Mit ‘Dennis Farina’ getaggte Beiträge

Es dauerte es gut 15 Jahre, bis Michael Mann endlich als großer zeitgenössischer Filmemacher erkannt wurde. Dabei war HEAT zum Zeitpunkt seines Erscheinens eigentlich als eine Art Rekapitulation zu sehen und für Cinephile, die sich mit dem Mann schon vorher auseinandergesetzt hatten, kaum eine Überraschung: Rückblickend erinnert sein bis dato wahrscheinlich größter Hit ein wenig an John Woos LASHOU SHENTAN, das Best-of-Abschiedgeschenk das der Action-Virtuose seinem heimischen Publikum machte, bevor er sich nach Amerika absetzte. Nicht nur, dass HEAT ein großbudgetiertes Remake von Manns eigenem Fernsehfilm L.A. TAKEDOWN war, auch sonst war er voller Elemente aus seinen früheren Filmen, die er hier mit den Mitteln eines Hollywood-Blockbusters und großer Starpower revitalisierte. Wirklich Neues fügte HEAT dem bisherigen Schaffen Manns nicht hinzu: Schon in seinem ersten großen Spielfilm, THIEF von 1981, war all das da, wofür man HEAT lobte: die Neo-Noir-Ästhetik, die Melancholie, das „Schwertkämpferethos“ der professionals, ob diese nun cops oder robbers waren, die Verdichtung eines Lebens auf schicksalhafte Augenblicke, in denen sich plötzlich alles verändert. Und dann war da ja noch MANHUNTER, das andere große Eighties-Masterpiece von Mann, ein Film, der seinerseits ein gutes Jahrzehnt reifen musste, bevor seine einsame Klasse erkannt wurde.

MANHUNTER basiert auf Thomas Harris‘ 1981 erschienenem Bestseller „Red Dragon“, mit dem der US-Autor der Welt die Figur des genialen kannibalistischen Serienmörders Hannibal Lecter schenkte, der dann zehn Jahre später dank Anthony Hopkins Darstellung in Jonathan Demmes SILENCE OF THE LAMBS, der Verfilmung der gleichnamigen Romanfortsetzung, zur popkulturellen Ikone wurde. Es war dieser bahnbrechende Erfolg, der auch Manns MANHUNTER neue Aufmerksamkeit brachte, einem nahezu vergessenen Film, der zum Zeitpunkt seines Erscheinens auf sehr durchwachsene Kritiker- wie Publikumsreaktionen gestoßen war. Sowohl Manns kühler visuelle Stil als auch die Wahl des Hauptdarstellers stießen auf Missfallen, trugen ihm den Vorwurf des „style over substance“ und der Prätention ein. Der Film floppte, auch auf internationaler Ebene. Heute muss man konstatieren, dass MANHUNTER nicht nur mit seiner Darstellung des profiling, wie es Jahre später in Fernsehserien wie CSI populär wurde, seiner Zeit weit voraus war: Der Film widmet sich seiner Thematik, der Spiegelung von Ermittler und Killer, mit großer, beunruhigender Sensibilität. Es sind dann auch keine großen Action-Set-Pieces, die den Betrachter in den Bann schlagen, sondern diese Augenblicke, in denen der Profiler Graham und seine Nemesis, der Serienkiller Dollarhyde (bzw. Lecter) miteinander verschmelzen, sowie die ungewöhnliche Darstellung der Mörder durch Brian Cox und Tom Noonan. Mir gefällt er besser als Demmes viel gepriesener Klassiker, der mir immer etwas zu perfekt erscheint. Vieles bleibt ungesagt und ungreifbar, schwelt und brodelt unter der Oberfläche: SILENCE OF THE LAMBS ist zwar auch eher als unterkühlt zu bezeichnen, aber er zeigt eine gewisse Freude am Makabren, ist insgesamt grafischer und stilistisch näher am Horrorfilm als Manns MANHUNTER, der ja von ausgesucht geschliffener Artifizialität ist. Ich liebe ihn – glücklicherweise immer noch, wie ich bei dieser ersten Sichtung nach vielen Jahren bemerken durfte.

