Mit ‘Martial Arts’ getaggte Beiträge

Der Brite French (Scott Adkins) betreibt ein erfolgloses Dojo in Los Angeles und wird von argen Geldsorgen geplagt. Sein Freund Alex (Michael Paré) stellt für ihn den Kontakt zu Tommy (Vladimir Kulich) her, einem Kredithai, der immer auf der Suche nach zuverlässigen Schuldeneintreibern ist. French wird dem Säufer Sue (Costas Mandylor) zugewiesen, der den Job schon seit vielen Jahren ausübt. Gemeinsam gehen die beiden auf Tour. Einer der Männer, den sie auf Geheiß des Gangsters Barbosa (Tony Todd) verprügeln sollen, entpuppt sich als unschuldiger Pechvogel und Vater eines kleinen Mädchens …

THE DEBT COLLECTOR ist eine echte Überraschung: Jesse V. Johnson, sonst eher Spezialist für kleine DTV-Actioner, die für den kleinen Appetit auf Gewalt und ohne Anspruch auf Nachhaltigkeit gefertigt werden, legt mit diesem Crimedrama ein kleines Masterpiece im Stile des Indiekinos der Neunzigerjahre vor. Tatsächlich erinnert der Film inhaltlich und stilistisch etwas an die Legionen von Profiteuren des Tarantino-Booms, die ab Mitte der Neunzigerjahre aus dem Boden schossen und die geneigten Zuschauer mit coolen Killern und Crimelords konfrontierten, die sich wahlweise mit Kugeln oder zitatreichen Dialogen duellierten. Wer jetzt das Gesicht verzieht, dem sei gesagt, dass Johnson die extremen Auswüchse des damaligen Trends glücklicherweise vermeidet und seine Geschichte auch nicht in einer Welt ansiedelt, die ausschließlich aus popkulturellen Verweisen konstruiert wurde. THE DEBT COLLECTOR handelt – sofern man das von einem Genrefilm sagen kann, in dem krachende Fights eines der wichtigsten erzählerischen Mittel sind – durchaus von Menschen und ihren Sorgen und Nöten und er ist nicht bloß stilistische Fingerübung.

THE DEBT COLLETOR weicht seinen beiden Hauptfiguren kaum von der Seite und begleitet sie über weite Strecken als stummer Mitfahrer im Auto bei ihren Touren von Klient zu Klient. Das kann natürlich nur funktionieren, wenn man die Schauspieler an Bord hat, die das Unternehmen tragen. Hier ist es vor allem Costas Mandylor, der eine Leistung für die Ewigkeit bietet: Den in die Jahre gekommenen, abgerissenen Profi, der längst nicht mehr fragt, wem er da die Fresse polieren soll, gibt er mit großer Überzeugungskraft und einer Spielfreude, die sich in kleinen Details entbirgt, die einen Charakter erst authentisch machen. Es macht einfach Spaß, ihn zu beobachten, ihm zuzuhören und seine Manierismen zu studieren. Selbst die klischierte Geschichte von der an Krebs verstorbenen Tochter und der daraufhin gescheiterten Ehe bekommt dank seines Spiels Gewicht. THE DEBT COLLECTOR lebt dann auch zuerst von der Chemie zwischen seinen beiden Hauptakteuren: Adkins kann Mandylor zwar nicht das Wasser reichen, aber er muss das auch nicht, weil er eher die Rolle des „straight man“ übernimmt und in dieser Funktion genau weiß, wann er sich zurücknehmen und dem Partner den Raum überlassen muss. Den Verlauf der Partnerschaft der beiden kennt man aus unzähligen Buddy Movies, aber wenn sich die beiden ungleichen Charaktere hier im Verlauf der nur zwei Tage, an denen der Film spielt, annähern, wirkt das glaubwürdig, weil die beiden ihre Drehbuchskizzen mit Leben erfüllen. Mindestens genauso wichtig ist der Schauplatz: THE DEBT COLLECTOR ist auch ein L.A.-Film und der Erfolg eines solchen steht und fällt natürlich mit den Schauplätzen. Auch hier liefert Johnson, kann auf ein brillantes Location Scouting und tolle Originalschauplätze zurückgreifen. Kameramann Jonathan Hall taucht alles in das ein magisches Licht, das die sommerliche Hitze Kaliforniens ebenso evoziert wie es als Vorbote jener gravierenden Entscheidung wirkt, die die Protagonisten am Ende zu treffen haben.

