Gründe hat: Die ganze Prämisse wirkt überkonstruiert, das Verhalten der alten Dame unglaubwürdig und übertrieben, die Auflösung gegenüber dem Aufbau dann übereilt und zu allem Überfluss spielt auch noch Dieter Schidor mit, der einfach immer fehlbesetzt ist. So wird dann auch die Tragik von Anna Bergmanns Schicksal zunichte gemacht. Es ist schon bitter: Es muss erst jemand umgebracht werden, damit sie ein einziges Mal das Leben aus vollen Zügen genießen kann.

**/*****

 

Episode 70: Die Nacht mit Lansky (Erik Ode, Deutschland 1974)

Kommissar Keller und die „Jungs“ sind zum monatlichen Abendessen bei Heimes‘ Mutter (Ruth Hausmeister) eingeladen, als sie von der Nachbarin Frau Lansky (Heli Finkenzeller) um Hilfe gebeten werden: Ihr Ehemann Heinz (René Deltgen), ein Handelsvertreter, verhalte sich seltsam, sei abwesend und völlig außer sich. Doch der ältere Herr besteht darauf, dass alles in Ordnung sei und schickt die Kriminalbeamten wieder weg: Verdutzt bemerken diese aber Blutflecken an den Händen, den Koffern und am Steuerrad des Wagens des Mannes.

Reinecker sinniert mal wieder über das Alter, darüber wie Menschen irgendwann aufs Abstellgleis geschoben werden und dann dazu gezwungen sind, irgendwie weiterzumachen. In der fest gefügten Ordnung der Siebzigerjahre sind es natürlich vor allem die Männer, die dieses Schicksal trifft. Darauf gedrillt, als Versorger ihrer Familien zu wirken, fühlen sie sich plötzlich nutzlos und impotent. (Das Schicksal der Frauen ist es hingegen, ab einem gewissen Alter von ihren Männern sitzen oder links liegen gelassen zu werden: Auch das haben wir beim KOMMISSAR schon häufiger gesehen.) Im Falle des armen Lansky geht die Verzweiflung so weit, dass er der Familie ein ganzes Jahr lang eine Berufstätigkeit vorgaukelt, montags das Haus verlässt, in sein Auto steigt und dann am Freitag zurückkehrt. Die Tage füllt er mit Einbrüchen bei seinen ehemaligen Kunden, die das nötige Geld bringen und sicherstellen, dass er seine Fassade als Versorger zu Hause aufrechterhalten kann. Bis sein Nachfolger Kessler (Eckart Dux) ihm auf die Schliche kommt. Die Episode ist zermürbend, auch weil sie ziemlich lang auf der Stelle tritt. Keller und Kollegen wissen, dass Lansky etwas verbrochen hat, aber sie haben auch keinen echten Grund, gegen ihn vorzugehen – schließlich scheint es noch gar kein Opfer zu geben. Und alle Versuche, den Mann zum Rede zu bringen, scheitern – bis er dann schließlich doch irgendwann einbricht und seine Geschichte erzählt, die dem Zuschauer dann in Rückblenden serviert wird. Ich bin etwas unentschlossen: Deltgen ist toll, die Episode unendlich traurig, aber ihr Ende ist eben auch recht vorhersehbar.

***/*****

 

Episode 71: Spur von kleinen Füßen (Theodor Grädler, Deutschland 1974)

Ein junges Mädchen (Sabine Sinjen) wird erschossen und dann von einer Brücke geworfen. Sie war vor einem Jahr vom Land nach München gekommen und die lange Galerie ihrer Verehrer führte sie schließlich ins Drogenmilieu.

Die Episode, in der mehrfach die auffallend „kleinen Füße“ des Opfers angesprochen werden, ohne dass das eine echte Bedeutung hätte (Sabine Sinjens Füße sind darüber hinaus keineswegs besonders klein: Fehlbesetzung!), ist mal wieder eines der gruseligen Beispiele für Frauenmystifizierung und Altherrenerotik. Wie schon Uschi Glas in der Episode „Ein Mädchen nachts auf der Straße“ ist auch Sinjen hier das Objekt der haltlosen Idealisierung diverser Männer, die schon ans Pathologische grenzt. Reinecker lässt seine diversen Männertypen von der „reinen Lebenslust“ und einer „verdinglichten Erfahrung“, die das Zauberwesen verkörpere, fabulieren, dabei mit verträumtem Blick ins Leere starren, als könnten sie dort Einhörner beim Kopulieren sehen. Sinjen weiß mit diesem Quatsch offensichtlich gar nichts anzufangen und interpretiert die zarte Elfe als ständig enthusiasmiert grinsende, herumrennende oder wild hüpfende Kindfrau, die jedem Menschen bereits nach kürzester Zeit fürchterlich auf die Nerven fallen würde. Wie eine Biene fliegt sie von einem Mann zum anderen, weil die pure Lebenslust und Neugier sie antreibt. Zurück bleiben Peter Ehrlich als ihr mit seiner verdörrten Schwester zusammenlebender Chef, Martin Lüttge als junger Fotograf, Udo Vioff als eleganter, der Mama (Alice Treff) höriger Drogenhändler und Christian Reiner als Junkie. Keiner ist in der Lage, dieser Nymphe dauerhaft zu geben, was sie braucht. Und es ist klar, dass das nur mit dem Tode enden kann. Die Besetzung der Folge ist natürlich unfuckwithable, zumal auch noch der stets mürrische Günther Neutze als mies gelaunter Kneipenwirt mitmischt. In einer sehr rätselhaften Szene rufen einige junge Partygäste bei einem Telefonseelsorge an, um sich über den Selbstmordversuch eines anwesenden Freundes lustig zu machen. Jesus, what is it with these people?!

Wichtig ist die Folge aber noch aus einem anderen Grund: Es ist die letzte Episode mit Fritz Wepper als Harry Klein: Er wird zu Beginn in einer tatsächlich sehr rührenden Szene in die Obhut von Oberinspektor Derrick verabschiedet und präsentiert dann seinen Bruder Erwin (Elmar Wepper) als Nachfolger. Der erntet zwar sofort die Sympathien von Chef Keller (weil er erkennt, dass das Mordopfer auffallend kleine Füße hatte), steht aber im weiteren Verlauf mehrfach wie Falschgeld herum. Mal sehen, wie er sich entwickelt. Das gilt auch für die Serie insgesamt, die Reinecker doch mittlerweile merklich auf Autopilot betreibt.

***/*****

 

der kommissar episode 38 – 55 (deutschland 1971 – 1973)

Episode 38: Grau-roter Morgen (Theodor Grädler, Deutschland 1971)

Am Ufer der Isar wird die junge heroinabhängige Sibylle Laresser (Sabine Sinjen) tot aufgefunden – erschossen vom anderen Ufer aus. Die Ermittlungen führen Kommissar Keller zunächst in die Wohnung der Toten, die dort gemeinsam mit ihrer Mutter Hilde (Lilli Palmer) lebte. Diese hatte während der vergangenen 12 Monate verzweifelt versucht, ihre Tochter von den Drogen wegzubringen und dafür sogar ihren Ehemann (Hans Caninenberg) in Augsburg zurückgelassen …

Die Ermittlungsarbeit und überhaupt die Kriminalbeamten um Kommissar Keller treten in dieser fantastischen Episode deutlich in den Hintergrund. Mehr als um die Frage, wer Sibylle umgebracht hat, geht es um eine Mutter-Tochter-Beziehung und um die Frage, wie man die Liebe zu seinem Kind aufrechterhalten kann, wenn dieses sich für den Tod entschieden hat. Lilli Palmer liefert als liebe- und aufopferungsvolle, letztlich aber hilflose Mutter eine schauspielerische Tour de force, ohne jemals zu overacten oder auf die Tränendrüse zu drücken. Es lässt wohl nur den abgezocktesten Zuschauer kalt, wenn sie berichtet, wie sie ihrer Tochter den ersehnten Schuss setzte, weil diese einfach nicht mehr in der Lage war, ihre Venen zu treffen. Wenn sie von einem Dealer, dem sie auf dem Kneipenklo ein paar Ampullen Morphium abkauft, niedergeschlagen und ausgeraubt wird. Oder wenn sie ihre benommene Tochter nach stundenlanger verzweifelter Suche nachts zwischen lauter anderen Drogenabhängigen halb benommen im Monopteros-Tempel findet.

Reinecker kehrt mit seinem Drehbuch zum Stil von „Der Papierblumenmörder“ zurück, was bedeutet, dass es hier eher um den Blick auf das Innenleben einer seiner Figuren geht. Dort war es das um das Verständnis der Erwachsenen ringende Heimkind, hier die verzweifelt um das Leben ihrer Tochter kämpfende Mutter, die langsam aber sicher erkennen muss, dass es für ihr Kind keine Rettung gibt. Grädler inszeniert freilich nicht mit der kreativen Wildheit Brynychs, aber das muss er in diesem Fall auch nicht. Die Schmerzen der Mutter brauchen keine formale Verstärkung, es reicht, dass er seiner grandios aufspielenden Hauptfigur die Bühne bereitet. DER KOMMISSAR neigte in der Vergangenheit, wenn es um Drogen ging, zum altvorderlichen Spießertum, aber hier hält sich Keller mit seinen Vorverurteilungen dankenswerterweise zurück. Jedes Moralisieren ist fehl am Platze, wenn es um das Leid einer Mutter geht, die ihrem Kind beim Sterben auf Raten zusehen muss. Ein Meisterwerk deutscher Fernsehunterhaltung. Auch nach fast 50 Jahren noch.

*****/*****

Episode 39: Als die Blumen Trauer trugen (Dietrich Haugk, Deutschland 1971)

Dr. Trotta (Paul Hoffmann) wird in seinem Haus erschossen. Auf seinem Plattenteller kreiste in den Wochen vor seinem Tod die Platte einer Münchener Beat-Combo (Heino Czechner, Klaus Wildbolz, Tommi Piper, Klaus Höring, Thomas Egg), deren Sängerin Jeanie (Silvia Lukan) selbst kurze Zeit zuvor nach einer missglückten Abtreibung ums Leben gekommen war …

„Als die Blumen Trauer trugen“ hat das Problem, ganz ähnlich aufgebaut zu sein wie die unmittelbar vorangegangene und emotional einfach niederschmetterndere Episode. Auch hier dringt der Zuschauer mittels Rückblenden tief in die Beziehung der männlichen Akteure zu der romantisch verklärten Sängerin ein, die von allen förmlich angebetet wurde. Die Identifizierung des Mörders ist eigentlich nebensächlich gegenüber dem Schmerz, den alle angesichts des Verlusts des „manic pixie dream girls“ spüren und der auch durch die Bestrafung des Täters nicht gelindert werden kann. Im Gedächtnis bleibt auf jeden Fall der Song, der da immer wieder erklingt, mit seiner fremdartigen, aber sofort einnehmenden Gesangsmelodie, in der sich Lebensfreude und eine tiefe Melancholie freundschaftlich die Hand reichen, auf eine Art und Weise, die der deutsche Schlager der frühen Siebzigerjahre perfektioniert hatte.

****/*****

Episode 40: Der Tod des Herrn Kurusch (Theodor Grädler, Deutschland 1971)

Herr Kurusch (Wolfgang Büttner) ist der bei allen Mietern verhasste Hausbesitzer, der jeden Monat persönlich die Miete einsammelt und sich trotz seines Reichtums nur eine bescheidene Wohnung gönnt. Der Student Ewald Lerche (Volkert Kraeft) fasst mit seiner Freundin Helga (Christiane Krüger) den Entschluss, den Mann in seiner Wohnung mit einem Hammer zu erschlagen und ihm das Geld abzunehmen. Vor Ort muss er aber feststellen, dass ihm jemand unmittelbar zuvor gekommen ist. Er lässt vor Schreck den Hammer fallen und flieht, wobei er von der Nichte des Toten, Annemarie Kurusch (Cornelia Froboess), gesehen wird. Er ist nun der Tatverdächtige Nummer eins und alle Indizien sprechen gegen ihn. Er ringt Keller die Möglichkeit ab, eigene Ermittlungen anzustellen …

Mit dieser Episode begibt sich Grädler zwar wieder auf vertrautes Krimiterrain, aber „Der Tod des Herrn Kurusch“ ist trotzdem toll, weil Reinecker einfach ein gutes Drehbuch geschrieben hat. Der Fall ist spannend, weil man sich gut mit der misslichen Lage, in der sich Lerche befindet, identifizieren kann. Die Sympathien fliegen ihm zu, obwohl er ja ein ziemlich jämmerlicher Typ ist: Keller hat durchaus Recht, ihm mit unverhohlener Verachtung zu begegnen. Dass Lerche „unschuldig“ ist, ist ja eher einem dummen Zufall geschuldet, als der charakterlichen Tadellosigkeit dieses Feiglings, der sich für ziemlich oberschlau hält, durch eine Verkettung dummer Fehler aber schließlich doch als Mordverdächtiger dasteht. Cornelia Froboess gibt wieder mal eine ihrer irgendwie unsympathisch-verknöcherten Besserwisserinnen, bei denen ich nie weiß, ob diese Figuren wirklich so sein sollen oder ob die Froboess einfach nicht anders kann.

