Mit ‘Jet Li’ getaggte Beiträge

Die EXPENDABLESReihe ist irgendwie seltsam.

Als vor rund sechs Jahren die Kunde umging, das Sylvester Stallone mit einer ganzen Horde alter Action-Recken einen Söldnerfilm drehe, da war die Euphorie riesig. Auch der erste Trailer, der schmerzhaft deutlich machte, dass man keinen Throwback in selige alte Zeiten erwarten durfte, konnte daran nichts ändern. Der Film, der dann ins Kino gelangte, war nun aber keineswegs vom Ehrgeiz alter Männer geprägt, den Jungen noch einmal zu zeigen, was eine echte Harke ist, sondern von geradezu aufreizender Entspanntheit. Kein Vergleich zu Stallones ultrabrutalem, in fiebrigem Zorn inszeniertem JOHN RAMBO. THE EXPENDABLES kam nicht in seinen eher enttäuschenden Actionszenen zu sich, sondern im von Harmonie geprägten Miteinander seiner Charaktere. Der ganze Film wirkte tatsächlich wie ein Treffen alter Kumpels, bei dem nebenbei und eher zufällig auch noch ein Film entstanden war. Ich fand gerade das sehr schön, doch offensichtlich sahen die Macher den Grund für den Erfolg des Revivals ganz woanders. Für THE EXPENDABLES 2 wurde die Riege der alten Männer noch einmal erweitert, Jean-Claude Van Damme, Chuck Norris und Scott Adkins wurden eingebunden, die Cameos von Arnold Schwarzenegger und Bruce Willis zu vollwertigen Nebenrollen umgeschrieben. Das Budget wurde nach guter, alter Sequellogik aufgestockt, mit Simon West ein Regisseur verpflichtet, der nicht gerade im Ruf steht, ein Traditionalist oder Handwerker alter Schule zu sein, der ganze Film noch mehr in Richtung Altherren-Kaffeefahrt gebürstet, die mich mit ihren nervtötenden Ausflügen in den ironisch-selbstreferenzielle *Wink-wink*-Metahumor massiv angenervt hat. Hier war endgültig klar, dass man nicht die Tradition im Blick hatte, sondern all die Fans, die den Actionfilm im Grunde genommen total bescheuert finden, sich aber auch noch dann vor Freude in die Hosen machen, wenn Arnie zum hundertsten Mal „I’ll be back!“ stammelt. Furchtbar.

Meine Hoffnungen hinsichtlich THE EXPENDABLES 3 waren demzufolge mehr als gering, eigentlich sogar nahezu inexistent und das nochmalige Aufstocken des eh schon unübersichtlichen Casts ließ Schlimmstes befürchten, zumal man durchaus geteilter Meinung darüber sein darf, ob Leute wie Antonio Banderas, Harrison Ford oder Kelsey Grammer hier überhaupt reingehörten. Dass mit Patrick Hughes ein namenloser Newcomer auf den Regiestuhl gesetzt wurde, stimmte auch nicht eben hoffnungsfroh. Aber erstaunlicherweise ist durchaus eine Art „Rückbesinnung“ zu konstatieren: Der Film kommt nicht mehr als debile, übersteuerte Gagparade rüber, sondern als weitestgehend „ernster“ Actionfilm mit komischen Elementen, der wieder einmal die Kameradschaft der alten Recken betont. Mit dem ersten Teil hat er aber auch die Tatsache gemeinsam, dass die Actionszenen – auch wenn sie in der Summe fast die gesamte Spielzeit einnehmen – sehr middle-of-the-road anmuten. Wirklich hängen bleibt da nichts, Momente, in denen man mitfiebert, aufspringen möchte oder auch einfach nur „Fuck yeah!“ denkt, sind Mangelware. Wie schon im direkten Vorgänger ist ein von Stallone mit seiner unnachahmlich gutturalen Stimme gemurmelter One-Line das einsame Highlight. Wenn Mel Gibsons Oberschurke, der Waffenhändler Blackstone, seinen alten Kumpel Barney (Sylvester Stallone) daran erinnern will, dass er ihn lebendig vor dem Gerichtshof in Den Haag (englisch: The Hague) abzuliefern habe, sagt der nur staubtrocken „I am The Hague!“ und knallt den Halunken nieder. Hose: Geplatzt, Mind: Blown, Mission: Accomplished. THE EXPENDABLES 3 sollte eigentlich voll sein mit solchen Momenten, stattdessen wirkt er aufreizend selbstzufrieden, mit lässiger Geste hingeworfen von Leuten, die glauben, dass die geballte Zugkraft ihrer Namen auf dem Plakat schon die halbe Miete ist. Das finde ich, wie schon beim ersten Teil, durchaus sympathisch, aber ein richtig guter Film wäre mir dann doch noch ein Stück lieber gewesen. Die Rechnung ging dann ja auch nicht auf: Nachdem die ersten beiden Filme noch rund das Dreifache ihres Budgets eingespielt hatten, reduzierte sich das mit dem dritten Film auf das Doppelte.