Wie gesagt: THE DEBT COLLECTOR ist eine tolle Überraschung, ein Actionfilm mit Herz, Geist und Witz, der das oft berechtigte Vorurteil, dass DTV-Actioner ästhetisch eher uninteressant sind, eindrucksvoll widerlegt. Aber die Schublade des Actionfilms ist für Johnsons Werk eigentlich eh zu klein, auch wenn hier überdurchschnittlich oft Maulschellen verteilt werden und die Bloodsquibs platzen. Sein Film hat es verdient, breitere Anerkennung zu erhalten.

SAVAGE DOG bildet den Auftakt zu einer kleinen Scott-Adkins-Reihe, die gleichzeitig auch eine Jesse-V.-Johnson-Reihe ist. Der britische Regisseur, Stuntman und Stunt Coordinator (u. a. TOTAL RECALL, MARS ATTACKS! und  THE AMAZING SPIDER-MAN) drehte seine ersten Filme bereits in den Neunzigern und legte danach in regelmäßigen Abständen nach, aber seit 2017 darf man einen beachtlichen Produktivitätsanstieg verzeichnen: In den fünf Filmen, die er seitdem inszenierte, wirkte Adkins vier Mal mit (der etwas stullig betitelte AVENGEMENT steht bereits in den Startlöchern und ist ebenfalls mit dem englischen Actionstar besetzt). Der erste Titel der Reihe ist SAVAGE DOG und es handelt sich um einen jener DTV-Actioner, die gleichermaßen aufwändig produziert wie konzeptionell unterentwickelt wirken. Er lässt das Potenzial Johnsons zweifelsfrei erkennen, zeichnet sich durch sauber choreografierte und inszenierte Fights und Shootouts aus, verblüfft darüber hinaus mit wenig zurückhaltender Gewaltdarstellung, fliegt aber auch ein bisschen wirkungslos am Betrachter vorbei.

Der Film erzählt von dem nordirischen Soldaten Martin Tillman (Scott Adkins), den es in die Wirren des Indochina-Konflikts verschlagen hat, wo er sich zur Belustigung des Ex-Nazis Steiner (Vladimir Kulich) in brutalen Faustkämpfen behauptet. Als er sich seine Freilassung erkämpft, findet er Unterschlupf in der Dschungelkneipe des Amerikaners Valentine (Keith David), der auch als Voice-over-Erzähler fungiert. Tillman verliebt sich in die schöne Bardame Isabelle (Juju Chan). Doch die alte Bekanntschaft zu Steiner und seinem Killer Rastignac (Marko Zaror) holt ihn ein und am Ende zieht Tillman in die Schlacht, um den Tod seines Freundes und seiner Geliebten zu rächen …