****/*****

Episode 41: Kellner Windeck (Erik Ode, Deutschland 1971)

In einem Brunnen findet man den Kellner Windeck (Michael Verhoeven). Er wurde hinterrücks erwürgt und in den Brunnen gestoßen, irgendjemand hat ihm nach dem Tod noch die Schuhe ausgezogen und fein säuberlich auf den Boden gestellt. Bei den Ermittlungen finden Keller und seine Leute heraus, dass Windeck echten Schneid bei den Frauen hatte: Gleich mehrere vergießen ehrlich gemeinte Tränen um den sensiblen, zärtlichen Mann. Als Tatverdächtige kommen sofort drei Männer in Frage, die mit seinem Charme nicht mithalten konnten: sein Arbeitgeber Millinger (Claus Biederstaedt), der fiese Gruber (Hans Korte) und Erich Lorenz (Thomas Frey), der Sohn von Windecks Vermieterin (Angela Salloker) …

Die Episode ist nicht besonders aufregend, wirkt aber unvermindert aktuell, was ja nun eine irgendwie traurige Erkenntnis ist. Männer sind zu einem überwiegenden Teil Machoarschgeigen, die Frauen besitzen wollen, dann aber nichts mehr mit ihnen anzufangen wissen. Ein „Frauenversteher“ wie Windeck muss ihnen ein Dorn im Auge sein. Seiner vermeintlichen „Weichheit“ haben sie nichts, aber auch gar nichts entgegenzusetzen, außer natürlich roher Gewalt.

***/*****

Episode 42: Ein rätselhafter Mord (Wolfgang Staudte, Deutschland 1971)

Ein Student wird auf offener Straße erschossen, als er die Wohnung seiner Freundin (Donata Höffer) verlässt. Die Obduktion ergibt, dass der Schuss aus dem ersten Stock eines Mietshauses abgegeben worden sein muss. Zwei Männer kommen für den Mord in Frage: Der Waffensammler Wilfried Kaiser (Thomas Astan), dessen Vater (Herbert Fleischmann) mehrere türkische Gastarbeiter in einer Abstellkammer wohnen lässt, und der Student Heymann (Manfred Seipold), der bei der strengen Frau Bassmann (Maria Wimmer) zur Untermiete lebt …

Es sind eher kleinere Details, die hier interessant sind, vor allem natürlich die Zeichnung des morbiden Wilfried: Dessen Zimmer ist übersät mit Italowestern-Plakaten („Lasst uns töten, Compañeros!“) und auf dem Plattenteller kreist Morricones „C’era una volta il West“ mit deutschem Voice-over, was Kommissar Keller, den alten Spießer, dazu veranlasst, die Augen ganz fest zusammenzukneifen. Der Exkurs zum Thema illegale Gastarbeiter ist auch ein schönes Zeitzeugnis, während die Gelassenheit, mit der Keller und Co. das Geständnis der erwachsenen Frau Schöne (Eva Ingeborg Scholz) aufnehmen, ein Verhältnis mit dem 16-jährigen Nachbarsjungen zu unterhalten, eher verwundert. Die Auflösung hat Reinecker geradwegs aus der Schublade mit der Aufschrift „Küchenpychologie“ gezogen. Und der Soundtrack wird größtenteils von Creedence Clearwater Revival bestritten, was super ist. Alles in allem unterhaltsam, aber kein Meilenstein.

***/*****

Episode 43: Traum eines Wahnsinnigen (Wolfgang Becker, Deutschland 1972)

Bevor er aus der Nervenheilanstalt fliehen kann, bringt der Verrückte Kabisch noch zwei Menschen um. Gemeinsam mit seinem Arzt Dr. Hochstätter (Curd Jürgens) heften sich Keller und Co. an die Fersen des Mörders. Sie erwarten, dass er die Artistin Eva Raßner (Christine Kaufmann) aufsucht, die er einst umbringen wollte. Gemeinsam mit ihrem Gatten (Günter Stoll) weilt sie in München, weil dort gerade der Zirkus gastiert. Das Problem: Niemand weiß wie Kabisch aussieht, denn dessen Spezialität waren stets seine Maskierungs- und Schauspielkünste …

Hier wird ganz, ganz tief in die Exploitationkiste gegriffen und heraus kommt eine herrlich pulpige Episode, die zu allem Überfluss auch noch fantastisch besetzt ist. Curd Jürgens gibt erwartungsgemäß alles als Arzt, der bei der Behandlung eines kriminellen Masterminds die Grenze zum Wahnsinn höchstselbst überschritten hat. Seine mit unverhohlener Bewunderung für den Irren vorgetragenen Exegesen über dessen Philosophie sind eine echte Schau, entlocken dem nüchternen Keller mehr als nur ein befremdetes Augenrollen. Die Idee mit den Masken ist natürlich auch super, eine schöne Reminiszenz an die Gruselkrimis der Sechzigerjahre, deren Ausläufer zu Beginn der Siebzigerjahre ja immer noch in den Lichtspielhäusern der Nation zu bewundern waren. Man erkennt recht schnell, wer der Täter sein muss, weil Schnauz und Hasenzähne ein bisschen arg angeklebt aussehen, aber die Auflösung ist dann doch ganz hübsch. Horst Frank taucht gleich mehrfach auf und ich würde lügen, wenn ich behauptete, ich hätte ihn in allen seinen Verkleidungen erkannt. Geiler Pulp!

*****/*****

Episode 44: Die Tote im Park (Wolfgang Staudte, Deutschland 1972)

Im Englischen Garten wird die Edelpostituierte Erika Halonde (Gaby Gasser) tot aufgefunden. Sie gehörte zum Zuhälter Rotter (Manfred Spies), der darüber erbost war, dass sie ein Verhältnis mit dem Nachtclub-Betreiber Dewanger (Siegfried Wischnewski) hatte. Bei den Ermittlungen bekommt Keller Unterstützung von Gerti Halonde (Heidelinde Weis), selbst eine Prostituierte, die zur Untermiete bei dem schwerkranken Erich Felz (Siegfried Lowitz) lebt. Als Gertis Vater (Martin Held) nach München kommt, hat sie ein Problem, denn er soll natürlich nicht erfahren, welchem Beruf sie nachgeht …

Eher mittelprächtige Folge, die aber von ihrer Milieudarstellung und dem gewohnt tollen Spiel von Heidelinde Weis profitiert. Die Szene, in der der fiese Rotter sie vor ihrem Vater als „Nutte“ bloßstellt und es plötzlich totenstill im zuvor noch pulsierenden Nachtclub wird, ist toll. Und Lowitz übt schon einmal für seine Rolle in der späteren DERRICK-Episode „Stiftungsfest“. Sonst fällt mir nichts ein.

***/*****

Episode 45: Schwester Ignatia (Dietrich Haugk, Deutschland 1972)

Die Ordensschwester Ignatia (Maria Becker) erkennt unter den jugendlichen Einbrechern, die nachts aus der Villa eines Millionärs fliehen, Jürgen Gebhardt (Volker Eckstein), in dessen Elternhaus sie zur Pflege seiner schwer kranken Mutter (Berta Drews) ein- und ausgeht. Sie schützt den Jungen, indem sie eine klare Aussage verweigert …

Mit „Schwester Ignatia“ vergeigt Reinecker erhebliches Potenzial: Die Tatsache, dass die Nonne einen Täter deckt, spielt für den Ermittlungserfolg eigentlich kaum eine Rolle, weil Keller und Partner auf ihren Hinweis kaum angewiesen sind. Der eigentliche Täter stellt sich schon ausreichend dumm an, aber wer will es ihm auch verdenken. Wieder einmal geht es hier um höchst fragwürdige Beziehungsspiele, bei denen ein verweichlichter Ehemann solange gute Miene zum bösen Spiel macht, bis die Wildsau mit ihm durchgeht. Passend dazu wird seine Ehefrau von der blonden Quasischwedin Ini Assmann gegeben, deren kurze Filmografie mit Titeln wie DER NÄCHSTE HERR, DIESELBE DAME, CARRERA – DAS GEHEIMNIS DER BLONDEN KATZE, PUDELNACKT IN OBERBAYERN, HUGO, DER WEIBERSCHRECK, BLONDE KÖDER FÜR DEN MÖRDER und SCHULMÄDCHEN-REPORT 6. TEIL: WAS ELTERN GERN VERTUSCHEN MÖCHTEN sehr aufschlussreich bestückt ist. Sie sagt in der ganzen Episode kein Wort, steigt ständig aus dem Pool oder klettert hinein und ist reichlich lazy als personifizierte Sünde gezeichnet.

Sein Ringelmann-Debüt gibt Volker Eckstein, hier mal nicht als blässlicher Softie, sondern als Halbstarker, der von der strengen Ignatia als Gegenleistung für ihr Schweigen auf den Pfad der Tugend geführt wird. Die Folge ist am besten, wenn sie sich der Zeichnung eines höchst banalen sozialen Elends widmet: Jürgens Mutter liegt schwitzend im Bett, ihrem Tod entgegenjammernd, der Vater ist ständig besoffen und völlig ohnmächtig, der Sohnemann will einfach nur weg. Nebenbei spielt Jan Hendriks noch einen arbeitslosen Vater, der ständig seine kleine Tochter verdrischt. Am Ende fällt Schwester Ignatia mit dem Fahrrad auf die Schnauze, als wolle Reinecker auch ihr noch einen mitgeben. Seltsam.

***/*****

Episode 46: Überlegungen eines Mörders (Dietrich Haugk, Deutschland 1972)

Auf Erika (Grit Böttcher), die junge Gattin des Unternehmers Hubert Taveller (Harry Meyen), wird ein Mordanschlag verübt. Die junge Frau hatte keinen besonders guten Stand in der Familie, wie Kommissar Keller schnell herausfindet. Sowohl Nora (Claudia Butenuth), Tavellers Tochter aus erster Ehe, als auch seine Ex-Gattin Irene (Nadja Tiller) halten wenig von ihr. Und dann ist da ja auch noch die Hausdienerin Franziska (Christiane Rücker), mit der der Hausherr ein Verhältnis hat …

Ja, nu. Die schöne Besetzung kann nicht ganz verhindern, dass ÜBERLEGUNGEN EINES MÖRDERS den Eindruck macht, als habe Reinecker sie zwischen zweitem Frühstück und Mittagsschläfchen geschrieben. Nicht schlecht, aber vergleichbare Fälle hat man zu diesem Zeitpunkt schon x-mal gesehen.

**/*****

Episode 47: Tod eines Schulmädchens (Theodor Grädler, Deutschland 1972)

Die Schülerin Kirsten Benda (Helga Anders) wird abends vor einer bekannten Spielhalle erschossen. Bei den Ermittlungen an ihrer Schule finden Keller uns seine Männer heraus, dass die Klassensprecherin bei Lehrern und Schulleitung (Wolfgang Preiss) höchst unbeliebt war: Sie galt ihnen als aufmüpfig, unmoralisch, ja sogar „böse“. Ihr Klassenlehrer Gebhardt (Heinz Bennent) wollte wegen ihr sogar den Beruf aufgeben. Nun, nach ihrem Tod, ist er aber plötzlich ganz anderer Meinung über sie …

Generationenkonflikt à la Reinecker: Schon die Jacke der Benda reicht aus, um den Stab über der Schülerin zu brechen. Wer sich so unweiblich anzieht, der muss mit dem Teufel im Bunde sein. Die Rückblendenstrategie ist hier besonders geschickt, weil ihre einzelnen Segmente den krassen Widerspruch zwischen den Aussagen der Erwachsenen über die ach so verkommene Kirsten und deren wirklichem Verhalten offenlegen. Man ist es schlicht und ergreifend nicht gewohnt, dass eine Jugendlich einen eigenen Willen zeigt, Antworten einfordert oder gar mit Argumenten überzeugt werden möchte, anstatt bloß willige Befehlsempfängerin zu sein. Es ist frappierend, dass niemand wirklich sagen kann, was sich dieser Satansbraten eigentlich hat zu Schulden kommen lassen: Aber auch, dass weder Keller noch seine Leute jemals wirklich danach fragen. Was Erwachsene über Jugendliche sagen, hat eben doch mehr Gewicht.