Es ist tatsächlich schwer, für THE EXPENDABLES 3 echte Emotionen aufzubringen, was an sich ja schon ein kleiner Skandal ist: Klar, es ist einfach schön, diese Typen da vereint auf der Leinwand zu sehen, ihnen dabei zuzuschauen, wie sie im großen Stil Sachen kaputt machen. Antonio Banderas ist als liebenswerter Dauerschwätzer Galgo durchaus putzig, Mel Gibson als Schurke wie zuvor schon Jean-Claude Van Damme ein Höhepunkt (diese Szene, in der er ganz langsam, fast bedächtig eine Treppe hochzugleiten scheint) und einen Gastauftritt von Robert Davi werde ich eh immer zu würdigen wissen. Ich finde es auch angenehm, dass dieser Film nicht mit großer Dominanzgeste inszeniert wurde, sondern fast bescheiden anmutet, dass es innerhalb des ganzen Getöses am Ende des Tages um die Freundschaft dieser Typen geht (auch wenn die Screentime jedes einzelnen kaum noch der Rede wert ist). Bei allem Technik- und Effektbrimborium bewahrt der Film seinen menschlichen Kern, was ihm sein „Alleinstellungsmerkmal“ beschert und auch seinen Reiz ausmacht. Auch Kurzweiligkeit kann man THE EXPENDABLES 3 nicht absprechen. Das ist eine Basis, auf der sich etwas Wunderbares aufbauen ließe, der erste Schritt, auf den dann ein zweiter und dritter folgen müssten. Leider scheinen dazu aber weder der Wille vorhanden gewesen zu sein, noch ausreichend Energie oder Kreativität. Tatsächlich bestätigen die EXPENDABLES-Filme letztlich genau das, was sie eigentlich zu widerlegen angetreten waren: Dass die Beteiligten nämlich tatsächlich entbehrlich geworden sind. Und darüber täuschen sie auch nicht hinweg, indem sie einen besonders farblosen Trupp Jungspunde rekrutieren.

Basic CMYKZugegeben, LETHAL WEAPON 4 ist nicht so öde und lahmarschig wie der direkte Vorgänger, aber dafür so dermaßen übersteuert, dass er kaum weniger nervtötend wirkt. Seinerzeit fand ich ihn wohl ziemlich spektakulär und aufregend, die Melange aus Action und gefühlsduseliger Familienkomödie aber schon damals streitbar, weder wirklich zufriedenstellend noch gar überzeugend. Heute, knapp 15 Jahre später stehe ich dem Film gegenüber wie ein Höhlenmensch, der plötzlich mit Lady Gaga konfrontiert wird: Ich verstehe ihn nicht. Der Film suggeriert mir, dass mir das, was ich da sehe, ein Riesenvergnügen bereiten sollte, aber je überzeugter der Film von seinem Gelingen ist, umso mehr hat er mich befremdet und abgestoßen. Da ist diese wirklich grau-en-haf-te Szene, in der Riggs (Mel Gibson), Murtaugh (Danny Glover) und ihr neuer Partner Butters (Chris Rock – weil dieser Film nichts so sehr braucht wie noch einen Spaßvogel) sich in das Behandlungszimmer einer Zahnarztpraxis schleichen, um einen dort wartenden  Verdächtigen mithilfe von Lachgas zu verhören. Natürlich bekommen auch Riggs und Co. mehr als eine Brise des Betäubungsmittels ab, und die ganze Szene endet in unbändigem Gelächter und Lachkrämpfen, die an die Darbietungen einer mittelmäßigen Impro-Theatergruppe erinnern. Die Differenz zwischen meinem Gemütszustand und dem der Protagonisten hätte während dieser Szene kaum größer sein können. Nicht nur ist das ganze Lachgas-Szenario grauenhaft altbacken ist (es hilft nichts, dass Donner seit LETHAL WEAPON immer und immer wieder die Three Stooges referenziert, um sich abzusichern): Es ist einfach erschreckend unwitzig.

Der sich in dieser Szene niederschlagende Mangel an Selbstreflexion – Richard Donner scheint mir wirklich ein bemerkenswert dummer Mensch zu sein – zeichnet den ganzen Film aus. Hat denn wirklich keiner gemerkt, dass dieser Riggs ein grotesk unsympathisches Arschloch ist, mit seiner Herablassung gegenüber Schwächeren, seinem unverhohlenen Hass auf die Chinesen, die hier das Schurkenpersonal stellen, seiner Bully-Mentalität und seinem Sexismus? Besonders ätzend gerät der unvermeidliche Auftritt der Polizei-Psychologin: Nachdem sie ihm erneut eine Therapie angeraten hat (gähn!), stellt Riggs sie vor versammeltem Polizeirevier bloß, indem er ihr sexuelles Interesse an ihm unterstellt. Klar, dass ein selbstverliebter Geck wie er sich nicht vorstellen kann, dass eine Frau aus einem anderen Grund mit ihm spricht. Und wie idiotisch sich alle verhalten! Riggs erfährt in der Eröffnungsszene von Murtaugh, dass Lorna (Rene Russo) von ihm schwanger ist, weil sie sich nicht getraut hat, es ihm selbst zu sagen. In den folgenden 120 endlosen Minuten vollführen die beiden Endvierziger einen Eiertanz um die Frage, ob sie heiraten sollen: Man fühlt sich wie im Kindergarten. Murtaughs Tochter Rianne hat ihrerseits nicht nur ihre Schwangerschaft vor ihrem Daddy geheim gehalten, sondern gleich auch noch ihre Heirat einschließlich Ehemann. Die Versuche des Inkognito-Schwiegersohns Butters, sich bei Murtaugh beliebt zu machen, missversteht dieser „natürlich“ als die Avancen eines Schwulen. Es ist wirklich beeindruckend, wie würdelos sich Erwachsene verhalten können. Oder vielmehr: Was Donner so alles für lustig hält. Alles aus ist dann am Schluss, wenn es eine rührselige Ansprache von Leo Getz (Joe Pesci) gibt, der nunmehr seit drei Filmen übelste Demütigungen und Beschimpfungen über sich ergehen lassen musste und trotzdem vor lauter Dankbarkeit fast vergeht. Die zwei, drei netten, wirklich witzigen Momente – etwa das Mantra-artig wiederholte „I’m not too old for this shit!“, eine auf-den-Kopf-Stellung von Murtaughs Lieblingsspruch, mit der die beiden ihre unleugbaren Alterserscheinungen wegbeten wollen – fallen bei der Anzahl schmerzhaft-idiotischer Einfälle kaum ins Gewicht.