Die Story ist direkt dem „Kleinen Handbuch des Actionfilms“ entnommen und wurde von Johnson ohne großes Schnickschnack oder erzählerische Ambition umgesetzt. Das gewährleistet in Verbindung mit der erwähnten handwerklichen Präzision, dass SAVAGE DOG gut reinläuft und actiongeladene Kurzweil ohne Längen bietet, verhindert aber auch, dass hier irgendetwas echte Spuren hinterlassen würde. Dass die letzten Worte des Films das zuvor Gezeigte zu einer Art Origin Story und somit zum Auftakt für eine ganze Reihe von Abenteuern um Tillman aufblasen, ist angesichts der Beliebigkeit dieser Geschichte schon fast wieder rührend: Es ist schwer, dem Helden des Films irgendwelche unverwechselbaren Eigenschaften abseits seines Namens zuzuordnen, die dafür sorgten, dass man ihn in einem Sequel überhaupt wiedererkennen würde. Aber ich will nicht meckern: Die finale Aufräumaktion Tillmans macht ordentlich Feuer unter dem Arsch, die Effekte sind überwiegend handgemacht, das schmutzigbraune Blut sprudelt literweise und die Abrechnung, die sich Tillman für den fiesen Rastignac ausgedacht hat, lässt auch den abgezocktesten Betrachter schlucken. Die Tötungsszene ist so over the top, dass man meinen könnte, Johnson habe sich damit ein Bisschen für die Beliebigkeit des Vorangegangenen entschuldigen wollen. SAVAGE DOG ist außerdem ein Vertreter jenes kleinen, exklusiven Kreises von Filmen , in denen der Erzähler den Film auch nach seinem Ableben noch weiter begleiten darf (siehe etwa MENACE II SOCIETY). Bei aller Kritik: SAVAGE DOG macht durchaus Laune, aber am besten schaut man ihn, wenn man was richtig Gutes zum Nachlegen hat.

Besser kann man eine Sonntags-Matinee kaum begehen. FRANKENSTEINS KUNG-FU MONSTER, ein taiwanesischer Ableger der japanischen Kamen-Riders-Reihe, dürfte damals in den seligen Siebzigern für tumultartigen Zustände unter seinen kindlichen Zuschauern gesorgt haben und 40 Jahre später funktionierte das auch mit deutlich gesetzteren Herrschaften, die das Mondo Bizarr-Festival frequentieren, noch sehr gut.

Der Film ist aber auch ein Fest: Hyperaktive Asiaten balgen sich in albernen Gummikostümen in einer malerischen Kiesgrube, der Schnitt lässt sie in einer Tour in Zeitlupe durch die Luft fliegen, die „Kung-Fu Monster“ gestikulieren wie in Brand gesetzte Epileptiker und explodieren dann gar, wenn sie hinfallen. Ein böser Chinese mit Bart und güldenem Skorpion-Helm soll für einen von der deutschen Synchro flugs hinzugedichteten „Frankenstein“ die Welt mithilfe von irgendwas erobern und hat dafür seinen Stützpunkt auf einem kleinen Felsbrocken vor der Küste aufgemacht, den man schon von Weitem daran erkennt, dass bewaffnete Dunkelmänner darauf patroullieren, wahrscheinlich um ihn vor Möwen mit Durchfall zu beschützen. Überhaupt die deutsche Synchronisation: Der Film richtet sich ganz zweifellos an Grundschüler, aber die Dialoge suggerieren einen Hochspannungsthriller für Erwachsene. Ein Mysterium, wie die Sprecher diesen Quatsch abliefern konnten, ohne ständig in Lachanfälle auszubrechen. Da waren Überzeugungstäter am Werk oder Künstler, wahrscheinlich sogar beides.

Die Sichtung ist jetzt schon fast eine Woche her, insofern kann ich mich an Details nicht mehr wirklich erinnern, aber FRANKENSTEINS KUNG-FU MONSTER macht einem das eh nicht so leicht: Der Film ist eine 90-minütige Aneinanderreihung von Hochgeschwindigkeits-Kloppereien, die alle ziemlich gleich ablaufen und mangelndes Talent für Choreografie mit allerhöchster Einsatzbereitschaft wettmachen. Irgendwann werden die Superhelden um einen weitere Superhelden ergänzt, aber ansonsten variiert Lin Chung-Kuang sein „Erfolgskonzept“ nur minimal. Und Recht hat er damit! Wenn man eine Kiesgrube hat, Motorräder, geile Kostüme, ein Tampolin und eine Handvoll Knallerbsen, dann braucht es keine überkandidelten Ideen oder avancierte dramaturgische Kniffe. Dann hält man mit der Kamera drauf und sagt nach jedem Take: „Geil, nochmal!“ Wie gut, dass er sich auf seine Crew verlassen konnte. Vor allem die Darsteller leisten „Unmenschliches“, wie Berti Vogts einst sagte, berühren mit den Füße kaum den Boden und Posen bis der Latissimus reißt. Die deutsche Fassung lässt sich nicht lumpen und wiederholt die Motorradszenen, mit denen der Film angefangen hat, am Ende noch einmal in voller Länge. Und warum auch nicht? FRANKENSTEINS KUNG-FU MONSTER ist der Beweis dafür, dass Weniger nicht immer Mehr ist. Mehr ist nämlich manchmal sogar noch mehr als viel und das ist in diesem Fall eine ganze Menge.