****/*****

Episode 48: Toter gesucht (Theodor Grädler, Deutschland 1972)

Der Ladenbesitzer Berneis (Bernrad Wicki) fängt Kommissar Keller eines Morgens aufgeregt ab. Er glaubt, sein Sohn Franz (Christopn Bantzer) habe einen Mord begangen, weil er am Vorabend mit einem blutverschmierten Hemd nach Hause gekommen sei. Keller glaubt dem Mann, zumal sich Indizien auf ein dunkles Geheimnis des Sohnes häufen. Nur eine Leiche fehlt …

Eine schöne, wenn auch nicht unbedingt spektakuläre Folge. Bernhard Wicki ist wunderbar mit seinem Rauschebart, dem Hut und dem ständigen Kippenrauchen, wie er seinen Nachbarn Keller da auf offener Straße abfängt, ihn zu einer konspirativen Sitzung in die kleine Küche hinter seinem Gemischtwaren holt und sich dann ständig selbst unterbricht, um sich zu vergewissern, dass sein inkriminierter Sohn nicht die Treppe herunterkommt. Der Kommissar ermittelt gewissermaßen auf eigene Faust, sehr zum Unverständnis seiner jüngeren Untergebenen, die angesichts des Mangels einer Leiche an seinem Verstand zu zweifeln beginnen. Aber Keller kann sich natürlich auf seine untrügliche Intuition verlassen, Er weiß, dass Franz Dreck am Stecken hat und weil ihm die Beweise fehlen, tut er das, was Oberinspektor Derrick später zur Kunstform erheben sollte: Er geht dem Täter mit seinen ständigen Überraschungsbesuchen gnadenlos auf die Nerven.

„Toter gesucht“ ist auch eine verhalten humorvolle Episode, weil sie Keller Gelegenheit gibt, den arroganten Schnösel gnadenlos abblitzen zu lassen. Und in einer ganz famosen Szene hört er sich mit wissendem Lächeln und in aller Seelenruhe die Beleidigungen des Morgenluft witternden Buben an. Es tut ein bisschen weh, weil sein Gegenüber auch ein ganz kleines bisschen Recht hat, wenn er Keller ein tristes Spießerleben vorwirft, aber der schluckt es runter, weil er genau weiß, wo das Großmaul in Bälde landen wird. Dann lässt er sich von dessen Freundin Anita (Eleonore Weisgerber) zu einem Tänzchen auffordern und was eigentlich als Demütigung gemeint ist, wird zum stillen Triumph des alten Mannes, der den Exkurs auf die Tanzfläche durchaus genießt.

****/*****

Episode 49: Ein Amoklauf (Wolfgang Becker, Deutschland 1972)

Weißmann (Gerd Baltus) hat vor Jahren seinen Schwiegervater sowie seine beiden Kinder erschossen, als er herausfand, dass seine Gattin Hannelore (Krista Keller) ihn mit einem anderen Mann betrügt. Jetzt ist ihm die Flucht aus dem Gefängnis gelungen und Keller und seine Assistenten wissen, wo er hin will: Zu seiner alten Wohnung, wo Hannelore mit besagtem Mann, ihrem neuen Gatten (Götz George) lebt. Während Harry mit dem behandelnden Psychiater (Charles Regnier) in einer Kneipe gegenüber der Wohnung wartet, beschützt Walter die verängstigten Eheleute – und erfährt, was Weißmann damals die Sicherungen durchbrennen ließ …

Eine Belagerungsfolge, die viel Spannung aus ihrer einfachen Konstellation bezieht, auch wenn man ahnt, dass es nicht zu einem weiteren Amoklauf kommen wird. Wie auch in späteren DERRICK-Folgen wird hier wieder ein sehr seltsames und verdrehtes Bild einer „Liebes“-Beziehung gezeichnet: Was ging nur in Reineckers Kopf vor? George interpretiert seinen Neumann ausnahmsweise mal nicht als selbstbewussten Supermacho, sondern im Gegenteil als ziemlich jämmerlichen Feigling, der angesichts des möglichen Todes auf alle vor dem Pfarrer geleisteten Eheschwüre pfeift und nur daran denkt, sein Gewissen zu beruhigen und sauber davonzukommen. Ein ekelhafter Typ. Seine Gattin hingegen entspricht eher dem Typus der gefühlskalten und verantwortungslosen Schlampe, die ihren Mann einst mit perfider Schadenfreude und ohne schlechtes Gewissen hinterging und bizarrerweise keinerlei Probleme damit hat, weiterhin in der Wohnung zu leben, in der ihre eigenen Kindern einen gewaltsamen Tod fanden. Walters Gesichtszüge entgleisen mehr als einmal, ob der Darbietung der beiden, der er da beiwohnen darf.

Baltus als Amokläufer ist natürlich eine strategische Besetzung: Man assoziiert ihn ja eigentlich eher mit biederen Waschlappen der Marke Versicherungsvertreter oder Buchhalter – siehe seine Rolle in der DERRICK-Jahrhundertfolge „Tod des Wucherers“ -, aber in der frühen KOMMISSAR-Episode „Ratten der Großstadt“ agierte er durchaus überzeugend als gemeiner Prolet. Davon ist hier nicht mehr viel zu sehen, und weil von ihm keine echte Bedrohung ausgehen mag, erwartet man eigentlich, dass sich seine Unschuld an dem vergangenen Massaker herausstellt. Die Überraschung, mit der „Ein Amoklauf“ schließt, ist anderer Natur. Und verfehlt ihre Wirkung durchaus nicht. Natürlich ist auch Regnier wieder mal super.

****/*****

Episode 50: Der Tennisplatz (Theodor Grädler, Deutschland 1972)

Ein Obdachloser (Bruno Hübner) wird erschossen in einem geparkten Auto aufgefunden, an seinen Schuhen klebt rote Asche, wie man sie auf Tennisplätzen findet. Eine Spur finden Keller und Co. in einem Obdachlosenheim, wo der Mann anhand eines Fotos als Hugo Bechthold identifiziert wird. Sein Zimmergenosse Biebach (Rudolf Platte) berichtet Keller von Brunos letztem Tag. Anhand dieser Schilderungen gelingt es dem Kommissar tatsächlich den Ort zu finden, an dem der Obdachlose sein Leben verloren hat: Ein besitzerloser Tennisplatz, in dessen Nähe die Villa der Familie Prewall steht. Alles deutet darauf hin, dass der junge Andreas Prewall (Peter Fricker) der Mörder ist …

Reinecker frönt in „Der Tennisplatz“ wieder einmal seinem Menschenhass oder genauer: seiner Verachtung für die Oberschicht, die sich über die Schwächeren erhebt und voller Arroganz auf sie hinabschaut, sich ihrer Überlegenheit ganz sicher, die sich jedoch einzig auf ihre materielle Affluenz gründet. Das Ende ist harter Tobak: Die „feinen Herrschaften“ steigern sich in ihrem sadistischen Spiel mit dem armen, ahnungslosen Kerl in einen wahren Rausch, wie wild gewordene Affen feuern sie ihn an und demütigen sie ihn, bis schließlich die tödlichen Schüsse fallen. Ein bisschen forciert wirkt das schon, vor allem Frickes Charakter zeigt keinen einzigen positiven oder auch nur milde sympathischen Zug. Dass er die ganze Zeit mit seinem wortkargen Freund Jürgen (Roger Fritz) rumhängt, suggeriert seine Homosexualität, auch wenn Reinecker nie wirklich explizit wird.

Er erdet diese Übersteigerung damit, dass er in der Zeichnung seiner Schauplätze sehr abstrakt bleibt: Die Kneipe, in der Hugo seinen letzten Kassler aß (der Wirt ist natürlich wieder einmal Dirk Dautzenberg), der Tennisplatz und die Villa der Prewalls fügen sich nie zu einem schlüssigen geografischen Gesamtbild, es sind Settings, die im luftleeren Raum schweben und die ganze Geschichte so in den Rang einer bitteren Parabel erheben, anstatt sie wirklich in Bezug zur konkreten Realität der BRD anno ’72 zu setzen. Gerade das hat mir super gefallen.

*****/*****

 

Episode 51: Fluchtwege (Wolfgang Becker, Deutschland 1972)

Gabriele Bebra (Monica Bleibtreu) flieht aus einer Erziehunganstalt. Harald Steinhoff (Joachim Ansorge) gabelt sie auf, verliebt sich in sie und lässt sie im Gartenhaus auf dem Grundstück seines wohlhabenden Vaters (Carl Lange) wohnen. Einige Zeit später findet man Gabrieles Vater (Michael Toost), einen Säufer, tot in seiner Wohnung und Gabriele taucht kurze Zeit später wieder in ihrem Heim auf. Ist sie die Mörderin? Und welche Rolle spielt ihr Bruder Gerd (Martin Semmelrogge)?

Eine dramatische Episode, angesiedelt im Spannungsfeld zwischen tristem, prekärem Kleinbürgermilieu ohne Hoffnung, geprägt von Alkohol, häuslichem Missbrauch und Erziehungsheimen, und wohlhabendem Bürgertum, das zwar mit Wohlstand, aber ohne Empathie ausgestattet ist. Die Szenen im Heim, wo Gabriele nach ihrer freiwilligen Rückkehr zur Strafe für ihre Flucht in „Isolationshaft“ in den Keller gesperrt wird, sind nicht die einzigen, die an COOL HAND LUKE und vergleichbare Knastfilme erinnern. Reinecker trägt vielleicht etwas dick auf mit der Darstellung des Bebra’schen Familienalltags und Carl Lange auf der anderen Seite ist auch nicht gerade für Ambivalenz eingestellt worden, aber Monica Bleibtreu sorgt mit ihrer zurückhaltenden Darbietung für den nötigen Realismus. So wie sich Harald spontan in sie verliebt, als sie ihre Heimschuhe auszieht und wegwirft, geht das auch dem Zuschauer. Man könnte den Rest seiner Tage damit verbringen, ihr dabei zuzuschauen, wie sie tagsüber im Bett liegt und Zigaretten raucht.

****/*****

Episode 52: Das Ende eines Humoristen (Theodor Grädler, Deutschland 1972)

Erwin Waldermann (Hanns Ernst Jäger) lebt in der Vergangenheit: Immer noch tritt er regelmäßig auf und erzählt seine 30 Jahre alten Witze, die aber nur noch das genügsamste Kneipenpublikum aus der Reserve zu locken vermögen, und träumt von den angeblich glorreichen Tagen, als er vor ausverkauften Sälen in den Kurorten Travemünde oder Baden-Baden tosenden Beifall erhielt. Als seine Tochter Ursula (Christiane Schröder) ermordet wird, die als seine Managerin fungierte, obwohl sie seine Witze furchtbar fand, bricht Waldermann zusammen …

Oh – mein – Gott. „Das Ende eines Humoristen“ muss eine der bittersten Serien- bzw. Filmerfahrungen sein, die ich machen durfte. Die Figur des jämmerlichen Kalauererzählers, der mit seiner pomadigen Darbietung wie ein Relikt aus längst vergessenen Zeiten anmutet, sich Abend für Abend selbst der Lächerlichkeit preisgibt, ohne zu merken, wie armselig seine Nummern sind, stürzt den Zuschauer in ein Wechselbad der Gefühle. Man hat Mitleid mit ihm, auf der anderen Seite mag man ihm seinen Realitätsverlust nach einiger Zeit einfach nicht mehr nachsehen. Genau darum geht es auch: Wie kann man jemanden lieben, der einen so miserablen Sinn für Humor hat? Der einfach nicht einsehen will, dass das, was er tut, schlecht, ja unerträglich ist? Der Begeisterung und Teilnahme einfordert, obwohl man sich nur noch abwenden möchte? Reinecker und Grädler geben keine Antwort darauf, und sowohl Ursula wie auch Waldermanns Untermieter Sorge (Alfred Balthoff) müssen als Musterbeispiele christlicher Nächstenliebe gelten, wie sie diesem Verblendeten die Treue halten, sich immer und immer wieder seine grausamen Witzchen anhören. Keller und Co. verstehen es natürlich nicht, als Sorge einmal, als Waldhoff das Zimmer verlässt, die Fassade des fürsorglichen Freundes fallenlässt und seinem Ekel Luft verschafft: Er sei doch Waldermanns Freund? Der Zuschauer ist da schon einen Schritt weiter und weiß, wie es in Sorge aussehen muss.