Von der Actionfront gibt es leider kaum Positiveres zu vermelden. Es kracht, wie erwähnt, etwas mehr als im dritten Teil, aber wirklich mitreißend ist das alles nicht. Der Erfolg einer spektakulären Verfolgungsjagd wird massiv dadurch geschmälert, dass man Gibsons Stunt-Double allzu oft allzu gut erkennen kann, Jet Lis Martial-Arts-Künste sind weitestgehend verschenkt, zumal seine Rolle mit „eindimensional“ noch reichlich wohlwollend beschrieben ist. Nee, nee, das ist alles nichts. Vielleicht ist LETHAL WEAPON 4 einfach schlecht gealtert, vielleicht ist man bei der gerechten Einschätzung des Films auch durch Gibsons Eskapaden in den  letzten Jahren beeinträchtigt. Aus heutiger Warte kann ich mir jedenfalls kaum erklären, warum ich diesen Film nicht damals schon gehasst habe. Ein eindrucksvolles Beispiel, dass Älterwerden mitnichten bloß körperlichen und geistigen Verfall bedeutet, sondern manchmal auch mit einer begrüßenswerten Weiterentwicklung einhergeht.

THE EXPENDABLES hat mich vor etwas mehr als zwei Jahren wahnsinnig glücklich gemacht: Ein richtig guter Film war er trotzdem nicht. Die Freude darüber, die alten Recken nach teilweise entbehrungsreichen Jahren in einem großen Actionfilm vereint zu sehen, überdeckte die milde Enttäuschung darüber, dass Slys Film kein großes „Fuck You!“ an die modernen Sitten und Gebräuche des Actionkinos darstellte, sondern weitestgehend dessen fragwürdigen ästhetischen Rahmenbedingungen verpflichtet war. Dass THE EXPENDABLES verglichen mit anderen Großproduktionen dennoch beinahe bescheiden rüberkam – was Viele ihm ankreideten –, er nicht versuchte, das Rad neu zu erfinden oder Michael Bay und Konsorten in Sachen Megalomanie zu überbieten, fand ich sehr angenehm. Es passte zur Altersmüdigkeit seiner Darsteller, zu ihrem Wissen, dass der eigene Mythos längst gesichert ist. Niemand von ihnen musste irgendwem noch irgendwas beweisen. Bei THE EXPENDABLES 2 ist die Unschuld weitestgehend verloren: Die Freude über das Wiedersehen, das schöne Gefühl, den alten Helden bei ihrer verdienten Ehrenrunde zujubeln zu dürfen, weicht hier dem Eindruck, dass das alte Eisen den angekündigten Ruhestand gern noch ein paar Jahre nach hinten verschiebt, wenn die große Kasse winkt. THE EXPENDABLES war ein Geschenk, THE EXPENDABLES 2 ist im Grunde Business as usual. THE EXPENDABLES war Black Sabbath einmalig wiedervereint mit Ozzy, THE EXPENDABLES 2 ist die xte Tournee der greisenhaften Rolling Stones. Der Film schmälert schon durch seine bloße Existenz rückwirkend den Liebesdienst, den Sly seinen Fans mit Teil 1 erwiesen hat. Und er wirft teilweise sogar die Frage auf, ob er wirklich verstanden hat, was einen guten Actionfilm auszeichnet, was Fans am Genre und seinen Protagonisten lieben und was am ersten Teil gelungen war.

THE EXPENDABLES handelte seine Action-Set-Pieces fast pflichtschuldig ab, war dafür immer ganz bei sich, wenn er seinen wettergegerbten Helden dabei zusah, wie sie sie selbst waren. Mehr als irgendwelche Stunts oder Effekte sind es die kleinen Momente, die sich bei mir eingebrannt haben: Stallone und Rourke im nachdenklichen Zwiegespräch, die Sorge Jet Lis um sein finanzielles Auskommen, Dolph Lundgrens fall from grace und seine finale Wiederaufnahme im Kreis der Kameraden. Dass ich hier die Namen der Darsteller verwende und nicht die ihrer Rollen, ist zwar meiner Faulheit zuzuschreiben, bei IMDb nachzuschauen, macht aber dennoch Sinn: THE EXPENDABLES bediente den Wunschtraum eines jeden Fans, dass seine Helden (oder etwa die Mitglieder der Lieblingsband) auch privat die dicksten Kumpels sind, in ihrer Freizeit miteiander rumhängen und in Erinnerungen schwelgen, Anekdoten austauschen, sich necken und aufziehen, aber immer für einander da sind. Außergewöhnlich an diesem Film war nicht die Allstar-Besetzung, sondern seine fast unverschämte Relaxtheit. Der generische Plot um Eric Roberts und seine Bananenrepublik hat beim Ehemaligentreffen fast gestört.