Geld und die menschliche Gier danach mag für viele Übel dieser Welt verantwortlich sein, aber ich danke Gott für die unzähligen Irrsinnigkeiten, die Filmproduzenten in ihrer ewigen Mission, Menschen das Geld aus der Tasche zu ziehen, erdacht haben. Das kurzlebige Genre der Bruceploitation – Martial-Arts-Filme mit Bruce-Lee-Imitatoren, die infolge des frühe Todes des Superstars erschienen – ist einer dieser Kuriositäten und BRUCE LEE – SEINE ERBEN NEHMEN RACHE dürfte innerhalb dieses sich durch Dreistig- und Pietätlosigkeit auszeichnenden Genres der dreisteste und pietätloseste sein.

Der Fairness halber muss man erklären, dass die Grenze zwischen den echten Bruce-Lee-Filmen und den dreisten Klonen fließend ist, denn schon der letzte „echte“ Film mit der Martial-Arts-Ikone, Robert Clouses GAME OF DEATH, ist eine Mogelpackung, die allerdings aus der Not geboren war. Der Star verstarb, bevor der Film fertiggestellt war und stellte die Macher vor die Herausforderung, einen Film ohne seinen Hauptdarsteller zu Ende drehen zu müssen In bester Ed-Wood-Manier holte man sich ein Double, das man dann immer so vor der Kamera platzierte, dass der Schwindel nicht allzu offensichtlich war. Den Verrenkungen der Bruceploitation waren damit Tür und Tor geöffnet.

Joseph Kong, mit nicht weniger als acht Bruceploitern sowas wie der ungekrönte König des Genres, macht gar keinen Hehl aus seinem Etikettenschwindel, sondern holt ihn gleich auf die Ebene der Handlung: Nach dem Tod Bruce Lees, der nicht nur ein von den Massen verehrter Filmstar war, sondern darüber hinaus ein Top-Agent des FBI, wird ein schmierig grinsender, vollbärtiger Mad Scientist von einem FBI-Mann mit Topfschnitt damit beauftragt, Bruce-Lee-Klone zu kreieren, die die klaffende Lücke schließen und anschließend einem kriminellen Produzenten drittklassiger Kung-Fu-Filme, der darüber hinaus mit Weltbeherrschungsplänen schwanger geht, das Handwerk legen sollen. Das Klonen vollzieht sich innerhalb der ersten fünf Minuten des Films: Der Doc entnimmt dem toten Bruce Lee eine Spritze („Geben sie mir eine Fünfer-Kanüle!“) und  verfügt wenig später über drei Lookalikes, die er in einem Rollcontainer vor seinen riesgen Senso-Automaten schieben lässt, ihnen ein Nudelsieb mit Antennen auf den Kopf setzt und dann enthemmt an den Knöpfen er technischen Apparatur herumdreht. Fertig! Nach einer Trainingseinheit zum berühmten ROCKY-Score fordert Bolo Yeung zum ersten Kampf heraus („Na ihr zwei Stinkbären, zeigt mal was ihr könnt!“), dann schließt sich eine Keilerei an die nächste, bis man nicht mehr weiß, wo hinten und vorn ist.