MANHUNTER ist ein Film voller Spiegelungen und begehrender Blicke: Es werden ständig Fotos gemacht, Bilder und Videoaufzeichnungen angeschaut, Gemälde betrachtet, Texte interpretiert, Träume entschlüsselt – und schließlich Scheiben zerschlagen. Da ist der „Rote Drache“ Francis Dollarhyde (Tom Noonan), ein Serienmörder, der töten muss, weil er die Bewunderung seiner Opfer will. Er tötet sie, drapiert sie in bizarren Tableaus als sein Publikum, nachdem er sie zuvor tagelang ausspioniert. Graham – ein Profiler, der bei der Jagd nach dem gefährlichen Mörder Hannibal Lecktor (Brian Cox) (er schreibt sich hier wirklich so) fast den Verstand verlor – muss sein mentaler „Zuschauer“ werden, sich dem Killer gedanklich erneut so weit annähern, dass er mit ihm nahezu identisch wird, ohne seine eigene Persönlichkeit ganz zu verlieren. Er umkreist die Tatorte wie sein Rivale, begibt sich in seine Gedankenwelt und findet so schließlich seine Spuren, die es ihm ermöglichen, ihn zu verstehen, seine weiteren Schritte zu antizipieren. Die Szenen, in denen Graham Eingang in den Kopf des Killers findet, seine Vorstellungswelt „aufschließt“, inszeniert Mann nicht nur als triumphale intellektuelle Augenblicke, sondern als beinahe transzendental. Graham, ein grüblerischer, stiller Typ, wächst in diesen Szenen über sich hinaus. Dass dieses Über-sich-hinaus-Wachsen damit einhergeht, dass er in einen geisteskranken Killer „hineinwächst“, birgt das Drama und das verstörende Element des Films. Der Spiegelcharakter von Betrachter und Betrachtetem zeigt sich auch in der verblüffenden Symmetrie von Schuss und Gegenschuss in den Gesprächen zwischen Graham und Lecktor, in der Tatsache, dass Graham und seine Familie dem bevorzugten Opferprofil Dollarhydes nahezu idealtypisch entsprechen, sowie in der Gestalt der blinden Reba (Joan Allen), in die der Killer sich verliebt und die Grahams Gattin Molly Kim Greist) stark ähnelt. Von den Spiegelungen und Blicken ist es nur noch ein kurzer Schritt zur Kunst: Die Taten Dollarhydes sind Performances, er wird nicht von Lust übermannt, sondern zeichnet sich durch eine artistische Vision, akribische Planung und totale Kontrolle in der Ausführung aus: So betrachtet wird Graham sein Student, er muss die Werke des Schöpfers interpretieren, um dem Menschen hinter ihnen auf die Schliche zu kommen. Dazu passt es, dass das Gebäude, in dem er den inhaftierten Lecktor besucht, weil er sich von ihm wichtige Anregungen erhofft, in Wahrheit das High Museum of Art in Atlanta ist, und Grahams Wohnhaus dem Künstler Richard Rauschenberg gehört.

In dieser Hinsicht interessant und unbedingt erwähnenswert scheint mir auch die Tatsache, dass Mann sich im selben Jahr ein weiteres Mal mit der Beziehung von Profiler und Killer auseinandersetzte und das mit verblüffend ähnlichen Mitteln: Nur wenige Woche nach dem Kinostart von MANHUNTER wurde „Shadow in the Dark“ im Fernsehen ausgestrahlt, die insgesamt 50. Episode der von Mann produzierten Erfolgsserie MIAMI VICE. In der Folge werden Crockett (Don Johnson) und Tubbs (Philip Michael Thomas) herangezogen, um einen home invader zu stellen. Der Mann pflegt in große, mit Glasfronten ausgestattete Häuser einzudringen, dort bizarre Wandgemälde zu hinterlassen, sich am Kühlschrank zu bedienen und Hosen zu stehlen. Niemand weiß, wie der Mann aussieht, noch, was er tun wird, wenn eines seiner Opfer aufwacht. Gilmore (Jack Thibeau), der eigentlich ermittelnden Polizist, ist bei dem Versuch, die Denkweise desTäters zu ergründen, wahnsinnig geworden. Nun ist es an Crockett, dem Mann auf die Schliche zu kommen, bevor er zum Mörder wird: Die Dramaturgie seiner Einbrüche legt nahe, dass dies nur noch eine Frage der Zeit ist. Auch wenn „Shadow in the Dark“ den Konventionen einer Serienepisode verpflichtet bleibt und weder die Tiefe noch die ästhetische Klasse von MANHUNTER erreicht, lohnt sich ein direkter Vergleich.