Nun also THE EXPENDABLES 2: Die Vermarktungslogik ließ vermuten, dass gegenüber dem Vorgänger vor allem quantitativ zugelegt wird. Und so ist es dann auch: Die Cameos von Bruce Willis und Arnold Schwarzenegger wurden zu Nebenrollen ausgebaut, Chuck Norris darf einen Gastauftritt absolvieren, Jean Claude Van Damme den Schurken spielen, die Rolle des obersten Henchman, die im Vorgänger Steve Austin zufiel, übernimmt nun Scott Adkins. (Zu meinem Bedauern wurde Gary Daniels nicht adäquat ersetzt. Dabei hätten sich Lorenzo Lamas, Billy Blanks, Roddy Piper, Sasha Mitchell oder Jeff Speakman sicherlich über einen Anruf gefreut und wären wahrscheinlich zu Fuß zum Drehort gelaufen. Na gut, Billy Blanks vielleicht nicht, der dürfte als Tae-Bo-Guru mehr Geld gescheffelt haben als mit allen seinen Filmen zusammen.) Diese personelle Auftstockung wird aber bei genauem Blick schon dadurch relativiert, dass Jet Li bereits nach gut 20 Minuten aus dem Film verschwindet. Ein Fehler, weil es auch sein Rapport mit Dolph Lundgren war, der dem Vorgänger Herz und Seele verlieh. Und Lundgren, der eigentliche Star und emotionale Kern von THE EXPENDABLES, wird hier als hohler Comic Relief verheizt. Randy Couture und Terry Crews waren schon im ersten Teil nur Randfiguren und werden noch mehr marginalisiert. Die Szenen, die das Team bei den gemeinsamen Plauderstündchen zeigen, vermisst man schmerzlich. Gerade, weil sie auch hier wieder genau jene Momente markieren, in denen der Film die Seele offenbart, an der es ihm sonst an allen Ecken und Enden mangelt. Die Actionszenen wurden ausgebaut, sie sind länger, blutiger und auch spektakulärer, zudem – eine der wenigen echten Verbesserungen gegenüber dem ersten Teil – deutlich übersichtlicher und kohärenter inszeniert, aber sie füllen nicht die Lücke, die da sonst klafft.

Wie auch THE EXPENDABLES wird auch sein Sequel voreilig als Eighties-Revival-Action, als Dienst am Fan des guten alten Actionkinos der Achtziger bezeichnet. Das traf schon auf Teil 1 nur bedingt zu (stilistisch hatte er mit den Actionfilmen der Achtziger rein gar nichts zu tun), hier geht es vollkommen an der Sache vorbei. THE EXPENDABLES 2 ist genauso am Reißbrett entworfenes Produkt wie so viele Filme, die man sonst mit dem Arsch nicht anschauen würde. Die Ausnahme ist, dass hier Leute mitspielen, von denen man dachte, dass sie es besser wüssten. Das große Ärgernis des Films ist seine unerträgliche Selbstreferenzialität, mit der er sich eben gerade nicht an die Cracks wendet, an Menschen, die das Werk Stallones, Schwarzeneggers, Norris‘, Lundgrens oder Van Dammes in- und auswendig kennen, es studiert haben und innig lieben. Die hohlen Zitate, die da vor allem Schwarzenegger in einem fort in den Mund gelegt werden, sind genau jene Zeilen, die zu bejubeln man die Quelle gar nicht mehr kennen muss, weil sie längst in den Fundus der Popkultur eingegangen sind. Wie einfallslos und ahnungslos muss man sein, wenn man ein von Arnie geäußertes „I’ll be back“ als Pointe in einer Multimillionen-Dollar-Produktion verkauft, die sich als Oldschool-Action versteht? Wenn man ihn Bruce Willis ein „Yippiekayay“ entgegnen lässt? Das hat nichts mit Ehrerbietung oder Metahumor zu tun (und mit Insiderwitz noch viel weniger), das ist einfach nur miserables Handwerk. Ein Armutszeugnis, ehrlich gesagt. Chuck Norris‘ Auftritt wäre eine schöne Sache gewesen, wenn man sich wenigstens ein bisschen Mühe gegeben hätte, ihn halbwegs sinnvoll in die Handlung zu integrieren. So latscht er in den Film rein, weil er auch noch mitmachen muss und verwandelt ihn in eine härtere Variante von HOT SHOTS. Es hätte nur noch der Schwenk auf das mitfilmende Kamerateam gefehlt, die Entfremdung wäre dadurch kaum stärker ausgefallen.

Solcherlei Stückwerk, die unkreative, ohne Sinn für eine übergeordnete Dramaturgie erfolgte Aneinanderreihung zotiger Gimmicks zerstört dann auch den Effekt, den die gelungeneren Szenen ohne jeden Zweifel hätten haben können. Jean Claude Van Damme hat eine traurig unterentwickelte Schurkenrolle abbekommen, aber er reißt den Film in jeder seiner Szenen an sich. Er muss dafür nicht mehr tun, als anwesend zu sein und sein in den letzten zehn Jahren ausgeprägtes Eisgesicht hinter einer coolen Sonnenbrille zu verbergen. Er sieht aus wie die Muse eines Avantgarde-Künstlers, wie die Gestalt aus einem Kraftwerk-Video: unantastbar, kantig, androgyn, geil. Dem Affentheater, zu dem der Film in den letzten 20 Minuten verkommt, setzt er Arroganz, Selbstbewusstsein und Kaltschnäuzgkeit entgegen. Auch Scott Adkins nutzt seine Mini-Chance und bekommt die Gelegenheit, seinen bewährten Yuri-Boyka-Akzent in einer Hollywood-Produktion unterzubringen (vielleicht der einzig echte In-Joke des Films, schon deshalb, weil er kaum jemandem aufgefallen ist – so ähnlich wie Gary Daniels im Vorgänger). Nur Stallone kann da mithalten. Sein kurzatmig ausgestoßenes „Track him, find him, kill him!“ ist einer der raren Gänsehautmomente des Films. THE EXPENDABES 2 sollte eigentlich voll von solchen Momenten sein, aber die Prioritäten lagen leider woanders.