Aber natürlich reißt einen die Auflösung doch von den Füßen. So sehr man Waldermann auch zurufen möchte, er solle endlich aufhören, so wenig wünscht man ihm dieses Schicksal. Am Ende der Episode ist von ihm nichts mehr übrig. Ich hingegen werde Waldermann nie mehr vergessen.

*****/*****

Epsiode 53: Mykonos (Jürgen Goslar, Deutschland 1972)

Charlotte (Maresa Hörbiger) und Robert (Bernd Herzsprung) sind mit Drogen im Kofferraum aus Mykonos nach München gekommen, um sich ein paar Tausend Mark für das Leben auf der griechischen Insel zu verdienen. Doch Robert wird bei dem Deal ermordet. Die Spur führt Keller und seine Assistenten in die Drogenszene, in der der Dealer Manni Geckow (Ullrich Haupt) in großem Stil die Fäden zieht …

DER KOMMISSAR geht MIAMI VICE! Naja, nicht ganz, aber ein paar Parallelen kann man durchaus ziehen. Zum Beispiel, wenn Harry im engen T-Shirt und Jeans undercover im „Nirwana“ auftaucht, Fragen stellt und eine heroinsüchtige 13-Jährige mitnimmt. Oder wenn Geckow in seiner Münchener Villa zwischen lauter gut aussehenden Frauen herumscharwenzelt und am Ende ein rauschendes Fest gibt. Unterschiede kann man aber auch festmachen: Während Drogen in der amerikanischen Hitserie längst im Mainstream angekommen sind, regiert hier doch überwiegend erst Ahnungslosigkeit und dann das blanke Entsetzen. Geckow gerät in großäugige Panik, als das Geheimnis seines Wohlstands ans Licht zu kommen droht, und seine Gäste können es kaum glauben, wo sie da reingeraten sind. Goslar bringt in seinem KOMMISSAR-Debüt durchaus etwas Amerikanisches mit ein, was zum Sujet gut passt. Das Finale ist fast schon Action.

****/*****

Episode 54: Blinde Spiele (Theodor Grädler, Deutschland 1972)

Gerhard Rauda (Robert Freitag) wird erschossen in einem Boot auf dem Starnberger See treibend aufgefunden. Bei den Ermittlungen findet Keller heraus, dass der verheiratete Mann regelmäßig andere Frauen in sein Bootshaus einlud; Affären, von denen seine Gattin (Anaid Iplicjian) nicht nur wusste, sie war sogar mit seiner Geliebten Erika Kerrut (Anna von Koczian) befreundet. Und jene machte wiederum aus ihrer Affäre mit Rauda vor ihrem Gatten (Hellmut Lange) kein Geheimnis, der sich zum Ausgleich mit dem Hausmädchen (Beatrice Norden) verlustierte. Nur die beiden Kinder (Pierre Franckh und Katharina Seyfert), die sahen das alles nicht so locker wie die Erwachsenen …

Zunächst mal erstaunt die Offenherzigkeit, mit der die Themen Polygamie und offene Beziehungen hier verhandelt werden. Aber natürlich geht es Reinecker nicht darum, alternative Lebenskonzepte zu propagieren, weshalb das ungehemmte Liebesglück auch geradwegs in die Katastrophe führen muss. Selbst wenn das Motiv nicht Eifersucht ist: Es ist unzweifelhaft, dass Reinecker meint, die Raudas und Kerruts haben mit dem Mord nur die Rechnung für ihr unmoralisches Handeln erhalten. Der schöne, utopische Schein zeigt aber vorher schon Risse: Ganz so cool, wie sie tun, sind die Kerruts mit den Affären des jeweiligen Partners dann doch nicht, irgendwann kommt es zum gepfefferten Streit vor den Kriminalbeamten, die sich das selbstzufriedene Grinsen nicht ganz verkneifen können. Keller möchte man für seine dämliche Borniertheit, mit der er die Lebens- und Liebeskonzepte der beiden Paare als größenwahnsinnig und fehlgeleitet bezeichnet, bloß weil er sich nichts anderes vorstellen kann, feste vors Schienbein treten oder ihm einen Cognac in seine ledrige Spießerfresse mit den Schweinsaugen schütten.

Aber letztlich ist es ja genau dieses beständige Schwanken zwischen bilderstürmerischer Modernität und graubrauner Piefigkeit, das an DER KOMMISSAR so fasziniert, weshalb „Blinde Spiele“ natürlich auch keine ärgerliche, sondern im Gegenteil eine supertolle Episode ist.

*****/*****

Episode 55: Rudek (Charles Regnier, Deutschland 1973)

Der Geschäftsmann Doberg (Siegfried Lowitz) nimmt seinen Kollegen Rudek (Ernst Schröder) mit in das exklusive Bordell von Derrick (Sky Dumont). Dort fällt Rudek aus allen Wolken: Eine der beiden Prostituierten ist seine Tochter Ursula (Ilona Grübel). Außer sich verlässt er mit dem Mädchen die Wohnung und lässt Doberg und Heide (Hildegard Krekel) allein zurück. Am nächsten Morgen ist Derrick tot …

Reinecker nimmt mal wieder die spießbürgerliche Moral aufs Korn: Rudek nimmt zwar für sich in Anspruch, jederzeit in ein Bordell gehen und sich dort von jungen Mädchen verwöhnen lassen zu können, aber wenn es dann die eigene Tochter ist, die er da vorfindet, dann ist das natürlich doch nicht mehr so Ok. Lowitz gibt mal wieder einen seiner altväterlichen Lustmolche und haut den Kollegen im Verlauf der Episode ganz schön in die Pfanne, um sein eigenes Gewissen zu beruhigen. Klaus Schwarzkopf spielt den drückebergerischen Nachbarn Hauffe, der sich laut Ehefrau (Edda Seipel) gern bei Derrick aufhielt. Die beste Szene ist das Zwiegespräch zwischen dem angespannten Rudel und seiner Tochter, bei der die Ehefrau und Mutter sorgenvoll hinter einer Glastür warten muss, nicht wissend, was eigentlich vorgefallen ist. Regniers Inszenierung ist dunkel, betont die schattenhafte Schwärze des Mietshauses und der Wohnung Derricks. Schön.

****/*****

curd jürgens: der nachlass

Ich habe mich hier im Blog schon mehrfach als Fan, Bewunderer und Bestauner des „normannischen Kleiderschranks“ Curd Jürgens zu erkennen gegeben. Er ist für mich einfach ein Faszinosum: einer der wenigen echten deutschen Weltstars, die wir im 20. Jahrhundert hatten, ein großer Schauspieler und Entertainer, dazu ein echter Kosmopolit und einer der letzten Vertreter jener ausgestorbenen Gattung, die mit dem so nüchtern klingenden Begriff „Großbürger“ nur sehr unzureichend beschrieben sind. Mitten im Ersten Weltkrieg als Sohn eines wohlhabenden Hamburger Kaufmanns und einer französischen Mutter geboren, genoss er neben materiellem Luxus auch den einer humanistischen Bildung und erlebte den Zweiten Weltkrieg als Wiener Exilant und Theaterschauspieler, bevor es ihn zum Film verschlug. Jürgens war aber auch ein teilweise die Peinlichkeitsgrenze überschreitender Selbstdarsteller und Erotomane, wie man seiner Autobiografie „Und kein bisschen weise“ unschwer entnehmen kann, eine Eigenschaft, die auch seine Rollen immer wieder infiltrierte. Kritiker mögen nicht zu Unrecht monieren, dass Jürgens weniger andere Charaktere verkörperte, als er diese als Alter egos seiner selbst entwarf. Aber es ist ja auch diese entwaffnende Selbstentblößung noch in den banalsten Filmen – man denke nur an seine schier unglaublichen Darbietungen in Rolf Olsens St. Pauli-Filmen (etwa in KÄPT’N RAUHBEIN AUF ST. PAULI , DAS STUNDEN-HOTEL VON ST. PAULI oder AUF DER REEPERBAHN NACHTS UM HALB EINS) -, in denen er mit einer entgrenzten Inbrunst agiert, als gelte es, der Filmkunst ein unsterbliches Denkmal zu errichten. Jürgens war ein unrettbarer Sentimentalist und Romantiker, und oft genug meint man, er sei von seinem eigenen Spiel selbst am ergriffensten gewesen. Dann werden seine Augen feucht und seine Stimme wird noch ein bisschen weicher und tiefer. Dann sieht man in ihm den gütigen Onkel, in dessen kräftigen Armen man von allem Unbill der Welt sicher und geborgen ist.

Curd Jürgens hätte heute seinen 100. Geburtstag gefeiert. Zu diesem Anlass hat das Deutsche Filminstitut eine große Online-Ausstellung über Curd Jürgens ins Leben gerufen. Zahlreiche Fotos, Filmausschnitte, Tonaufnahmen und Dokumente laden zum ausgiebigen Stöbern und zur Inspiration für die weitere Beschäftigung mit dem Schauspieler ein, dessen Filme leider ein bisschen in Vergessenheit geraten sind. Ich werde in den nächsten Tagen gewiss das ein oder andere mal dort aufschlagen und meinen imaginären Filmwunschzettel um einen großzügigen Abschnitt mit Curd-Jürgens-Filmen ergänzen. Und ihr solltet das auch tun.

(Das oben verlinkte Foto stammt von Helmut Neuper.)

das stunden-hotel von st. pauli (rolf olsen, deutschland 1970)

Ein drogenabhängiger Einbrecher wird zum Polizistenmörder und versteckt sich im titelgebenden Stundenhotel, in dem sich zur selben Zeit diverse Menschen aus den unterschiedlichsten Gründen einfinden. Darunter auch ein homosexuelles Liebespaar, von dem eine Hälfte nach einem Streit unter der Dusche von einem Unbekannten  brutal niedergestochen wird. Kommissar Canisius (Curd Jürgens) wird von seinem Chef, Polizeirat Dr. Marschall (Konrad Georg), zur Aufklärung des Falls abgestellt, obwohl er doch eigentlich ganz andere Sorgen hat: Sein Sohn ist bei einer Demonstration schwer verletzt worden und ringt auf dem Operationstisch um sein Leben.

Rolf Olsens St.-Pauli-Film, der letzte, der mir zur Komplettierung noch fehlte, fällt  schon optisch aus dem Rahmen des sonst doch sehr homogenen Subgenres heraus. Überwiegend in Studiokulissen entstanden, lässt er das die Filme sonst so stark prägende Lokalkolorit weitestgehend vermissen. Auch inhaltlich weicht er von der kolportageartigen Episodenhaftigkeit ab, die Jürgen Roland, Olsen selbst und einige andere Filmemacher, die dem Kiez einen Besuch abstatteten, als kongeniale Erzählform erkannt hatten. STUNDEN-HOTEL ist ein fast klassischer Whodunit mit deutlich kammerspielartigen Zügen. In jedem Zimmer des Etablissements halten sich meist zwei potenzielle Mörder auf und ihre Geschichten decken dann auch das Spektrum ab, das der St.-Pauli-Film sonst durchmisst: Da gibt es neben den bereits genannten eine ältere verheiratete Frau mit ihrem jungen Geliebten sowie dem später hinzustoßenden gehörnten Ehemann, ein Teenagerpärchen aus Diplomatenhause, eine lüsterne Singlefrau, die dem Gestöhne aus den anderen Zimmern zuhört, eine deplatzierte Touristenfamilie, eine Frau aus wohlhabendem Hause, die sich mit ihrem Gärtner vergnügt, einen Freier im Teufelskostüm und das französische Zimmermädchen, das seinen Freund zu Besuch hat.

Im Mittelpunkt steht aber natürlich Curd Jürgens, der sich in gewohnter Manier ins Zeug schmeißt, als ginge es um sein Leben. Am Anfang stößt er heftig mit seinem Sohn zusammen, als der ihm gesteht, auf eine Demo gehen zu wollen. „Berufsmäßiges Rabaukentum“ und „Respektlosigkeit“ wirft der Kommissar ihm mit bebender Entrüstung vor, aber dabei stillschweigend anerkennend, dass seine Wertvorstellungen und seine Autorität nicht mehr länger von Bestand sind. Später taumelt er mit stahlblauen, wässrigen Augen durch die ranzige Kulisse des Stunden-Hotels, lässt sich von Putzfrau Brigitte Mira einen doppelten Cognac nach dem anderen bringen und ruft immer wieder mit zitternder Stimme im Krankenhaus an. Die Operation seines Sohnes bietet Olsen willkommenen Anlass damals sicher spektakuläres Material eine Herz-OP einzu-schmuggeln. DAS STUNDEN-HOTEL VON ST. PAULI weiß seine exploitativen Motive deutlich schlechter zu verbergen als mancher andere St.-Pauli-Film und gleitet mit jeder Minute tiefer in die Gosse. Am Ende hat Jürgens dann noch einmal eine große Szene, als er in einer Telefonzelle die Kunde erhält, dass die OP erfolgreich verlaufen, sein Sohn am Leben ist. So wie er diese Nachricht aufnimmt, mag man sich gar nicht vorstellen wie er wohl im weniger glücklichen Fall zerflossen wäre.