 

 

 

 

 

Street_crimesNach seiner Co-Regie bei FINAL IMPACT ist STREET CRIMES Stephen Smokes zweiter und – auch insgesamt – letzter Film. Er bringt Michael Worth mit, der ebenfalls mit FINAL IMPACT sein Debüt gefeiert hatte, und zaubert als Clou Dennis Farina aus dem Hut, den man aus Nebenrollen (meist als Cop oder Mafiosi) in zahlreichen größeren Produktionen – z. B. THIEF, CUSACK, MANHUNTER, MIDNIGHT RUN, ANOTHER STAKEOUT, ROMEO IS BLEEDING, GET SHORTY oder OUT OF SIGHT – und als Star der von Michael Mann produzierten Serie CRIME STORY kennt. Der Charakterdarsteller mit dem markanten New Yorker Akzent verleiht STREET CRIMES dann auch einen ordentlichen Qualitätsschub. Figuren und Handlung sind klischiert bis ins Mark, Smoke zeigt erneut einen Hang zum seifenoperesken Drama und entwickelt keinen richtigen „Zugriff“ auf seine Geschichte, aber diese eigenwillige Mischung aus Copdrama, Streetgang- und Kickboxfilm hat mich dann doch bis zum Ende bei der Stange gehalten.

Michael Worth ist Tony, ein junger, unerfahrener Cop mit streitbarem Klamottengeschmack (Lieblingsstück: eine wie eine Jogginghose geschnittene Stonewashed-Jeans mit Gummizug, aber manchmal trägt er auch schwarze Hosenträger zu ockerfarbenen Plusterhemden), der den Spott seiner Kollegen erntet, als das Autohaus, in dem er den Kauf eines neuen Wagens erwägt, überfallen wird und der Täter mit Tonys Wunschauto entkommt, weil der statt der Waffe lieber seine Kickboxkünste einsetzt. Nur der erfahrene Brian (Dennis Farina) nimmt sich des Jungen an und ihn vor den Kollegen in Schutz. Es entwickelt sich eine enge Freundschaft zwischen den beiden, in deren Verlauf Tony auch Susan (Patricia Zehentmayer), die blinde, herzensgute Tochter des verwitweten Veterans kennen und lieben lernt. Das gefällt dem Papa nur bedingt, denn die Prinzessin soll ja etwas besseres bekommen als einen Bullen, der womöglich eines Tages mit einer Kugel im Kopf endet. Außerdem sind ihm Tonys ständige Mahnungen wegen seines ungesunden Lebenswandels zuwider: Tony ist ein Gesundheitsfanatiker und Brian vermutet – natürlich zu Recht –, dass sich dahinter schwere Komplexe verbergen. Der Hauptplot, wenn man ihn denn so nennen will, denn Smoke lässt alles relativ gleichberechtigt nebeneinander stehen, kreist aber um eine Reihe von Kickboxfights zwischen Cops und Gangmitgliedern, die Tony eines Tages eher unabsichtlich initiiert und damit einen Waffenstillstand auf den einst so gefährlichen Straßen schafft. In den sportlichen Auseinandersetzungen lernen sich Kriminelle und Cops als „Seelenverwandte“ kennen und respektieren. Eine wunderschöne Vision, geprägt vom amerikanischen Sportsgeist und dem Wissen, dass nichts so sehr verbindet, wie eine zünftige Keilerei. Es könnte alles gut sein, doch der neue Frieden auf den Straßen ist dem Kingpin Gerardo (James T. Morris) ein Dorn im Auge. Niemand will mehr seine Drogen verhökern oder sich prostituieren, also gilt es, dem albernen Treiben ein Ende zu setzen. Er killt den kriminellen Asiaten Jimmy (Ron Yuan), mit dem Tony den neuen Trend losgetreten hatte, entführt Susan und beschwört so den Zorn der Cops und der Stadtbewohner herauf, die Tony am Ende symbolträchtig beim Marsch auf das Jugendzentrum, wo der Finalkampf zwischen den beiden Rivalen stattfinden soll, begleiten.