Der Text ist jetzt etwas schärfer geworden, als ich das vorhatte. Es ist mir tatsächlich genetisch unmöglich, THE EXPENDABLES 2 nicht doch irgendwie zu mögen, aber die Erkenntnis, dass die unantastbaren Helden nicht nur nicht unfehlbar sind, sondern auch noch unter massiven Geschmacksverwirrungen leiden, ist ziemlich schmerzhaft. Ich wollte einen anderen THE EXPENDABLES 2 als diesen. Einen, der ohne dämlichen Humor auskommt, einen, der seine Recken nicht insgeheim zu Clowns degradiert. Einen der mir nicht ständig – wink-wink, nudge-nudge – zuzwinkert und sich mit mir verbrüdern will, indem er mir Witze erzählt, die ich schon kenne. Einen mit Herz und Seele und nicht nach zielgruppenorientierter Marktanalyse zurechtoptimierten Eventklumpen. Ich muss mich wohl damit abfinden, dass ich damit einer Minderheit angehöre. Und ich bin durchaus kompromissbereit. Das Problem an THE EXPENDABLES 2 ist nicht in erster Linie, dass er etwas macht, was ich nicht wollte. Sondern dass er das, was er macht, schlecht macht.

Ich hatte ja anlässlich meines Kinobesuchs schon im vergangenen Jahr einen Text zu THE EXPENDABLES verfasst, (fast) pünktlich zur DVD-Veröffentlichung gibt es nun auf F.LM – Texte zum Film eine echte Rezension von mir. So viel vorab: Der Film gefällt mir immer noch, einige Kritikpunkte konnten sogar noch etwas revidiert werden.

Die Söldnertruppe „The Expendables“ um Barney Ross (Sylvester Stallone) erhält den Auftrag, die kleine im Golf von Mexiko gelegene Insel Vilena, die sich nach der Übernahme durch den amerikanischen Ex-CIA-Mann Munroe (Eric Roberts) in eine Militärdiktatur verwandelt hat, von ihren Unterdrückern zu befreien. Beim ersten Erkundungsgang, den Ross zusammen mit seinem Partner Lee Christmas (Jason Statham) unternimmt, kommt es zu einer ungeplanten Auseinandersetzung, mit dem Ergebnis, dass die Kontaktperson der „Expendables“, die Tochter von General Garza (David Zayas), in Gefangenschaft gerät und fortan um ihr Leben fürchten muss. Ross beschließt mit seinen Männern, die Mission wider besseres Wissen durchzuführen, um die Frau zu retten …

Ich hatte Angst vor diesem Film. Was vor zwei Jahren, als die ersten Gerüchte über die Besetzung dieses Films kursierten und klar wurde, dass Stallone tatsächlich vorhatte, dem Actionfilm der Achtzigerjahre ein Denkmal zu setzen, indem er alle seiner Protagonisten verpflichten oder gar reaktivieren wollte (zuerst sollte sogar Chuck Norris mitmachen), noch wie eine unerreichbare Utopie klang, war plötzlich und mit nur ein paar kleineren Abstrichen – neben Chuck Norris fehlt auch Jean-Claude Van Damme – Wirklichkeit geworden. Und wahr gewordene Träume sind bekanntlich nicht selten eine Enttäuschung. Der Trailer, der gegenüber dem unfassbaren ersten RAMBO-Teaser um nahezu alle Härten bereinigt war, schien meine Befürchtungen zu bestätigen: Verschwunden waren rohe Gewalt, diese ätzende Bitterkeit und allumfassende Tristesse, stattdessen sah das alles sehr gelackt und eher nach Neunzigerjahre-Spaßaction aus. Und somit nach genau dem, was ich definitiv nicht haben wollte. Jetzt, nachdem ich den Film gesehen habe, bin ich froh, dass ich mich vom Trailer nicht habe abhalten lassen, mir THE EXPENDABLES im Kino anzusehen: Ich weiß nicht, wann ich zum letzten Mal so rundum glücklich, ja, geradezu selig aus dem Kino gekommen bin. Mit diesem warmen Gefühl im Herzen, das man vielleicht verspürt, wenn man nach Jahren alte Freunde wiedergetroffen hat und es aller Befürchtungen zum Trotz tatsächlich wieder wie früher gewesen ist.