Es ist bei asiatischen Filmen, die während der Hochzeit des Eastern- und später während des Videobooms auf den deutschen Markt gespült wurden, generell schwierig zu sagen, wie viel diese mit einem wie ach immer gearteten Original zu tun hatten, und das gilt umso mehr für solche frechen Low-Budget-Vehikel wie dieses. (Die Copy&Paste-Strategie, die ein Godfrey Ho für seine Ninja-Filme bemühte, trieb das dann sogar noch auf die Spitze.) Die Struktur von BRUCE LEE- SEINE ERBEN NEHMEN RACHE ist so chaotisch, seine Handlungsstruktur so episodisch, dass es mehr als wahrscheinlich scheint, dass hier Material aus verschiedenen Filmen zusammengeschnitten wurde: Tatsächlich erzählt der Film drei unverbundene Geschichten mit dem Mad Scientist als Bindeglied, was nahelegt, dass Kong vorhandenes Material um die nachgedrehten Klonszenen verband und neu auswertete. Dem Vergnügen tut das keinen Abbruch, im Gegenteil, es beflügelt erst den Wahnsinn dieses Films. Während er kaleidoskopartig in tausend Richtungen gleichzeitig explodiert, tut er gleichzeitig so, als sei das alles ganz normal. Der dissoziative Effekt ist beachtlich: Der Zuschauer sitzt da mit offenem Mund, unfähig, das Chaos, das sich vor ihm in äußerster Selbstverständlichkeit abspielt, zu begreifen.

Vor Jahren ließ ein böser Kaiser einen ganzen Clan niedermetzeln, weil der sich seinem Willen widersetzt hatte. Nur zwei kleine Mädchen konnten mithilfe eines Shaolin-Mönches fliehen und wurden in deren Obhut natürlich zu unbesiegbaren Kung-Fu-Bienen ausgebildet, damit sie später Rache nehmen können. In der Gegenwart des Films kommt ihnen dabei der starke Ken Teng (Carter Wong) zu Hilfe, um sie im Kampf gegen die Häscher des Kaisers, seine Kung-Fu-Gorillas und langzüngige Zauberer zu unterstützen.

Schon erstaunlich, was für Rumpelbuden-Produktionen es im Zuge des Eastern-Booms auf bundesdeutsche Leinwände schafften. Auch dieser, unter dem ultimativ austauschbaren deutschen Titel DAS TÖDLICHE DUELL DES SHAOLIN in die hiesigen Bahnhofskinos gekommen, ist produktionstechnisch meilenweit von den Glanzlichtern entfernt, die etwa unter dem Siegel der Shaw Brothers entstanden, doch was ihm in punkto inszenatorischer, ausstatterischer oder martialartistischer Hinsicht fehlt, macht er mit depperten und noch dazu unbeholfen umgesetzten Ideen wieder wett. Die Filmgeschichte kennt unzählige „Gorillas“, sprich Menschen in schwarzen Zottelkostümen (seit einiger Zeit gibt es dazu mit „Gorillawood“ von Ingo Strecker sogar ein telefonbuchdickes Nachschlagewerk, das beeindruckende Ergebnis einer immensen, mehrjährigen Recherchearbeit), aber die beiden Exemplare aus diesem Werk schneiden selbst im Vergleich mit Poverty-Row-Produktionen der Dreißigerjahre noch bescheiden ab. Hände und Füße stecken gut sichtbar in separaten Kostümbestandteilen, die Köpfe sind viel zu klein, die Ärsche dafür überdimensional groß. Es ist gewiss schwierig, wenn nicht gar unmöglich, in solcher Verkleidung eine einigermaßen würdevolle Darbietung abzuliefern, doch was die mit dieser undankbaren Aufgabe betrauten Statisten zum Besten geben, legt den Verdacht nahe, dass sie zuvor noch nie einen Menschenaffen gesehen hatten. Die Kämpfe, in die sie verwickelt werden, sind haarsträubende Slapstickeinlagen, umso mehr, als der Kaiser von China (der seltsamerweise in gleich mehreren Szenen auf einer Holzbühne mitten im Nadelwald hockt) sie unablässig als unbezwingbare Killermaschinen anpreist. Sicher, Schwerthiebe prallen an ihren Brustmuskeln ab wie berechtigte Kritik am Ego von Uli Hoeneß, aber dafür sind die Biester ja nicht einmal in der Lage, mit ihren bratpfannengroßen Patschhänden einen Apfel vom Boden aufzuheben. Und dass der „Hinterkopf ihre verwundbare Stelle“ ist, ist ja auch irgendwie ein Hinweis, den es eigentlich nicht braucht, oder? Immerhin führt er zu zwei schönen Blutfontänen am Ende, wenn die Gorillas (bzw. die Statisten) von ihrem würdelosen Dasein befreit werden.