STREET CRIMES scheint von den damals reüssierenden Hood-Filmen – und möglicherweise auch von den L.A. Riots, die wenige Monate vor Erscheinen des Films ausgebrochen waren – inspiriert. Kameramann Richard Pepin fängt immer wieder ausladende Murals oder Graffitis ein, Karo-Flanellhemden sind unter den hispanischen Nebendarstellern de rigueur, es gibt eine Szene, in der Tony einem kleinen Mädchen Crack abnimmt, und es dann mit Schmackes gegen eine Wand wirft (das Crack, nicht das Mädchen), und eine andere, in der der Cop Flannigan (Max Gail) einer Gruppe von gelangweilten Gangmitgliedern während eines Kurses eine Karriere als Cops nahelegen möchte. Das ganze endet im Streit, weil das von Flannigan genannte Jahresgehalt angeblich dem entspricht, was ein Crackdealer im Monat verdient. Das hitzige Wortgefecht wird von Tony und Brian nur mit amüsiertem Schmunzeln betrachtet. Während Filme wie COLORS, BOYZ N THE HOOD, MENACE II SOCIETY oder auch BLOOD IN BLOOD OUT ungefähr zur selben Zeit eine finstere Zukunftsvision von in kriegsähnlichen Zuständen versinkenden Innenstädten zeichneten, geht STREET CRIMES geradezu entspannt damit um. L. A. wird zum Dorf, auf dessen Straßen die Menschen sich kabbeln, aber im Grunde müssten alle nur mal miteinander reden (oder sich im Ring die Fresse polieren), um zu erkennen, dass sie alle aus demselben Holz geschnitzt sind. Tony und Brian sind dann auch eher Sozialarbeiter als Kriminalbeamte und sie freuen sich ehrlich, wenn ein Gangmitglied ihnen sagt, dass sie für Cops eigentlich ganz OK sind.

Diese Art von mit Actionversatzstücken für den Videomarkt aufgepeppten Dramen verschwand bald gänzlich aus der Produktpalette von PM Entertainment, was durchaus ein bisschen schade ist. Es macht Freude, zu sehen, wie sich PM an einem „ernsten“ Thema versuchen, es dabei aber mit der gleichen Spontaneität und Naivität behandeln wie ihre reinen Actionvehikel. STREET CRIMES raubt gewiss niemandem dem Atem, aber er ist kurzweilig, sieht gut aus und bietet Attraktionen in schneller Folge. Eine Rezension auf der IMDb leiert die üblichen „so bad it’s good“- und „unintentional humor“-Phrasen herunter: Sicherlich ist der Film ein bisschen albern und unbeholfen, aber eigentlich habe ich ihn als sehr heartfelt und ehrlich empfunden.

In MIDNIGHT RUN war ich damals, 1988, im Kino, ich war gerade 12. Es war der erste Film, den ich mit meinen Eltern nach unserem Umzug von Düsseldorf nach Krefeld im Kino gesehen habe, und ich weiß noch, dass ich ihn damals mochte, aber in Erinnerung behalten habe ich außer ein paar Bildfetzen gar nichts. Eine Neusichtung hat es seit damals nicht gegeben. Ich hatte ihn immer im Hinterkopf, als Film, den ich vielleicht noch einmal schauen müsste, aber es gab stets dringendere Sachen, die ihn verdrängten. Es war eine schöne Artikelreihe auf The Dissolve, die mich dazu veranlasst hat, mir endlich die DVD zu bestellen (der Film ist auf Blu-ray noch nirgendwo verfügbar): Ein Gespräch mit dem Schauspieler Adam Scott, der erklärt, warum MIDNIGHT RUN einer seiner Lieblingsfilme ist, ein weiterer Dialog zweier Dissolve-Schreiber über den Film und ein Text, der sich mit Grodins Spiel befasst.

Wie so oft, wenn man einen Film schaut, nachdem man überschwängliche Texte über ihn gelesen hat, ist man danach leicht underwhelmed. Trotzdem kann ich den genannten Texten kaum widersprechen. MIDNIGHT RUN ist oberflächlich betrachtet lupenreines Formelkino, eine Buddy-Komödie, wie es sie in den Achtzigern zu Dutzenden gab, aber eben eine, die durch das an den Tag gelegte Können der Beteiligten mit echtem Leben gefüllt wird. Martin Brests Film gehört zu einer mittlerweile längst ausgestobenen Sorte des US-amerikanischen Unterhaltungsfilms: Er kommt ohne fade Gimmicks aus, Humor und Thrill halten eine perfekte Balance, Top-Schauspieler verkörpern echte Charaktere anstatt bloßer Klischees, und diese Charaktere sind es dann auch in erster Linie, mehr als irgendwelche supercleveren Drehbuchtwists, die den Film vorantreiben. Heute ist ein Film wie MIDNIGHT RUN – ohne superspektakuläre Prämisse, ohne zugehöriges Franchise, ohne megalomanische Effekte, ohne angesagten Stand-up-Comedian oder Rapper-turned-actor in der Besetzungsliste – als Kinofilm eigentlich gar nicht mehr denkbar. Früher war er nur ein besonders hervorstechender einer ganzen Phalanx von Buddy Movies und er erschien genau zu jenem Zeitpunkt, als die Achtziger- langsam in die Neunzigerjahre übergingen und sich damit auch die Struktur des Blockbusters veränderte.