DAS STUNDEN-HOTEL VON ST. PAULI ist der mit einigem Abstand schmierigste Film aus Olsens St-Pauli-Oeuvre und leider wohl dem unaufhaltsamen Verfall anheimgegeben. Die letzte bekannte Kopie ist vor Scham errötet, was auf dem Rechner in Verbindung mit der Muffigkeit des Settings durchaus Charme entfaltet, für eine eventuelle DVD- oder gar blu-Ray-Veröffentlichung aber nur wenig reizvoll ist. Ich verbreite hiermit die frohe Botschaft für jene, die diesen Film noch nicht gesehen oder vielleicht sogar noch überhaupt nicht von ihm gehört haben: Man munkelt, man könne ihn im Wald unter Steinen finden. Gehet hin und schauet und huldigt dem deutschen Kinogott namens Curd Jürgens!

et dieu … créa la femme (roger vadim, frankreich/italien 1956)

Eine Überraschung: An einen Film, in dem der damals 41-jährige Curd Jürgens die knapp 20 Jahre jüngere Brigitte Bardot auf seine ihm eigene onkelhaft-schmierige Art anschmachtet, hatte ich als bekennender Großfan des „normannischen Keliderschranks“ (den Spitznamen verpasste ihm die Bardot während der Dreharbeiten) natürlich immense Erwartungen geknüpft. Dass sich ET DIEU … CRÉA LA FEMME, das Debüt des Erotikers Roger Vadim, aber nicht etwa als Altherren-Schmierenspektakel, sondern im Gegenteil als protofeministischer, mindestens aber tief humanistischer Film entpuppen würde, der sogar das ausgesprochene Wohlwollen meiner bei dieser Thematik eher strengen Gattin erntete, hatte ich eher nicht auf der Rechnung.

Vadim setzt sich in ET DIEU … CRÉA LA FEMME mit gesellschaftlichen Zwängen auseinander, damit, wie Menschen aufgrund vorherrschender Moralvorstellungen und Konventionen in ein Korsett gepresst werden, ohne dass dabei auf ihre konkrete individuelle Disposition Rücksicht genommen würde. ET DIEU … CRÉA LA FEMME leuchtet in den schönsten mediterranen Technicolor-Farben, ist von der Sonne der Côte d’Azur durchflutet, aber die Welt, die er zeichnet, die Perspektive, die er für seine Protagonistin entwirft, ist eher düster. Für die weibliche Hauptfigur ist in dieser Welt eigentlich kein Platz.

Juliette (Brigitte Bardot), eine 18-jährige Waise, lebt in einer Pflegefamilie und geht einem langweiligen Job als Zeitungsverkäuferin nach. Mehr als an diesen Verpflichtungen ist sie aber am Nachtleben interessiert und an den Männern, und sie genießt es, ihnen die Köpfe zu verdrehen. Als sich beim Jugendamt die Beschwerden über ihre „Faulheit“ und ihre unmoralischen Umtriebe häufen, droht ihr die Rückkehr in das Waisenhaus. Der wohlhabende Architekt Carradine (Curd Jürgens) weiß, wie man Juliette, auf die er selbst ein Auge geworfen und mit der er Mitleid hat, retten könnte: indem man sie heiratet. Doch bevor er selbst diesen Plan in die Tat umsetzt, kommt ihm der schüchterne Michel (Jean-Louis Trintignant) zuvor. Gegen alle Warnungen heiratet er, der linkische Sonderling ohne jede Erfahrung mit Frauen, die „unbezähmbare“ Juliette. Und die fällt irgendwann selbst auf ihr Klischee herein und lässt sich von Michels Bruder Antoine (Christian Marquand) zu Boden zerren …

Das Motiv des von Natur aus libertinär-libidinöse Katzenweibs, das die Männer reihenweise um den Verstand bringt, lässt sich sehr wahrscheinlich auf antike, mythische Figuren zurückführen (man denke etwa an die Sirenen, die Schifffahrer mit ihrer Schönheit und ihren Stimmen ins Verderben locken). Im Film bedient es als Femme Fatale in erster Linie die latent masochistische Männerfantasie, einer wilden, sexhungrigen und selbstbewussten Frau zu unterliegen, die Kontrolle zu verlieren und selbst benutzt zu werden. Auch Vadim spielt mit diesem Motiv: Brigitte Bardot verkörpert Juliette als fast überiridisches Wesen, dem das unbeirrbare Bedürfnis nach Freiheit in jede Zelle eingeschrieben ist (sie zieht sich in nahezu jeder Szene die Schuhe aus). Sie bewegt sich ohne jedes Schamempfinden, schreitet mehr als dass sie geht, jede Bewegung mit dem Ziel vollführt, ihre körperlichen Reize perfekt zum Vorschein zu bringen, aber dennoch ohne jedes Kalkül. Es ist nicht so sehr ihre sexuelle Ausstrahlung, die sie in den Augen der Leute zur „Schlampe“ macht: Es ist die Tatsache, dass sie ihre Sexualität, ihren Körper als etwas Natürliches, Selbstverständliches betrachtet, sie nicht als etwas Unanständiges versteckt. Juliette ist ein Paradiesvogel in einer Welt voller Spatzen, sie passt einfach nicht hinein und ihr Anders-Sein fordert den Neid und den Zorn ihrer Mitmenschen heraus.

Die Mittel, die die Gesellschaft anwendet, um sie einzunorden, sind typisch: Erst wird ihr mit wirtschaftlichen Konsequenzen und Freiheitsentzug gedroht. Nachdem sie mit Antoine geschlafen hat, einem ekligen Macho, der es von Anfang an nur auf ein Abenteuer mit ihr abgesehen hatte, erntet sie die Verachtung, während Antoines Verhalten zu keiner Sekunden hinterfragt wird. Juliette hat keine Chance auf eine gerechte Behandlung, sie wird immer diejenige sein, der man den schwarzen Peter zuschiebt. Wie man mit ihr umgeht, erinnert insofern durchaus etwas an inquisitorische „Beweisstrategien“. Das Individuum hinter der ach so verruchten Oberfläche findet keine Beachtung: Jeder muss sich fügen, das Miteinander ist keine Frage der Kompromisse, sondern eines der Unterwerfung unter herrschende Regeln. Nur dass diese für junge Frauen ungleich strenger sind als für Männer, deren Promiskuität gewissermaßen Kavaliersdelikt ist. Der Ausbruch aus diesem System funktioniert nur durch offene Rebellion, mit der man die endgültige Verbannung riskiert, oder durch Wohlstand, der die Freiheit erkauft. Von beidem sind Juliette und Michel am Ende weit entfernt, als sie sich noch einmal zusammenreißen und als Ehepaar ihre bescheidene Behausung beziehen.

ET DIEU … CRÉA LA FEMME hat mich sehr an Frank Wisbars wunderbaren BARBARA – WILD WIE DAS MEER von 1961 erinnert, der mich seit meiner Sichtung bei meinem ersten Hofbauer-Kongress nicht mehr losgelassen hat. Auch dort geht es um eine Frau (sie ist etwas älter als Juliette), die mit ihrem offenen Verhältnis zu Liebe und Sexualität in der sie umgebenden Spießbürgergesellschaft auf Widerstand und offene Ablehnung stößt. Vor allem die Männer kommen nicht damit klar, dass eine Frau einen eigenen Willen entwickelt, sich nicht mit der Rolle der passiven Empfängerin zufriedengibt. In den Fünfziger- und Sechzigerjahren machte man mit solchen Filmen den nächsten Schritt auf dem langen Weg der Emanzipation. Vadim wie Wisbar lassen keinen Zweifel daran, dass nicht ihre Protagonistinnen „schuld“ sind, sondern die Welt um sie herum mit ihren rigiden Moralvorstellungen, ihren Vorurteilen, ihrer geistigen Unbeweglichkeit, ihrer Missgunst. Wisbar fällt am Ende seines Films etwas hinter seine zuvor gemachten Erkenntnisse zurück, überhöht seine Titelheldin eben zur sirenengleichen Verführerin a priori. Vadim, Sohn eines russischen Adligen und Diplomaten, Intellektueller und Bohèmien, ist da fünf Jahre zuvor schon einen Schritt weiter, auch wenn er das grundsätzliche Problem seiner Protagonistin nicht lösen kann. ET DIEU … CRÉA LA FEMME ist ein wunderbarer Film, sonnengegerbt und von trockener Sommerhitze durchzogen, aber gleichzeitig entspannend und erfrischend wie eine Abkühlung bringenden Meeresbrise. Hintergründig sind die traumhaften Bildkompositionen von Armand Thirard, in denen die Charaktere oft durch Requisiten oder räumliche Gegebenheiten voneinander isoliert werden. Aber das Zentrum der Aufmerksamkeit ist natürlich seine weibliche Hauptdarstellerin: Die Bardot musste nach diesem Film ein Star werden, agiert hier mit größter Selbstverständlichkeit und entwickelt eine körperliche Präsenz, die Ausnahmetalente auszeichnet. Und natürlich sieht sie anbetungswürdig aus, ganz kurvenreiche Lusterfüllung. Curd Jürgens indessen legte hier den Grundstein für seine anschließende Weltkarriere, geht aber aus einer potenziell ultraschmierigen Rolle als Sympathieträger hervor. Wie ich zu Anfang schrieb: eine Überraschung.

the inn of the sixth happiness (mark robson, usa 1958)

Wenn es Gladys Aylward nicht wirklich gegeben hätte, Hollywood hätte sie erfinden müssen. 1902 in London in eine Arbeiterfamilie geboren, träumte sie schon früh davon, zu Missionsarbeiten nach China zu gehen. Gegen jede Vernunft und ohne echte Qualifikation für einen Posten investierte sie 1932 alle ihre Ersparnisse für ein Zugticket und begab sich auf die beschwerliche Reise quer durch Europa, Russland und Sibirien, wo sie gezwungen wurde, auszusteigen und den Rest der Strecke zu Fuß zurückzulegen. In der Provinzstadt Yangcheng im Nordosten Chinas angekommen, arbeitete sie als Gehilfin der Missionarin Jeannie Lawson, die die Herberge des Filmtitels leitete und hungrigen Wanderern nebenbei Bibelgeschichten näherbrachte. Nach dem Tod Lawsons arbeitete Aylward für die Regierung als „Fußinspektorin“ und gewährleistete in dieser Funktion, dass das Fußbindeverbot eingehalten wurde. Sie erwarb 1936 die chinesische Staatsbürgerschaft, half dabei, einen Gefängnisaufstand friedlich zu beenden, indem sie nötige Reformen einleitete, nahm zahlreiche Waisen bei sich auf und gewann so über Jahre Vertrauen, Respekt und Anerkennung der einheimischen Bevölkerung. Ihre größte Aufgabe tat sich 1938 auf, als die Japaner das Land überfielen: Hinter feindlichen Linien gefangen, führte Gladys Aylward mehr als 100 Waisenkinder quer durch unwegsames Gebirge in Sicherheit. Alan Burgess schrieb ihre Geschichte in dem 1957 erschienen Buch „The Small Woman“ nieder, das auch als Vorlage für Robsons Film diente, der nur ein Jahr später erschien.