Dabei ist THE EXPENDABLES ganz bestimmt kein perfekter Film. Wollte man unbedingt den Vergleich zu Stallones letzten Werken ziehen, so würde er dabei wahrscheinlich schlechter abschneiden als diese: Ihm fehlen die ehrliche Melancholie von ROCKY BALBOA und die verzweifelte Wut von RAMBO und insofern ist der weiter oben einmal gefallene Begriff „Spaßaction“ gar nicht so verkehrt. Und die Action ist zwar ausufernd und brutal und  nimmt einen nicht unbeträchtlichen Teil der Spielzeit ein, wirkt aber trotzdem wie Beiwerk. THE EXPENDABLES ist trotz seiner exzessiven Gewaltdarstellungen beinahe unschuldig, er scheint nicht aus Schmerzen geboren, sondern mit souverän-lässiger Hand hingeworfen, er ist kein Film, der aus einem inneren Bedürfnis heraus gemacht werden musste, sondern einer, den Stallone einfach machen wollte und ihn dann förmlich im Schlaf gemacht hat: Sly ist hier spürbar zu Hause, er hat ein paar seiner alten Kumpels um sich versammelt, um sich selbst und den oft geschmähten Actionhelden die gebührende Ehre zu erweisen und natürlich um – und hier ist das ausnahmsweise mal keine hohle Phrase –  den Freunden des Genres „Dankeschön“ zu sagen. Was genau bedeutet das? THE EXPENDABLES ist trotz seiner Söldner-Protagonisten und obwohl es im Plot ziemlich umstandslos ums Töten geht, vor allem ein herzlicher Film: Mehr als die ausufernden Actionszenen bilden die Dialoge zwischen den Expendables und deren einzelne Charaktere sein Herz. Dolph Lundgren hat als der unfreiwillig auf die falsche Bahn geratene und zum Gegner übergelaufene Gunner eine wunderschöne Rolle – vielleicht die schönste des Films – abbekommen, die seine irgendwie immer etwas ausgemergelte, sehnige und geschundene Gestalt perfekt einsetzt. Und Mickey Rourke interpretiert den ehemaligen Expendable Tool, der sich nun ganz dem Tätowieren widmet, ganz entgegen dem alternden idiot savant in THE WRESTLER als weisen Schamanen, der sozusagen die Essenz des Films und seines Genres in Worte fasst: Der Actionheld muss dem Ruf seines Herzens folgen, um nicht innerlich zu sterben. Der hinsichtlich ihrer Allstar-Besetzung vielleicht spektakulärsten Szene des Films – jener, in der mit Stallone, Schwarzenegger und Willis die großen Drei des Actionfilms zusammentreffen – könnte man noch am ehesten den Vorwurf des nerdjerkings machen, aber auch sie wirkt nicht kühl kalkuliert, weil sie das einstige Konkurrenzverhältnis als auch die Bewunderung der drei Stars füreinander sinnvoll und geistreich in den Film integriert, ohne sich an ihrem bloßen Zusammentreffen zu berauschen. Die übergroßen blinkenden Gänsefüßchen des postmodernen Zitatekinos sucht man jedenfalls vergeblich, die Szene gliedert sich wunderbar in Rhythmus und Ton des Films ein, anstatt ihn zu zerreißen. Am herrlichsten ist aber das Ende, das alle Helden der Expendables wieder zusammenführt und klar macht, worum es hier geht: um Freundschaft, Gemeinsamkeit, Loyalität. Die eine Geste, die das m. E. besser verkörpert als der pathetischste Woo-Film, möchte ich hier nicht verraten. Ich habe gestrahlt in meinem Kinosessel und dieses Strahlen auch noch in die triste Welt vor dem Kino getragen. Am meisten gefreut habe ich mich aber über die Anwesenheit von Gary Daniels: Die wenigsten Zuschauer von THE EXPENDABLES werden ihn erkennen oder überhaupt wissen, wer das ist, aber er ist da. Sie sind alle noch da. Unersetzlich statt expendable.

EDIT, 16.02.2011: Auf F.LM – Texte zum Film gibt es mittlerweile auch eine DVD-Rezension.

Der FBI-Agent Crawford (Jason Statham) glaubt die Spur des mysteriösen Auftragskillers Rogue (Jet Li) wieder aufgenommen zu haben, der nach der Ermordung von Crawfords Partner Tom (Terry Chen) und dessen Familie vor drei Jahren spurlos verschwunden war. Rogue setzt seinerseits alles daran, die in San Francisco operierenden verfeindeten Clans des Triadenbosses Chang (John Lone – sieht mittlerweile aus wie eine Mischung aus Rex Gildo und Karel Gott) und des Yakuzaanführers Shiro (Ryo Ishibashi) gegeneinander auszuspielen. Welchen Zweck er damit verfolgt, gilt es für Crawford, herauszufínden …

Wieder einmal so ein Film, der sich nicht damit zufrieden geben will, einfach nur nette, ansehnliche Kurzweil zu bieten. WAR – der auf meiner NL-DVD ROGUE ASSASSIN betitelt ist – liefert inhaltlich kaum mehr als die üblichen Klischees. Da gibt es die toughen FBI-Buddies, die vor dem Zug in die Schlacht erst noch ganz tarantinoesk übers Rauchenaufhören scherzen, den Cop, der seine Trauer über den Tod des Partners damit kompensiert, dass er sich Hals über Kopf in den Job stürzt und sich so von seiner Familie entfremdet, bösartige asiatische Geschäftsmänner, die ihre archaischen Bräuche in die amerikanischen Großstädte getragen haben, und das kühl planende, unausrechenbare Phantom, das im Dienste der Auftraggeber zu stehen scheint, in Wahrheit aber nur auf eigene Rechnung arbeitet. Diese Ideenarmut ist an sich noch nicht verwerflich, vor allem nicht, wenn sie so virtuos inszeniert ist wie hier. Klar, Atwill greift mit beiden Händen in die Trickkiste, die ihm die moderne Postproduction so bietet, aber das Ergebnis sieht ungleich besser aus als bei anderen Vertretern des Neo-Action-Films mit seiner Schnittfrequenz für die hyperaktiven Zappelphilipps von heute. Atwill weiß, dass Actionfilme einen Rhythmus, den Wechsel von schnellen und langsameren Passagen braucht, um nicht per Hyperspeed im Stillstand zu enden, und so kracht es in WAR, wenn es denn krachen soll, auch richtig. Sehr schön ist auch der Schnitt geraten, der oft synkopisch angeordnet ist, den Bruchteil einer Sekunde zu früh oder zu spät ansetzt, und den Flow immer wieder leicht aufbricht, so das Interesse stets wachhaltend, ein allzu bequemes Versinken des Zuschauer verhindernd. Mit seinem nicht zu verachtenden Härtegrad knüpft WAR zudem fast an selige SHOWDOWN IN LITTLE TOKYO-Zeiten an, nur dass er dessen Comichaftigkeit durch grimmigen Ernst ersetzt. Kurz: WAR hätte das Zeug dazu gehabt, wenn auch nicht zu den großen Actionmeisterwerken, so doch zumindest zu den beachtlicheren neuen Actionfilmen gezählt zu werden, zu den wenigen Glücksfällen, denen der Amoklauf der Form nicht jede Grundlage entzogen hat. Leider, leider wollte sich Atwill aber offensichtlich nicht damit zufrieden geben. Und was macht ein Regisseur/Drehbuchschreiber heute, wenn er seinen Stoff nicht mit echter Substanz aufladen kann? Richtig, er plottwistet sich haarscharf an der Logik vorbei, auf dass der Zuschauer nämlich wenigstens einen singulären Eindruck mit dem Gesehenen verbinden kann.

