Mit ‘Peter Yates’ getaggte Beiträge

Ein Fest! Hinter dem grausam generischen deutschen Titel VIER SCHRÄGE VÖGEL verbirgt sich eine wunderbare, dazu sehr originelle und herrlich trockene Gaunerkomödie mit fantastisch aufgelegten Darstellern und einer ultrapräzisen Regie, die man von Yates nach BULLITT erwarten konnte. Für den Regisseur stellte THE HOT ROCK eine Rückkehr zum Sujet von ROBBERY dar, dem britischen Film, dem er sein US-Debüt verdankte. Er ließ den nicht minder brillanten, aber tonal völlig anders gelagerten THE FRIENDS OF EDDIE COYLE folgen.

Kaum aus dem Knast, wird der Berufsverbrecher Dortmunder (Robert Redford) von seinem Schwager und ehemaligem Partner Kelp (George Segal) abgeholt – in einem geklauten Auto natürlich. Eigentlich will sich Dormunder fortan als Klempner verdingen, aber das Angebot Kelps bei einem neuen Ding mitzumachen, kann er dann doch nicht abschlagen: Für den afrikanischen Politiker Amusa (Moses Gunn) sollen sie einen in seinem Heimatland ideologisch aufgeladenen Diamanten aus dem Brooklyn Museum entwenden. Der Raub gelingt nur halb: Zwar können Dortmunder, Kelp und ihr Fahrer Murch (Ron Leibman) entkommen, aber ihr Partner Greenberg (Paul Sand) wird festgesetzt und ist dazu gezwungen, den eben entwendeten Edelstein zu schlucken. Es steht also die Aufgabe an, ihn aus dem Gefängnis zu befreien, um an die Beute zu kommen …

Der Film bringt zwei eigentlich unvereinbare Aspekte des Heist- und Gangsterfilm auf geniale Art zusammen: das eiskalte Profitum und die Freude über wie eine geölte Maschine ablaufende Pläne einerseits, die Unzuverlässigkeit des Menschen und die damit einhergehende schicksalhafte Verkettung von Pannen andererseits. Für ersteres ist vor allem Robert Redford zuständig: Es werden gemessen an seinem einstigen Status ja nur selten Hohelieder auf ihn angestimmt, sein gutes Aussehen wird immer ein wenig gegen ihn verwendet, als hätte er dafür etwas gekonnt, aber den coolen, intelligenten und abgebrühten badass hatte er mindestens genauso gut drauf wie seine damaligen Konkurrenten McQueen, Eastwood und Bronson. Er verkauft seinen Monolog zu Beginn des Films, wenn er seinem etwas gutgläubigen Schwager innerhalb weniger genau auf den Punkt formulierter Sätze den gesamten Coup darlegt, sodass der kaum mitkommt, wie der Profi, den er da spielt, und bleibt auch sonst der ruhende Pol, der die dringend benötigte Erdung für den Film bedeutet. Seine Coolness strahlt auch auf die anderen ab: Man könnte das Drehbuch von THE HOT ROCK, der die Protagonisten zu immer neuen Coups zwingt, als albern bezeichnen und sich leicht eine Slapstickvariante im Stile von Kramers IT’S A MAD, MAD, MAD, MAD WORLD vorstellen: Aber der Film wird bei aller Komik nie völlig absurd, sondern bleibt tonal immer der Realität verpflichtet. Es ist denkbar, dass alles genauso passiert und die „vier schrägen Vögel“ sind echten Berufsverbrechern wahrscheinlich ähnlicher als die eiskalten Supertypen, die einem sonst in Filmen vorgesetzt werden. Klar, man hat es hier mit einer ziemlich skurrilen Häufung von Pannen zu tun, aber jede für sich scheint durchaus glaubwürdig; wie auch die Tatsache, dass die Kumpels immer wieder durchkommen. Die Staatsbeamten sind schließlich auch nur Menschen.

Diese Konstellation aus sympathischen, galubwürdigen Charakteren und einem cleveren, pointierten Drehbuch allein macht THE HOT ROCK schon zu einem Vergnügen, aber Yates gelingen dann auch immer wieder kleinere Kniffe, die ihm auch noch den letzten Kick geben: Wer sich auch schon immer gefragt hat, warum Todesdrohungen in Filmen immer wieder Wirkung zeigen, warum die so in die Ecke Gedrängten nie deren tatsächliche Umsetzung infrage stellen, auch wenn es doch durchaus Anlass dazu gibt, der findet hier eine Szene, die genau dies aufgreift. „You don’t have it in you“, sagt der betrügerische Anwalt Abe Greenberg (Zero Mostel) nur, die Drohungen der Helden damit ins Leere laufen lassend. Und er hat Recht, was auch der sonst so coole Dortmunder einfach eingestehen muss, als er sich niedergeschlagen abwendet. Wie sich die Szene im weiteren Verlauf dann abspielt, möchte ich nicht vorwegnehmen, aber es folgt einer der Momente, die den Film für mich auszeichnen: Immer, wenn man denkt, THE HOT ROCK sei am Gipfel angelangt oder habe den Bogen gar überspannt, überrascht er einen aufs Neue. Der komische Höhepunkt ist sicher die Inszenierung eines Riots in einem kleinen Polizeirevier, die den befehlshabenden Beamten zu patriotischen Reden veranlasst. „I’m not gonna be the first police officer to lose his precinct!“ Und wenn am Ende auch noch eine Hypnotiseurin sowie die Zauberformel „Afghanistan, Bananistan“ ins Spiel kommen, kann Yates längst einen echten Kantersieg verzeichnen. Super!