Der Film hält sich im Wesentlichen an diese Geschichte, vereinfacht manches, baut anderes aus und erfindet natürlich eine Liebesgeschichte hinzu, ohne die ein solches Epos damals wie heute anscheinend nur schwer vorstellbar war bzw. ist. Curd Jürgens als Halbchinesen zu akzeptieren, ist schwer genug, die Liebesbeziehung, die sein Captain Lin Nan mit der schönen Gladys (Ingrid Bergman) eingeht, wirkt auch ohne das Wissen über die wahre Geschichte Aylwards, die nur ihrem Herrgott verpflichtet war, wie aufgepfropft. Gladys Aylward war angeblich erbost über den Film, der sich ihrer Ansicht nach ungebührliche Freiheiten nahm, unter anderem die, zu suggerieren, sie sei am Schluss zu einem Mann zurückgekehrt, anstatt sich weiterhin der christlichen Missionsarbeit zu widmen, wie sie es in Wirklichkeit selbstverständlich getan hatte. So sehr man Aylwards Entrüstung versteht, sie zeugt natürlich von Naivität gegenüber der Hollywood-Maschine, die bei THE INN OF THE SIXTH HAPPINESS alles in die Waagschale wirft, um den Zuschauer(inne)n den gewünschten tränenreichen Nachmittag zu bescheren. Als abgebrühter Filmseher durchschaut man alle diese Mechanismen, schmunzelt darüber, dass der ganze Film in Wales gedreht wurde, und fühlt sich angesichts des Kulturimperialismus, der alle wichtigen chinesischen Rollen mit Westlern besetzt (neben Curd Jürgens agiert Robert Donat als Mandarin Tsien Chang), durchaus ein wenig ideologisch herausgefordert. Aber was soll ich sagen: Am Schluss, als die seit Tagen überfällige Aylward mit den Kindern endlich wohlbehalten in die Stadt marschiert, von den erleichterten Menschenmassen euphorisch empfangen wird, da lief auch mir ein Tränchen über die Wange. Manchmal ist es doch einfach schön, so richtig nach Strich und Faden manipuliert zu werden. THE INN OF THE SIXTH HAPPINESS macht das ausgezeichnet und bildgewaltig, auch wenn 150 Minuten Altruismus mitunter reichlich zäh werden können.

the spy who loved me (lewis gilbert, großbritannien 1977)

Der Auftakt, die Ski-Verfolgungsjagd russischer Häscher auf den in einen strahlend gelben Skianzug gewandeten 007, ist reiner Tanz: Zum ersten Mal unterlegen Discobeats eine Bond-Actionsequenz und die Bewegungen und Fahrmanöver des Agenten sind Zeichen überbordender Freude an der Bewegung. Die unübersehbaren Rückprojektionen unterstreichen den expressionistischen Stil Gilberts und wenn sich nach sekundenlanger Stille und freiem Fall der Fallschirm mit dem Union Jack öffnet, dann ist das natürlich das Äquivalent zum befreienden, erhebenden Refrain nach dem kurzen Break. Kurzzeitig wird THE SPY WHO LOVED ME danach zum „echten“ Agentenfilm, legt seine Wurzeln bloß: Überraschend enthüllte Identitäten (Agent Triple-X ist eine Frau, kein Mann!), nachdenkliche Männer in zu Tableaus erstarrten Büros (General Gogo arbeitet gewissermaßen in einem Gemälde), Uniformen und in technokratischem Jargon abgehaltene Missionsbriefings (Bond auf einem U-Boot). Für ein paar Minuten sieht ein Bondfilm aus wie die Verfilmung eines Romans von John Le Carré oder Tom Clancy …

Das währt nicht lange. Danach verwandelt sich THE SPY WHO LOVED ME unter der Regie von Lewis Gilbert, der mit YOU ONLY LIVE TWICE bereits einen besonders schönen, magischen Bondfilm vorgelegt hatte, mehr und mehr in einen Traum, eine Fantasie, das, was alle Bondfilme im Kern sind, aber es sich nur selten zuzugeben trauen. Auf einem Kamel reitet Bond nach Ägypten und bei einer Hatz durch die farbenfroh ausgeleuchteten Cheops-Pyramiden wähnt man sich plötzlich in einem Giallo. Hätte sich Argento an einem Bondfilm versucht, es sähe ungefähr so aus. Die Bilder werden zum Spielplatz für den Agenten und der Agent für den Zuschauer zum Fremdenführer: Wenn ich schrieb, dass THE MAN WITH THE GOLDEN GUN eine erfolgreiche Übung in inhaltlicher Reduktion war, dann ist THE SPY WHO LOVED ME der Film der Reihe, in dem Handlung und Plot sich gänzlich auflösen. Wie Seifenblasen schweben die einzelnen Set Pieces völlig frei umher, von einer nicht mehr greifbaren – aber absolut zwingenden – Logik zusammengehalten und in eine fast beliebige Reihenfolge gebracht, jede für sich vollkommene Autonomie beanspruchend. In einer ägyptischen Bar wirbeln die Farben im entfesselten Tanz, wenig später sinken Bond und seine Partnerin Amarova (Barbara Bach) in einem fast schmerzhaft kitschigen, aber durch und durch magischen Nilszenario erschöpft in die gegenseitige Umarmung. Wie die zahlreichen klassischen Musikstücke, die der traumhafte Score zu umwerfendem Effekt kompiliert, folgt Gilbert einem rein emotionalen Rhythmus. THE SPY WHO LOVED ME ist nicht der Film, den man typischerweise mit „Videoclip-Ästhetik“ beschreiben würde, aber in seiner Dramaturgie ist er vor allen Dingen musikalisch: Eine entfesselte Verfolgungsjagd wird dank Qs wasserfestem Lotus Esprit von der Straße ins und unter Wasser verlegt, so wie eine musikalische Thema ihre Variation erhält.

Wenn man Kritiken zu diesem zehnten Bond liest, stößt man oft auf die Kritik, dass Curd Jürgens‘ Superschurke Carl Stromberg – der, wie weiland Ernst Stavro Blofeld in YOU ONLY LIVE TWICE, einen Atomkrieg zwischen den USA und der UdSSR provozieren und die Menschheit zu einer neuen Zukunft auf dem Meeresboden führen möchte – eine leise Enttäuschung in diesem sonst nahezu perfekten Moore-Bond sei. Im direkten Vergleich mit seinen diabolischen Kollegen mag das richtig sein, aber diese Einschätzung verleugnet auch, dass dieser Stromberg ganz und gar entrückt ist und mit Begriffen wie „gut“ und „böse“ nicht mehr adäquat beschreibbar. Es handelt sich um einen Mann, der sich völlig in seine Traumwelt geflohen hat, dabei ist, diese Realität werden zu lassen. Dass er unter Wasser lebt, ist natürlich auch eine schöne Metapher. Die Wahrnehmung verändert sich ja unter Wasser: Man bewegt sich langsamer, Geräusche werden gedämpft, die Sicht ist beeinträchtigt, Farben erhalten eine andere Qualität. Wie im Traum, der ebenfalls seine eigene Interpretation der Wirklichkeit ist, mit eigenen Sinneseindrücken und Naturgesetzen. Stromberg kämpft dafür, dass die Welt sein Traum wird – und THE SPY WHO LOVED ME zeigt, wie es ihm gelingt, sein Traumnetz über die Welt von Bond zu werfen. So gesehen ist Stromberg einer der besten Bondschurken, weil es ihm sogar gelingt, auf einer Metaebene des Films zu wirken. Und Curd Jürgens ist wunderbar, wie er da als Stromberg im bequem geschnittenen, den sich wölbenden Wohlstandsbauch nicht wirklich kaschierenden Hausanzug durch seine Traumburg stolziert, mit würdevollem Ernst über das Leben unter Wasser sinniert, als sei es das normalste von der Welt. Es ist ein bisschen schade, dass er durch einen banalen Pistolenschuss sterben muss. Man hätte es ihm gewünscht, auf den Meeresboden zu sinken, von einer tosenden Welle weggespült oder einem Wal verschlungen zu werden. Es klingt etwas makaber, aber wie toll wäre es gewesen, wenn dies Jürgens‘ letzter Film geblieben wäre? Oder wenn man den Film posthum mit Archivmaterial von ihm hätte anreichern müssen, um ihn fertigzustellen? THE SPY WHO LOVED ME ist auch ein Denkmal für ihn, diesen Träumer des Kinos.

Ästhetisch ist dieser Film makellos. Sein sinnlicher Reichtum ist nur schwer in passende Worte zu fassen, weil er sich der Ratio entzieht. Es gibt keine Themen, über die man unbedingt sprechen müsste, wenn man ihn sieht. (Natürlich war der Film seinerzeit ein weiterer Kommentar zu Aufrüstung und Kalter Krieg; eine Reaktion Bonds auf die erstmalige Erwähnung des Todes seiner Frau stellt eine Brücke zum menschlicheren Bond in ON HER MAJESTY’S SECRET SERVICE dar, ein Dialog zwischen ihm und Amarova lässt ihn die Richtigkeit seines Tuns überdenken, die er in THE MAN WITH THE GOLDEN GUN noch unhinterfragt ließ. Aber das alles sind kaum mehr als Streiflichter, Fragmente.) Vordergründig setzt der Film die Entwicklung der Reihe vom comichaft übersteigerten Eurospy-Pulp hin zur visionären Science Fiction, vom klassischen Erzählkino hin zur Pop-Art-Collage logisch fort, aber etwas ist dennoch anders. THE SPY WHO LOVED ME ist kohärenter, nicht auf seine Dramaturgie bezogen, sondern auf den sinnlichen Eindruck. Man fühlt sich, als träumte man den Film. Alles fließt, sozusagen. Bond wird vom handelnden Protagonisten zum mit allen anderen gleichberechtigten Strukturelement. Er ist fast nur noch Fläche, seine unter Moore zum Markenzeichen avancierten puns und die sich in Augenrollen und der hochgezogenen Braue entbergende Selbstironie sind auf ein absolutes Mindestmaß reduziert. Und wenn er am Schluss auf den Jetski springt, über das blaue Meer zu dieser imposanten Projektion von Strombergs Meeresfestung braust – die, noch so ein wunderschöner, das Träumerische unterstreichende Effekt, mal größer, mal kleiner aussieht –, dann hält uns die Kamera auf Distanz zu ihm, anstatt uns auf seine Seite zu ziehen. Auch der im Titel verankerte Konflikt zwischen Bond und Amarova – sie droht ihn aus Rache für den Tod ihres Geliebten nach überstandener Mission umzubringen – kann sich gegen Strombergs den Film vereinnahmende Utopie nicht behaupten. Amarovas Zorn verfliegt genauso schnell wie die Erinnerung an einen schlechten Traum bei Tageslicht. Es bleibt nur Liebe.

ohne dich wird es nacht (curd jürgens, deutschland 1956)

„Ich bin Morphinist!“ – In diesem Satz, von Jürgens weniger als kleinlautes, schuldbewusstes Geständnis denn als Selbstproklamation gesprochen, kommt OHNE DICH WIRD ES NACHT, einer von vier Kinofilmen, die Curd Jürgens zwischen 1950 und 1961 inszenierte, ganz zu sich. Es handelt sich bei dieser seiner dritten Regiearbeit um ein Drogensucht-Drama, gewissermaßen Jürgens‘ Antwort auf Billy Wilders LOST WEEKEND oder auch Otto Premingers/Frank Sinatras THE MAN WITH THE GOLDEN ARM. Wie eigentlich immer verschmilzt Jürgens‘ Persona mit seiner Rolle, dem Anwalt Dr. Robert Kessler, den die auf Versagensangst beruhende Unfähigkeit, öffentlich zu reden, in die Morphiumsucht getrieben hat. Jürgens war bekanntermaßen selbst kein Kind von Traurigkeit, genoss das Leben und seinen Reichtum in vollen Zügen und zahlte 1981, im Alter von 66 Jahren, nach zahlreichen Herzoperationen den Preis für diesen Lebenswandel mit dem Tod durch multiples Organversagen. Mit Kessler kann sich Jürgens offensichtlich sehr gut identifizieren: Süchtig zu sein – nach Alkohol, nach Liebe, nach Ruhm und Anerkennung –, war Jürgens nicht fremd, die Einsicht in sein selbstzerstörerisches Treiben war wohl ebenfalls da, der Leidensdruck aber anscheinend nicht groß genug, um ihn tatsächlich zu einer Änderung seines Lebenswandels zu bewegen. Auch Kessler weiß, wohin ihn sein Weg unweigerlich führen wird – der heruntergekommene, einst erfolgreiche Rennfahrer Charly Justin (René Deltgen), dient ihm als abschreckendes Beispiel –, doch auch das verhaltene Happy End lässt noch erhebliche Zweifel daran bestehen, ob der Anwalt seine Probleme in Zukunft auch ohne sein Morphium bewältigen können wird. Zu sehr ist er ein Kind des Milieus, ein Nacht- und Genussmensch, und zu sehr ist er in den alten Rollenklischees vom starken, autonomen Mann gefangen, um sich ernsthaft in eine Therapie zu begeben und sich dort seinen Ängsten zu stellen. Die Drogensucht, sie wird von Jürgens nicht als Krise dargestellt, die bewältigt werden muss – auch wenn der Plot des Films sie natürlich so handhabt –, sie ist vielmehr Bild für Jürgens‘ Verhältnis zum Leben, Mittel zur Selbstverklärung und -dramatisierung. Jürgens, der „normannische Kleiderschrank“ mit dem stählernen Blick und der donnernden Stimme, er ist eigentlich ein Opfer, geplagt von Selbstzweifeln, aber verdammt dazu, vor seinem Publikum den starken Mann zu spielen. „Ich bin Morphinist!“: Dieser Satz, den Kessler an seine Geliebte richtet, ist auch Jürgens‘ Gnadengesuch an sein Publikum.