So endet WAR dann auch nicht mit einem akzeptablen Plottwist, sondern setzt im Versuch, diesen Glückstreffer noch zu übertreffen, noch einen weiteren oben drauf, der dann allerdings das ganze vorherige Geschehen völlig ad absurdum führt und aus einem guten Film einen unrettbaren Rohrkrepierer macht. Offensichtlich hat dieser Twist den Macher selbst etwas aus der Bahn geworfen, denn der Film endet danach so abrupt, dass man vermuten muss, er habe entweder einen Gehirnschlag erlitten oder sei Opfer eines Falls spontaner Selbstentzündung geworden. Man kann WAR nach diesem Twist – den ich hier für alle Neugierigen und Spoilerfaschisten nicht verraten werde – nicht nur nicht mehr ernst nehmen, man muss den Machern gar unterstellen, ihre Zuschauer 90 Minuten lang belogen zu haben. Vielen herzlichen Dank für soviel Aufrichtigkeit! Eigentlich ist es blöd, sich wegen weniger Sekunden einen ganzen Film verderben zu lassen, zumal man solcherlei Unfug doch längst gewohnt ist. Aber dieses Finale ist geradezu boshaft unvernünftig in seiner Ignoranz sich selbst gegenüber. Als hätten die Macher sich in einem Anflug von manischer Gekränktheit in der fixen Idee verrannt, ihr eigenes Werk zu zerstören. Hätte ich jetzt nicht schon so viel geschrieben, ich würde sagen, dass mir dazu die Worte fehlen.

Ca$h (Frankreich 2008 )
Regie: Eric Besnard

Der Trickbetrüger Cash (Jean Dujardin) arbeitet an seinem nächsten Coup: Kaum hat er Garance (Alice Taglioni), die schöne Tochter des reichen Kunstsammlers Maxime (Jean Reno), mit seinem Charme erobert, da macht er einen Rückzieher. Dies ärgert die Polizistin Julia (Valeria Golino), die Cash seit geraumer Zeit auf den Fersen ist. Als die beiden sich begegnen, macht der Ganove ihr einen Vorschlag, den sie nicht ablehnen kann: Er will sie an seinem nächsten Projekt beteiligen. Oder führt er sie nur an der Nase herum?

CA$H, ein beschwingter Caper-Movie in der Tradition der OCEAN’S ELEVEN-Filme, erfindet das Rad nicht neu, bietet aber Entertainment auf hohem Niveau. Die Akteure, allen voran Dujardin, haben sichtlich Spaß an dem Possenspiel, das bis zum Ende spannend bleibt. Neben den für diese Filme typischen Minidiskursen über Wahrheit und Täuschung, Vertrauen und Lüge gibt es auch die formalen Kniffe, die man in diesem Genre erwarten darf. Filigraner Splitscreen-Einsatz lässt noch einmal THE THOMAS CROWN AFFAIR Revue passieren, die erlesenen Schauplätze wecken Erinnerungen an Filme wie Hitchcocks TO CATCH A THIEF, die PINK PANTHER-Reihe und ähnliche. CA$H enthält somit all das, was man sich im Vorfeld von ihm erhofft hat. Das nenne ich Dienst am Zuschauer.


Mad Detective (Hongkong 2007)
Regie: Johnny To/Wai Ka Fai

Der Polizist Bun (Lau Ching Wan) ist bekannt für seine schrägen, aber erfolgreichen Methoden. Um einen Mörder zu finden, lässt er sich schon einmal in einem Koffer die Treppe hinunterschmeißen. Als er sich zur Verabschiedung seines Vorgesetzten ein Ohr abschneidet, ist der Bogen aber überspannt und Bun wird entlassen. Doch als Inspektor On (Andy On) Hilfe in einem rätselhaften Mordfall braucht, ist Bun wieder zur Stelle. Mit seinen übersinnlichen Fähigkeiten – er kann die inneren Persönlichkeiten von Menschen sehen und sich in sie hineinversetzen – soll er den Fall lösen …

MAD DETECTIVE hat ein paar nette Einfälle und sieht, wie man das von einem Johnny-To-Film gewohnt ist, absolut fantastisch aus. Leider hat man es hier aber nicht mit einem zweiten PTU oder EXILED zu tun, sondern mit einem Werk, das der Workaholic To anscheinend mal so zwischendurch gedreht hat, um sein Pensum zu erfüllen. MAD DETECTIVE ist ein nur wenig ernst zu nehmender Spaßfilm, dessen zentrale Idee leider nicht genug ausgearbeitet wurde und somit letzten Endes verpufft. Die lustigen Einfälle neutralisieren sich in der labyrinthischen Narration und am Schluss fragt man sich, wofür der Aufwand denn nun eigentlich betrieben wurde. MAD DETECTIVE ist keineswegs schlecht, bietet zudem ein längst überfälliges Wiedersehen mit Lau Ching Wan und To-Stammkraft Lam Suet. Letztlich fehlt ihm aber das, was alle anderen To-Filme im Überfluss aufweisen: Substanz. Dass derzeit keiner besser Schießereien inszenieren kann als er, wird aber auch hier wieder evident.