Die Geschichte ist so simpel wie griffig: Der Kopfgeldjäger Jack Walsh (Robert De Niro) hat fünf Tage Zeit, um Jonathan „The Duke“ Mardukas (Charles Grodin), den ehemaligen Buchhalter des Mafiabosses Serrano (Dennis Farina), von New York nach Las Vegas zu seinem Auftraggeber Eddie Moscone (Joe Pantoliano) bringen. Mit dem Geld, das Walsh dafür einstreichen wird, will er sich endlich aus dem dreckigen Geschäft zurückziehen. Der Job entpuppt sich jedoch als schwerer als erwartet: Nicht nur heften sich der FBI-Agent Moseley (Yaphet Kotto), die gedungenen Mörder Serranos und Walshs Konkurrent Dorfler (John Ashton) an dessen Fersen, Mardukas erweist sich darüber hinaus ebenfalls als eher komplizierter Begleiter. Die Zeit verrinnt, aber Walsh will sich sein Ticket für den Ausstieg nicht wegnehmen lassen – bis er Sympathie für seinen „Klienten“ entwickelt …

Neben der turbulenten Geschichte, die die beiden ungleichen Helden in planes, trains and automobiles quer durch die USA führt und die von kleineren Scharmützeln und Auseinandersetzungen gesäumt ist, sind es in erster Linie das Mit- und Gegeneinander der beiden Hauptfiguren, aber auch die Nebenfiguren, die MIDNIGHT RUN zu einem nahezu perfekten Unterhaltungsfilm machen. Robert De Niro hat als Jack Walsh den spektakuläreren Part der beiden Hauptdarsteller übernommen, aber es ist gerade aus heutiger Sicht interessant, mit wie viel understatement er diese Rolle interpretiert. Heute ist De Niro längst zu seiner eigenen Karikatur verkommen, chargiert sich durch Filme, die eigentlich unter seiner Würde sein sollten. Hier sind es überraschenderweise eher kleine Gesten und Blicke, die von ihm hängenbleiben (und die er heute ganz aus seinem Repertoire gestrichen zu haben scheint): etwa seine Reaktion, als Moscone ihn im Gespräch mit seiner verdrängten Vergangenheit als Chicagoer Cop konfrontiert. Oder – der schauspielerische Höhepunkt des Films – wenn er seine Ex-Frau aufsucht, um sich Geld zu leihen, er dabei zum ersten Mal seit neun Jahren seiner Tochter wiederbegegnet und es ihm vor Scham kaum gelingt, sie anzusehen, obwohl man merkt, wie es ihn förmlich zerreißt vor Liebe. Charles Grodin hat, wie es in dem oben verlinkten Text treffend beschrieben wird, demgegenüber den leichteren Part: Sein Mardukas ist ein eher langweiliger, beamtenhafter Typ, und er liefert De Niro lediglich die Wand, an der der seine Volleys abprallen lassen kann, aber gerade in dieser Passivität liegt seine Stärke. Allein durch seine Blicke unterstreicht er alles, was De Niro tut und potenziert den emotionalen impact seiner Szenen.

MIDNIGHT RUN ist der seltene Glücksfall eines „trivialen“ Spaßfilms, der diesen Begriff allein durch herausragendes Handwerk transzendiert. Manche Filme, die wie ein Uhrwerk laufen, büßen über dieser Perfektion Seele und Leben ein, bei MIDNIGHT RUN ist das anders. Drehbuch, Inszenierung und Schauspiel greifen hier so nahtlos ineinander, dass alles sehr spontan wirkt, der Film vor Freude und Begeisterung geradezu vibriert. Er ist randvoll mit kleinen, cleveren Ideen, tollen Charakteren, von denen man gern mehr sehen würde, und deckt mit komischen, spannenden und rührenden Szenen das ganze emotionale Spektrum ab, ohne dabei jemals kalkuliert zu wirken. Man kann von MIDNIGHT RUN viel lernen, darüber, was Filme überhaupt „funktionieren“ lässt. Definitiv ein Kandidat für eine Wiederentdeckung: Man wird aktuelle Blockbuster danach aber mit noch mehr Wehmut sehen als ohnehin schon.