Es scheint mir unmöglich, diesen Film ohne Ansicht von Jürgens‘ Persona zu betrachten. Gleich in der Titlesequenz läuft Kessler zu sentimentaler Musik mit Mantel und Hut durch die noch im Schlummer liegenden, regennassen Straßen einer Fußgängerzone und kehrt dann in seiner Stammkneipe ein, um sich sein Morphium zu kaufen. Er kennt alle Anwesenden mit Namen, bestellt gleich einen Whisky und lenkt die Aufmerksamkeit auf sich, als er die Band am Klavier begleitet. Jürgens’sches Showmanship. Dort lernt er auch Gina (Eva Bartok) kennen, die Partnerin seines Klienten Wehrmann (Ernst Schröder), und er lädt die beiden zu einem Frühstück zu sich nach Hause ein. Die junge Frau gefällt ihm, doch was ein echter Mann ist, der macht ihr nicht den Hof, sondern knallt ihr die unverblümte Wahrheit über ihr Wesen vor den Latz. Als „gold digger“ beschimpft er sie, wirft ihr vor, sich dem dicken Wehrmann doch nur des Geldes wegen an den Hals geworfen zu haben. Und er hat damit Erfolg: Noch am selben Abend trennt sich Gina von ihrem künftigen Gatten, kehrt zu Kessler zurück und heiratet ihn schließlich. Ihr kommt im Folgenden die Aufgabe zu, ihn während der Entziehungskur zu unterstützen und dann vor einem Rückfall zu bewahren. Und natürlich leidet sie unter dieser Verantwortung beinahe so sehr wie er unter dem Entzug. Eva Bartok war während der Dreharbeiten noch mit Curd Jürgens verheiratet, wenig später scheiterte auch diese seine dritte Ehe. Nach etwas mehr als einem Jahr ließen sie sich Ende 1956 scheiden, später eröffnete Jürgens der Öffentlichkeit freimütig, die gebürtige Ungarin mehrfach verdroschen zu haben. Auch das ein „Geständnis“ der Jürgens’schen Art, weniger aus Schuldbewusstsein heraus, sondern um sich selbst in einer bestimmten Form darzustellen, als Gefühlsmensch, der immer wieder von seinen Emotionen übermannt wird. Es ist eine wahre Herkulesaufgabe, im Leib von Curd Jürgens zu stecken, und wer wollte ihm verdenken, dass er vor der Herausforderung manchmal kapitulieren muss? Der Mann, der die Frauen liebt, zeigt hier zwar, dass er glaubt, ohne sie nicht leben zu können, zu schwach ist, um allein zu sein, aber die Rollenverteilung ist dennoch ganz klar. Eva Bartoks Name prangt noch über seinem auf dem Kinoplakat, doch im Film lässt ihr Jürgens kaum Luft zum Atmen. Ihre Rolle definiert sich nur über ihr Verhältnis zu ihm. Auch wenn sie es ist, die ihm Kraft spendet, so erfüllt sie damit doch nur eine Pflicht: Die Frau muss sich dem Mann opfern. Erst recht, wenn er auf den Namen Curd Jürgens hört.

OHNE DICH WIRD ES NACHT ist ein Faszinosum für mich, wie eigentlich alles, was ich von Curd Jürgens kenne. Ich finde Typen wie ihn faszinierend, wohl auch, weil man solche Stars heute nicht mehr kennt. Und man kauft Jürgens zu jeder Sekunde ab, dass er aus vollster Überzeugung handelt. Auch wenn er sich zu peinlichen Sprechgesangsnummern hinreißen ließ, er zog das immer ohne jede Form der Selbstironie durch. Eine Frage, die ich mir bis heute nicht beantworten kann: Ist Jürgens tatsächlich ein guter Schauspieler? Oder nicht doch nur eine imposante Gestalt, ein einnehmender Charakter? Man kann seine Präsenz und Wirkung auf der Leinwand nicht in Abrede stellen, jedes Bild wird sofort zur Staffage für ihn, die Kamera liebt ihn mindestens genauso sehr wie er die Kamera liebt. Aber egal welche Rolle er spielt, er bleibt dabei doch immer nur Curd Jürgens, ein etwas eitler Geck, dessen exaltiertes, salbungsvolles Spiel in seinen schlimmsten Momenten Anfälle von Fremdscham erzeugt. So weit ich als Laie das verstanden habe, versucht der klassische Method Actor seine eigene Identität aufzulösen und sich für die Dauer eines Films komplett in einen anderen zu verwandeln. Jürgens geht eher den umgekehrten Weg: Er klopft jede Rolle auf das Jürgens’sche in ihr ab. So wird die Morphiumsucht Kesslers in OHNE DICH WIRD ES NACHT massiv instrumentalisiert, trivialisiert und romantisiert. Der Absturz in die Gosse ist für den Anwalt noch in weiter Ferne, ein paar Schweißausbrüche sind die schlimmsten Begleiterscheinungen, die er zu ertragen hat. (Auf Droge ist er genau genommen sogar noch besser, kann er dann doch flammende Plädoyers vor Gericht halten und Unschuldige vor der Strafe bewahren.) Wenn man ehrlich ist, ist diese Drogenabhängigkeit ein Luxusproblem. Es gibt keine Fallhöhe in Jürgens‘ Film, nie steht wirklich etwas auf dem Spiel für Kessler. Das Schlimmste ist ein bisschen Scham. Ich fühlte mich an diese peinlichen Promoaktionen von Celebritys erinnert, die sich für zwei Wochen ins Dschungelcamp sperren lassen und dann meinen, sie wüssten, was Entbehrung sei. Als ernst gemeintes Drama ist OHNE DICH WIRD ES NACHT also ein Reinfall, aber Jürgens ist als Kessler trotzdem eine Schau. Ihn mit vor Schweiß glänzender Stirn durch seine nächtliche Wohnung tappen zu sehen, auf der Suche nach seinen geliebten Ampullen, ihm bei der wutschnaubenden Demontage seines massiven Schreibtischs zu bewundern,  ist durch nichts adäquat zu ersetzen.

käpt’n rauhbein aus st. pauli (rolf olsen, deutschland 1971)

Käpt’n Markus Jolly (Curd Jürgens) läuft mit seinem Schiff in Hamburg ein und kann es kaum erwarten, zu seiner Ehefrau zu kommen. „Seit vier Jahren verheiratet und nur fünf Monate zu Hause“, erklärt er seinem Bootsmann Oliver Kniehase (Heinz Reincke), und der Zuschauer ahnt schon, was bevorsteht. Tage vor dem eigentlich angekündigten Termin seiner Heimkehr eintreffend, findet er seine Frau mit einem anderen im Bett und packt enttäuscht schmollend seine Tasche. Hier hält ihn nichts mehr, schon gar nicht die um Verständnis bettelnde Gattin, die nach einem kleinen Schubser durchs Treppengeländer kracht und mehrere Stockwerke in die Tiefe und den Tod stürzt. Das Gericht spricht ihn schnell von jeder Schuld frei und so steht einer neuerlichen Schifffahrt nichts mehr im Wege. Doch in der Bananenrepublik, in die der Käpt’n – totschick im siffigen Unterhemd, mit Schnauzbart und speckigem Halstuch – Medikamente und Alkohol bringt, spielt ihm die örtliche, korrupte Polizei übel mit, will den Schnaps nicht bezahlen und ihn sich stattdessen selbst unter den Nagel reißen. Nicht mit Jolly, der den Fusel kurzerhand über Bord wirft oder ihn direkt in die Mäuler der gierig wartenden Bevölkerung kippt. Unterdessen wird Kniehase, der die Lieferung der Medikamente besorgen soll, unbemerkt ausgeraubt, am Ziel findet man nur noch leere Kisten vor und hält ihn und Jolly daraufhin für Betrüger. Nach einer Keilerei geht es ins Kittchen, wo die brave Dr. Karin Andersen (Johanna von Koczian) vom Deutschen Roten Kreuz die angematschte Birne von Kniehase verarztet. Wenig später wird sie mit fünf feschen Kolleginnen vom bösen Bandenhauptmann Rodrigo (Sieghardt Rupp) gefangen genommen, da ist Jolly und seinem Bootsmann aber schon längst die Flucht gelungen. Aber was nun? Mit ihrem Schiff können sie nicht weg, das wird überwacht. Bleibt nur Jollys alter Kumpel Nico (Herbert Fleischmann): Der hat eine schmierige Pinte im Städtchen, komplett mit einer rassigen schwarzen Bedienung („Die knackigsten Arschbacken von Buenos Aires bis Alaska!“, grölt Jolly enthemmt), wo die beiden Unterschlupf finden. Der Plan: Jolly soll sich einem reichen Geldsack als Stewart für seine Luxusjacht andienen, Kniehase in Obstkisten in die nächste Hafenstadt gebracht werden, wo sie dann auf ihr wartendes Schiff aufsteigen können. Gesagt, getan. Im Folgenden benimmt sich der ungehobelte Jolly bei den feinen Pinkels (u. a. Fritz Tillmann und Elisabeth Flickenschildt) wie die Axt im Walde, panscht hochprozentige Cocktails zusammen, die den Anwesenden die Schuhe ausziehen, serviert Hummer mit den Händen und fällt auch sonst mit ausgesucht schlechten Manieren auf. Als er einer jungen Frau todesmutig eine schwarze Tarantel vom Bauch klaubt und so den Tag rettet, erkennen die Bonzen jedoch, dass der Prolet ein gutes Herz hat, und tun dem Käpt’n den Gefallen, vor Anker zu gehen, um die Rotkreuz-Damen aus der Gewalt der Bösewichte zu befreien. Freund Nico entpuppt sich als eigentlicher Bandenchef, es macht krachbummpeng, die Mädels sind frei, die Schurken tot und Käpt’n Jolly kann mit seinem Schiff wieder in See stechen. Ende.

Rolf Olsens letzter St.-Pauli- und Curd-Jürgens-Film war bereits auf Video geschnitten und ist auch heute leider nur in einer wahrscheinlich um rund 15 Minuten gekürzten Fassung erhältlich, die dem Zuschauer unter anderem den Tod Nicos vorenthält. Glaubt man der OFDb, lief KÄPT’N RAUHBEIN AUS ST. PAULI angeblich einmal ungeschnitten – oder zumindest in einer längeren Version – auf Premiere, sodass noch eine Resthoffnung besteht, dass man ihn doch noch einmal in voller Pracht zu Gesicht bekommen wird. Für den Anfang ist die DVD aber vollkommen akzeptabel, zumindest, wenn man bereit ist, auf jeglichen Digitalglanz zu verzichten und mit einem besseren Videobild Vorlieb zu nehmen. Der Film ist es ohne Frage wert, ich habe mir 75 Minuten lang ins Fäustchen gelacht, ob des Seemannsgarns, das Olsen hier mit gewohntem Sinn für schwungvollen Schwachsinn auftischt, und Jürgens‘ wieder einmal ekstatischer Glanzleistung. Von Beginn an, wenn er angesichts des Anblicks seiner Frau mit einem anderen Mann eine Flunsch zieht wie ein enttäuschter kleiner Junge, er gegenüber den mittelamerikanischen Polizisten den dicken Larry markiert, in Nicos Bierschwemme im Vollsuff ein Ständchen hält, auf der Luxusjacht seine innere Wildsau kanalisiert oder natürlich überall, wo er hinkommt, Herzen bricht oder Ehrfurcht hervorruft, ist klar, dass er sich an Bord von Olsens Film pudelwohl gefühlt hat. Nicht nur in seiner Statur und der unübersehbaren Selbstüberzeugung, auch in der Art, wie er sich selbst inszeniert, wie alle Olsen-Filme daran stricken, ihren Hauptdarsteller als einen mit allen Abwassern gewaschenen Pfundskerl zu etablieren, erinnert Curd Jürgens mich an Steven Seagal. Auch bei dem fließen Film- und echte Persona untrennbar ineinander, ist der Körperumfang ähnlich respekteinflößend, gibt es immer wieder Nebenfiguren, die in ihren Dialogen betonen, was für ein toller Hecht er ist, fühlen sich vor allem jüngere Frauen zu ihm hingezogen, ist er mit seiner Weisheit in der Lage, auch den größten Unhold auf den rechten Pfad zu führen und Menschen der unterschiedlichsten Gesellschaftsschichten auf seine Seite zu ziehen. Was Jürgens indes natürlich vom amerikanischen Kampfklops unterscheidet, ist der hedonistische Lebenswandel, dessen Folgen sich in KÄPT’N RAUHBEIN AUS ST. PAULI überdeutlich abzeichnen. Die wässrigen Augen quillen mitunter bedrohlich weit aus dem Schädel, die Plauze ist beachtlich angeschwollen, während die Arme auffallend untrainiert sind. Mancher schauspielerischer Wurf lässt vermuten, dass auch am Set ordentlich gelitert wurde und man spürt, wie wohl sich Jürgens vor allem in Nicos Kneipe zwischen den exotischen Weibern fühlt.