Eine ähnliche Schau ist auch der Magier mit der langen, heraushängenden Zunge, der dann im Finale noch Unterstützung von einem Kollegen erhält, der seinen Lätschen bis dahin im Mund behalten hatte. Da der „Effekt“ auf denkbar einfachste Art und Weise gelöst wurde, nämlich indem man den beiden einfach einen Gummilappen zwischen die Lippen klemmte, sind sie in den entsprechenden Szenen ihrer Sprache beraubt und sehen überdies reichlich verkrampft (und unglücklich) aus. Wer sich für die Bedeutung der langen Zungen in der ostasiatischen Mythologie und dem Geisterglauben interessiert, dem sei an dieser Stelle gesagt, dass sie Kennzeichen der Geister Gehängter sind: Aber inwiefern das mit den beiden Zauberern hier zu tun haben könnte, darüber gibt die Synchro leider keinen Aufschluss. Wie bei den Gorillas lässt die Sparsamkeit der Effekte auch hier leider keine allzu spektakulären Zungenspiele zu: Teilweise müssen die Akteure gar mit ihren Händen nachhelfen, um den Eindruck zu erwecken, die Gummilappen seien beweglich. Dass der Held die Zauberer bezwingt, indem er ihre Zungen aneinander knotet, belegt dann aber, dass die Macher durchaus wussten, welches Absurdion sie hier auf die Leinwand zu bringen im Begriff waren. Wer über den Film lacht, ist also mal wieder im Unrecht.

Wie so viele Billigeastern endet auch dieser hier wieder so abrupt, als sei man eben so mit dem letzten Meter Filmrolle ausgekommen. Eine sehr schöne Eigenheit, die man sich für mehr Filme wünscht, die den richtigen Zeitpunkt zum Aufhören verpassen oder mit furchtbar „runden“ Abschlüssen nerven, in denen noch der letzte unwichtige Handlungsfaden sauber verknotet wird. Wenig ungewöhnlich auch, dass ich den Todesstoß für den Obermotz verpennt habe. Aber egal, die Gorillas und Zungenmagier habe ich ja voll mitbekommen.

 

Es gibt nicht allzu viele wirklich stichhaltige Argumente, aber irgendwie mag ich THE PERFECT WEAPON, mochte ihn auch schon damals, obwohl die 18er-Freigabe Dinge versprach, die der Film dann nicht einhalten konnte oder wollte. Ich kann mir nicht helfen, aber ich habe einfach ein Faible für diese unterambitionierten Videofilme, die aus unerfindlichen Gründen auf der großen Leinwand landen, in einem akuten (und sympathischen) Anfall von mangelndem Urteilsvermögen der sonst alle Register der Markt- und Zielgruppenforschung ziehenden und sich damit vor knallenden Flops absichernden Studios. Möglicherweise glaubte man bei Paramount tatsächlich, mit Speakman einen neuen Seagal an der Angel zu haben: Anders lässt sich die Tatsache, dass sie diesem in Martial-Arts-Kreisen zwar respektierten, aber dennoch eher persönlichkeitsarmen Langweiler mit einem Multi-Film-Deal ausstatteten (der dann aber nach dem nur mäßigen Abschneiden von THE PERFECT WEAPON schnell platzte wie eine Seifenblase). Nicht falsch verstehen: Speakman macht seine Sache schon ganz ordentlich, schauspielerisch wahrscheinlich sogar besser als so mancher Kollege, aber er bringt nur wenig jener unverwechselbaren Eigenschaften mit, die ein Actionheld nun einmal braucht. Auch der Film, den man um ihn herum gebaut hat, ist auffallend unauffällig: eine Heimkehrer-und-Rache-Geschichte, wie man sie in diesem Genre schon tausend Mal gesehen hat, meist sogar mit spektakuläreren Fights, halsbrecherischeren Stunts, fieseren Brutalitäten, hassenswerteren Schurken und überlebensgrößeren Helden. Was THE PERFECT WEAPON seinen billigen Brüdern im Geiste voraus hat, ist sein überaus gediegener Studio-Look: Die Paramount-Backlots wurden voll ausgenutzt und verleihen dem Film eine leicht künstliche, mitunter märchenhafte, mithin eben echte Hollywood-Anmutung, die nur wenig später ausschließlich den wirklich großen Blockbustern vorbehalten war.