The Warlords (Hongkong/China 2007)
Regie: Peter Chan/Wai Man Yip

China im 19. Jahrhundert: Der Soldat Ma (Jet Li) muss miterleben, wie seine gesamte Armee vom Feind niedergemetzelt wird. Als er auf die Banditen um Er-Hu (Andy Lau) und Zhang (Takeshi Kaneshiro) trifft und sich ihren Respekt erkämpft, macht er ihnen einen Vorschlag: Gemeinsam sollen sie sich der Armee anschließen, um so Reichtum und andere Länder zu erobern. Zusammen ziehen sie fortan von Kampf zu Kampf, doch auf dem Schlachtfeld wird ihre Freundschaft auf eine harte Probe gestellt …

Die historisch verbriefte Ermordung des General Ma wurde bereits von Chang Cheh unter dem Titel BLOOD BROTHERS verfilmt. THE WARLORDS unterscheidet sich aber deutlich von den naiv-bunten Werken der Shaw Brothers und ist stattdessen als großer Prestigefilm gedreht, der in jeder Einstellung „Epos!“ schreit. In den großen Kampfszenen fühlt man sich an das Monumentalkino längst vergangener Zeiten erinnert, denn statt Computerkriegern gibt es hier ein wahrhaft beeindruckendes Aufgebot an Komparsen, die dem Gemetzel zur Authentizität verhelfen. Visuell orientiert man sich dennoch an Hollywood: Statt in einen Historienfilm fühlt man sich in einen Kriegsfilm a la BLACK HAWK DOWN versetzt. Grau- und Brauntöne bestimmen das Bild, der Highspeed-Shutter qualmt förmlich, die Charaktere werden im wahrsten Sinne des Wortes durch den Schmutz gezogen. So wenig originell das auch ist: Es hilft, THE WARLORDS im Kontext des Kriegsfilms zu sehen, anstatt ihn mit asiatischen Heldenepen zu vergleichen. Wenn sich die Akteure während der Belagerung von Souzhou jahrelang in schlammigen Schützengräben verschanzen müssen, kann unser Bildgedächtnis das nur mit Kubricks PATHS OF GLORY in Verbindung bringen. Dennoch muss THE WARLORDS als Antikriegsfilm versagen: Das streckenweise im Übermaß ausgegossene Pathos passt einfach nicht zum Rest des Films, wirkt befremdlich ob der geschilderten Vorgänge. Damit und mit seiner utilitaristischen Philosophie sorgt THE WARLORDS für einiges Stirnrunzeln: Wo Zhang Yimou sich der Kritik an HERO noch entziehen konnte, bietet Peter Chan die breite Brust an. Es ist nicht ganz klar, was er mit seiner Geschichte eigentlich aussagen möchte, sein Film wirkt für europäische Augen unreflektiert und fragwürdig. Und vor diesem Hintergrund muss einem auch der betriebene Aufwand letztlich sehr verdächtig vorkommen.

Mirrors (USA/Rumänien 2008 )
Regie: Alexandre Aja

Ben Carson (Kiefer Sutherland) tut alles, um wieder ein normales Mitglied der Gesellschaft zu werden: Nachdem der Ex-Cop einen Unschuldigen erschossen hatte, wurde er suspendiert, verfiel dem Alkohol und verlor auch seine Familie, die er nun zurückzuerobern versucht. Dazu hat er einen neuen Job angenommen: Als Nachtwächter soll er ein altes, ausgebranntes Kaufhaus bewachen. Doch in den Spiegeln, die dort überall hängen, scheint sich ein böser Geist zu verstecken, der bald nicht nur Bens Leben, sondern auch das seiner Familie bedroht …

Nach dem südkoreanischen INTO THE MIRROR drehte Horrorhoffnung Aja diesen Film, der leider als Prototyp des generischen Horrorfilms ohne jeden Mehrwert angesehen werden muss. Es ist die Schlampigkeit des Drehbuchs, die MIRRORS den Gnadenstoß verpasst: Neben den vollkommen ausgereizten Standard-Plotelementen Alkoholsucht und Familienprobleme ist es vor allem die unzureichende und inkohärente Definierung der titelgebenden Bedrohung, die MIRRORS des möglichen Erfolgs beraubt. So sieht man sich einer filmischen Wundertüte ausgesetzt, die ihre Regeln aufstellt, wie es ihr beliebt, ohne dabei irgendeiner nachvollziehbaren Logik zu folgen. Und weil auch wirklich gruselige Momente Mangelware bleiben, man stattdessen eine langweilige Ermittlungsgeschichte aufgetischt bekommt, in deren Verlauf sich Sutherland geriert wie sein alter ego Jack Bauer, darf man MIRRORS am Schluss Versagen auf ganzer Linie attestieren. Zum Vergessen.

Ein Podcast zum Film findet sich hier.