Aber Olsens Film geizt auch sonst nicht mit Schauwerten. Herausragend sicherlich der Auftritt der fettleibigen Killertarantel, die tricktechnisch ähnlich überzeugend realisiert wurde wie die gefräßigen Spinnen in Fulcis L’ALDILA. Träge vor sich hin wabbelnd, hockt sie auf dem Bauch einer vor Angst regungslosen Schönheit. Jürgens lässt sich von der Absurdität dieses Anblicks jedoch nicht beirren: Wie ein Panther schleicht er sich an, die Augen geweitet, jederzeit auf den Angriff des Spinnentieres gefasst und bereit, sich mit einem Hechtsprung aus der unmittelbaren Gefahrenzone zu befördern. Todesmutig überzeugt er das Biest davon, auf seinen Arm zu klettern und trägt es dann gaaaaanz langsam und vorsichtig zur Reling, wo er sie den Fluten überantwortet. Suspense vom Feinsten, Hitchcock eat your heart out! Die finale Ballerei kann da nicht ganz mithalten, beinhaltet aber immerhin einen Satz des normannischen Kleiderschranks aus einem explodierenden Jeep sowie einen Säurewurf in Sieghardt Rupps Ganovenfresse. Am Ende kann Käpt’n Jolly gar nicht schnell genug den Anker lichten und lässt sogar die ihm hinterherrennenden Weiber zurück. Winkend und rufend stehen sie am Kai, frohlockend, dass sie die Bekanntschaft mit diesem Bär von einem Mann machen durften. Mir ging es da gestern kaum anders.

auf der reeperbahn nachts um halb eins (rolf olsen, deutschland 1969)

Nachdem er acht Jahre zu Unrecht wegen Totschlags seiner Geliebten eingesessen hat, wird Hannes Teversen (Curd Jürgens) aus der Haft entlassen. Draußen muss sich der ehemalige Kapitän und Reedereibesitzer erst einmal wieder zurechtfinden. Seinen Beruf kann er wegen seiner Vorstrafe nicht mehr ausüben, das Geld ist knapp, seine einstige Heimat St. Pauli hat sich schwer verändert: Jugendliche Rockerbanden überziehen die Stadt mit einer Serie von Einbruchsdiebstählen und brutalen Raubüberfällen, Schlägertrupps erpressen arglose Geschäftsmänner zur Schutzgeldzahlung. Bei seinem alten Freund Pitter (Heinz Reincke) und dessen Schwester Martha (Heidi Kabel) findet Hannes Unterkunft. Pitter betreibt ein marodes Hippodrom und wird ebenfalls von den Schlägern bedroht, seine Tochter Antje (Jutta D’Arcy) ist mit dem jungen Bäcker Karl (Klaus-Hagen Latwesen) liiert, der jedoch auf die schiefe Bahn und in den Dunstkreis der Rockerbande gerät. Bei Hannes reift der Entschluss, gegen die Leute vorzugehen, die ihn einst durch Falschaussagen in den Knast brachten: Lauritz (Fritz Tillmann), sein einstiger Geschäftspartner und außerdem Ehemann der Toten, sowie einige weitere alte Kollegen, die, wie Hannes bald herausfindet, sowohl hinter den Schutzgelderpressungen als auch hinter den Überfällen stecken …

Olsen verleiht der Neuverfilmung des Hans-Albers-Klassikers von 1954 einen der damaligen Mode entsprechenden, deutlich exploitativeren Anstrich, mit Rockern, Drogenhandel, Mord und Totschlag sowie einer dezenten Prise Erotik. Wer seinen ein Jahr zuvor gestarteten St.-Pauli-Zyklus kennt – die anderen Titel lauten DER ARZT VON ST. PAULI, DAS STUNDENHOTEL VON ST. PAULI, DER PFARRER VON ST. PAULI sowie KÄPT’N RAUHBEIN AUS ST. PAULI –, der weiß, was er hier erwarten darf und wird kaum enttäuscht werden. Im Zentrum von AUF DER REEPERBAHN NACHTS UM HALB EINS steht „der normannische Kleiderschrank“ Curd Jürgens, um den das restliche Personal samt dazugehöriger Subplots kreist wie kleine Planeten um die Sonne oder die Kinderlein um die dicke Mama. Der immense Reiz von Olsens St.-Pauli-Filmen entspringt der Verbindung dieser beiden Elemente: Auf der einen Seite die kolportagehaften Geschichtchen um kleine und große Gauner, ehrliche kleine Leute und schöne Mädchen, von Olsen schwungvoll inszeniert und mit der Verve und dem Anspruch eines Groschenromans erzählt, auf der anderen der große Curd Jürgens, der seine Rollen mit dem ihm eigenen heiligen Ernst und der völligen Unfähigkeit zur Mäßigung oder ironischen Selbstdistanz interpretiert, ganz so, als seien diese Filme sein persönliches Vermächtnis für die Nachwelt. Über allem leuchtet die Hafenkulisse St. Paulis und natürlich der Reeperbahn mit ihren unzähligen Versuchungen, verleiht den Filmen ihr unnachahmliches Lokalkolorit und ihre lebendige Atmosphäre. Das ist bestes bundesdeutsches Entertainment, saft- und kraftvoll, das die ganze emotionale Palette abdeckt, große Bilder und Charaktere aufbietet und die Herzen von Zeitgenossen wie Zu-spät-Geborenen gleichermaßen mit bleischwerer Nostalgie erfüllt.

Aber ich komme nicht drum herum, AUF DER REEPERBAHN NACHTS UM HALB EINS wäre ohne seinen Star nur die Hälfte wert, ohne Olsens Leistung damit schmälern zu wollen. Jürgens war ein absoluter Superstar, einer der wenigen deutschen Weltstars und brachte neben seiner unbestreitbaren körperlichen Präsenz und seinem Schauspieltalent eben auch eine überbordende Persönlichkeit mit, die von seinen Rollen nicht zu trennen war. Sein wahrscheinlich sowieso schon nicht gerade kleines Ego wurde durch seine Erfolge noch weiter aufgeblasen und damit wuchs auch sein Mitteilungsbedürfnis: Jürgens versuchte sich als Sänger und Schriftsteller und entwickelte als Schauspieler die Angewohnheit, stets 120 % zu geben, auch wenn 80 % gereicht hätten. Dieser Übermut spiegelte sich auch in seinem Lebenswandel: Jürgens pflegte seinen Ruf als Lebemann, der schönen Frauen genauso wenig widerstehen konnte wie einem guten Schlückchen und anderen weltlichen Genüssen. Laut Wikipedia antwortete er auf die Frage, wie viele Flaschen Whiskey er trinke: „Ich glaube, das ist höchstens eine am Tag.“ Ich meine, in dieser Antwort steckt auch etwas von dem, was sein Spiel für mich so faszinierend macht: Ich sehe darin eine Art kindlicher Unbedarftheit und Naivität, die Abwesenheit jeglichen Kalküls oder auch nur des Bewusstseins für äußere Realitäten. Er bezahlte diese Unbedarftheit mit seiner Gesundheit – seiner ersten Herzoperation 1967 folgten bis zu seinem Tod an Multiorganversagen 1982 im Alter von nicht ganz 67 Jahren etliche weitere –, hatte ihr aber eben auch die Befähigung zu verdanken, Filme wie AUF DER REEPERBAHN NACHTS UM HALB EINS mit einem commitment anzugehen, als spiele er um das Bundesverdienstkreuz: Sein stahlblauer Blick schweift immer wieder pathetisch in die Ferne, es gefällt ihm, seinen tiefen Bariton anheben und schwellen zu lassen, ihn dann wieder zu einem introvertiert-nachdenklichen Säuseln zu schrumpfen, und manchmal erwartet man, dass er anfängt, seine Dialogzeilen zu singen. Dann wieder scheint er völlig abgekapselt vom Film um ihn herum, starrt aus regungsloser Miene ins Nichts, als habe der Weltschmerz Teversens Besitz von ihm ergriffen, als habe er vergessen, dass er Jürgens und eben nicht Teversen ist. Das Parallelwelt-St.-Pauli, das Olsen zeichnet, diesen Ort, an dem (fast) alle Menschen ehrliche Häute sind, bedacht darauf, mit einem Lachen durch den Tag zu kommen, und wo es nichts Schöneres gibt, als sich mit einem echten Kameraden Bier und Rum auf die Leber zu gießen und sich in einer zünftigen Keilerei seiner Kraft zu versichern, nimmt Jürgens für bare Münze und verkauft es dem Zuschauer als Realität. Und in der sich anbahnenden Liebe zu der gerade 20-Jährigen Antje, die sich später als seine Tochter herausstellt, entwickelt er eine Überzeugungskraft, die erahnen lässt, welche raubtierhaften Qualitäten Jürgens im echten Leben bei den Frauen entwickelt haben könnte. Es ist schon mehr als nur ein bisschen unheimlich, wie er seinen ganzen priesterlich-onkelhaften Charme aufbietet, um das Mädchen langsam mürbe zu machen, den sabbernden Lustgreis hinter der  “ Miene eines antizölibatären Kardinals“ versteckt. Sehr schön auch, wie er Teversen einmal behaupten lässt, er sei „fast mehr als doppelt so alt wie Antje“: Eine Zeile, mit der der 54-jährige Jürgens seine Eitelkeit pflegte und sich schlappe 14 Jahre jünger machte als er tatsächlich war. (Und überhaupt: Wie bizarr ist diese Satzkonstruktion „fast mehr als doppelt so alt“ eigentlich? Darin entbirgt sich die ganze Schizophrenie von Jürgens, der auf der einen Seite eine gewisse Altersweisheit und Väterlichkeit pflegte, das dafür erforderliche Alter dann aber doch nicht so recht eingestehen wollte.)

Den absoluten Gipfel des Jürgens’schen Sleaze erreicht der Film aber  nach ca. zwei Dritteln der Laufzeit, in einer unbeschreiblichen Montage-Sequenz, in der sich AUF DER REEPERBAHN NACHTS UM HALB EINS in den Olymp der deutschen Psychotronik hineinhalluziniert. Teversen und Pitter beschließen, mal so richtig einen draufzumachen, weil es bekanntlich nichts Schöneres gibt, als sich einmal die Reeperbahn rauf- und wieder runterzusaufen. Untermalt von ihrem zunehmend unkontrollierter und ekstatischer werdenden Gesang (beide intonieren sowohl „Auf der Reeperbahn nachts um halb eins“ als auch „Eine Nacht in St. Pauli“) ziehen sie in videoclipartiger (und damit gewissermaßen authentifizierender) Inszenierung durch verschiedene Etablissements, die anwesenden Gäste mit ihrer entfesselten Laune unweigerlich mitreißend – ob diese nun wollen oder nicht. Letzteres scheint vor allem auf die beiden jungen Mädchen zuzutreffen, die sich in den Armen der beiden Männer wiederfinden und die Jürgens wahrscheinlich selbst handverlesen hat. Während ihm die blutunterlaufenen, wässrigen Augen fast aus den Höhlen treten, er völlig selbstvergessen in den Raum grölt und sie nicht aus seinen starken Armen lässt, schauen die beiden Mädels sichtlich beunruhigt, so als fragten sie sich, in was für eine Nummer sie denn nun hineingeraten sind. Man kann sich angesichts der Bilder sehr gut vorstellen, wie Jürgens bei den Dreharbeiten die Pferde komplett durchgegangen sind und er, vom Alkohol und der St.-Pauli-Verbundenheit noch zusätzlich angeheizt, die wenigen noch verbliebenen Hemmungen gänzlich fallen ließ. Wenn er zum Höhepunkt der entfesselten Sequenz die Bühne erklimmt, eine Trompete ergreift, in den Song einstimmt und dabei einen hochroten Kopf bekommt, macht man sich wirklich Sorgen, dass ihm gleich ein wichtiges Gefäß platzen könnte. Selten habe ich einen großen Schauspieler so dermaßen die Kontrolle verlieren sehen – und das wohlgemerkt vor der Kamera! Es ist diese Szene, die aus einem schönen Film ein Monument macht.