Regisseur Mark DiSalles claim to fame ist der deutlich bekanntere und beliebtere KICKBOXER, der nicht nur Jean Claude van Damme in der Hauptrolle, sondern mit dem fiesen Tong Po (Michael Qissi) auch einen wirklich legendären Schurken des Prügelfilms aufbietet (vor kurzem gab es ein Remake). Da kann THE PERFECT WEAPON nicht mithalten, auch wenn er sich anstrengt und neben Professor Toru Tanaka auch noch Cary Hiroyuki-Tagawa als Bösewicht aufbietet. Wahrscheinlich wird man ihn aber vor allem wegen der Verwendung von Snap!’s Megahit „The Power“ in Erinnerung behalten, der gleich zu Beginn eine Solo-Kenpo-Darbietung von Schwarzgurt Speakman untermalt. Sekunden später wird sein Held Jeff Sanders am Telefon mit einem Überfall auf seinen väterlichen Freund Kim (Mako) konfrontiert, dem er dann kurz entschlossen zu Hilfe eilt. Anstatt weiter auf die Tube zu drücken, bremst DiSalle das Tempo unerklärlicherweise und baut eine ellenlange, mehrteilige Rückblende ein, die uns erklärt, wie Jeff einst von Kim in die Kenpo-Schule von Meister Lo (Seth Sakai) gebracht wurde, wie er anschließend die Kampfkunst lernte und dann denn Sündenfall erlebte, als er einen fiesen Schulbully krankenhausreif schlug. Hier liegt dann auch der Quell für einen in der Gegenwart des Films immer noch schwelenden Konflikt mit Jeffs strengem Armypapa und seinem jüngerem Bruder, dem er damals zur Hilfe eilte. Zurück in der Heimat gilt es also nicht nur, die fiesen koreanischen Gangster zu vertreiben, die Kim erst belästigen, dann töten, sondern auch mit sich und seiner Familie ins Reine zu kommen. Kennt man schon? Ja, stimmt, macht aber nix.

Diese Zeit, die Jahrgänge ’91/’92 markierten für das Actionkino einen Übergang. Es war die letzte Phase, in der die Studios uns darbende Actionfans mit diesen (mittel)groß produzierten Kloppern verwöhnten, wie wir sie in den Achtzigern lieben gelernt hatten. Wenig später verlagerte sich dieser ganze Bereich dann auf den Videomarkt, während sich der Actionfim zum familientauglichen Eventfilm mit immer weiter aufgeblasenen Budgets entwickelte (witzigerweise basiert Jan De Bonts SPEED – einer der größten Action-Kassenschlager der mittleren Neunziger – auf einem Script, das ursprünglich für Speakman gedacht war). OUT FOR JUSTICE, MARKED FOR DEATH, SHOWDOWN IN LITTLE TOKYO, PASSENGER 57, STONE COLD, A.W.O.L., MCBAIN, DOUBLE IMPACT: Hier war die Welt noch in Ordnung. THE PERFECT WEAPON kann mit diesen Titeln nicht ganz mithalten, aber er ist dennoch aus demselben Holz geschnitzt. Ein Relikt der Achtziger, das sich in die Neunziger verirrt hatte. Ich liebe einfach diese Brüche in der Filmgeschichte, diese Umbruchsmomente zwischen den großen Phasen, in deren Schwerelosigkeit plötzlich Dinge entstehen, die sich später kaum mehr einorden lassen. Jeff Speakman ist in dieser Geschichte so etwas wie ein tragischer Held: Wäre THE PERFECT WEAPON nur ein paar Jahre früher entstanden, hätte er vielleicht tatsächlich eine lukrative Karriere als Actionheld erleben dürfen, so hatte die Paramount aber nach nur einem Film keine Verwendung mehr für ihn und er verabschiedete sich nach dem noch mit einem limitierten Release bedachten STREET KNIGHT schnell in den DTV-und Pay-TV-Bereich, ohne dort jedoch den Kultstatus zu erreichen, den sich dort so mancher Martial Artist erarbeitete. Hier im Blog kann man immerhin noch etwas über DEADLY OUTBREAK lesen.

 

Jeff Wincott (mit zurückgeslickten Haaren und knöchellangem Mantel) ist der Polizist Sean Thompson: Nachdem er zu Beginn als Penner getarnt einen Waffenhandel platzen lässt – gemeinsam mit Kollegin Billie Blake (Cynthia Rothrock) -, wird er zum Detective befördert und in das Revier von Captain Krantz (Billy Drago) versetzt. Hier trifft er einen alten Akademie-Kumpel wieder, der wenig später in einem anscheinend selbstverursachten Autounfall verunglückt. Thompson glaubt natürlich nicht an einen Unglücksfall und beginnt zu ermitteln: Er kommt dem schurkischen Unternehmer Hamilton (Paul Johansson) auf die Schliche: Er hat eine Menge Dreck am Stecken, schmiert die Polizei, treibt Frauen in die Prostitution, betreibt MMA-Fights im Hinterzimmer seiner Bar und ist auch sonst ein echtes Arschloch …

Typische DTV-Kickbox-Action aus den frühen Neunzigern, genauso gut oder schlecht wie die meisten anderen Titel aus jener Zeit auch, idealer Stoff für einen lauen Videoabend also, bei dem man am besten einen ganzen Stapel solcher Hobel zur Verfügung hat und dann wechseln kann, wenn man Abwechslung braucht. MARTIAL LAW II ist sauber produziert, hat mit Wincott und Rothrock zwei Hauptdarsteller, bei denen es zu den ganz großen Weihen nicht gereicht hat, die aber doch sympathisch rüberkommen und ihre Fights adäquat absolvieren. Es gibt deutlich miesere Titel in diesem Segment, aber für die Spitze reicht es auch nicht.

Das Manko, das die meisten dieser mittelguten Actiongülle-Dinger mit sich bringen: Actiontechnisch geht tatsächlich eher wenig. Auch wenn sich die Figuren alle zehn Minuten mit Roundhouse-Kicks die Fresse polieren, richtig spektakulär oder gar spannend ist das selten. Das hat zum einen damit zu tun, dass diese Filme meist ultragenerisch sind, man immer weiß, was als nächstes kommt und erst gar keine Überraschungen versucht werden, zum anderen aber auch damit, dass die Inszenierung eher vom Typ „Ärmel hoch und in die Hände gespuckt“ ist. Kamera aufgestellt und drauf losgefilmt, echte Finessen oder gefährliche Stunts stellten wahrscheinlich ein zu großes Risiko dar. Das manische Geprügel – jede Kneipenschlägerei artet immer gleich zum MMA-Spektakel aus – ist auf Dauer eher ermüdend und führt zu nichts. Es ist eine richtiggehde Wohltat, wenn im Finale, das natürlich in einer Fabrik mit den obligatorischen Rohren, von der Decke hängenden Ketten, Treppen und Metallstegen stattfindet, endlich mal die Pumpgun ausepackt und für blutige Einschüsse verwendet wird. MARTIAL LAW II: UNDERCOVER ist OK, amüsant vor allem, wenn man sich an den ewig gleichen Klischees erfreuen kann, mehr aber auch nicht.