 

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krull-1983-originalDie späten Siebziger- und frühen Achtzigerjahre sahen eine ganze Flut mehr oder weniger märchenhafter, effektlastiger und gnadenlos eskapistischer Fantasy- und Science-Fiction-Filme von aufwändigen Blockbuster-Kandidaten aus den USA bis zu ultrabilligen Rip-offs aus Europa. Diese Welle auf eine Initialzündung zurückzuführen, ist aber gar nicht so einfach, wie man gut an KRULL ablesen kann, der zahlreiche Quellen erkennen lässt. STAR WARS dürfte der Ursprung sein, in dessen Gefolge dann Filme wie BATTLESTAR GALACTICA, FLASH GORDON, CONAN THE BARBARIAN, DRAGONSLAYER, RED SONJA, THE DARK CRYSTAL und THE NEVERENDING STORY überhaupt erst möglich wurden, sich die sogenannte Space Opera, der Fantasy- und der Barbarenfilm als eigenständige Genres bzw. Subgenres herauskristallisierten. KRULL, das monierten die Kritiker damals schon, bediente sich bei ihnen allen, kam aber in äußerst edlem Gewand daher. Was dann auch das Problem ist, das ich mit diesem Film hatte.

Die mittelalterlich anmutende Märchenwelt Krull wird aus buchstäblich heitrem Himmel von außerirdischen Invasoren namens „Slayers“ angegriffen. Um den Eindringlingen, deren Stützpunkt eine riesige schwarze Festung ist, die sich in regelmäßigen Abständen an immer neuen Standorten materialisiert, Einhalt zu gebieten, schließen sich die verfeindeten Königreiche Krulls zusammen. Die Heirat des Königssohnes Colwyn (Ken Marshall) und der Prinzessin Lyssa (Lysette Athony) soll ihre neue Allianz festigen. Doch just zum Zeitpunkt der Hochzeit schlagen die Slayers zu und entführen Lyssa. Colwyn macht sich auf den Weg, sie zu befreien und muss dabei – wie es in diesem Genre so üblich ist – viele Gefahren überstehen und Kameradschaften schließen.
KRULL ist inhaltlich genauso derivativ, wie es sich in dieser kurzen Inhaltsangabe liest. In einer flotten Abfolge kurzer Episoden trifft Colwyn auf Gegner, die es zu besiegen oder auf die eigene Seite zu ziehen gilt, auf Hindernisse, die überwunden werden, Kämpfe, die gewonnen werden wollen. Jede dieser Episoden ist dabei an ein anderes, meist mit großem Aufwand der Kulissenbauer gefertigtes Setting oder eindrucksvolle Landschaftsaufnahmen geknüpft. Colwyn trifft in einem Wald auf den tolpatschigen Zauberer Ergo (David Battley), der sich ständig selbst verzaubert, und einen Zyklopen (Bernard Bresslaw). In einer Schlucht gerät er mit seinen Kameraden in den Hinterhalt von Räubern (darunter Liam Neeson und Robbie Coltrane), die er jedoch auf seine Seite ziehen kann. In einem tückischen Sumpf wird ein Seher aufgesucht, und um den Standort der Festung zu erfahren, muss die „Widow of the Web“ (Francesca Annis) aufgesucht werden, die im Inneren eines Berges in einem Spinnennetz residiert. Was KRULL von vergleichbaren Filmen unterscheidet, sind die überaus gediegene und geschmackssichere Inszenierung, für die kein Geringerer als Peter Yates, als Regisseur von BULLITT immerhin ein wichtiger Erneuerer des Polizei- und Actionfilms, verantwortlich zeichnete. Auch heute noch halten die meisten Spezialeffekte stand, während manch anderer Film dieser Zeit bei heutiger Betrachtung gegenüber damals einige Federn lassen muss.

Aber wie oben schon vorausgeschickt, ist diese Gediegenheit auch das Manko von KRULL, der für den Camp Appeal, den solche Filme brauchen, einfach zu sauber, professionell und glatt daherkommt, für ein „ernstzunehmendes“ Werk, das die Konventionen des Genres transzendiert – wie das etwa Rob Reiners THE PRINCESS BRIDE tut – wiederum konzeptionell zu dünn, zu wenig an echten Innovationen interessiert, zu überzeugt davon, dass seine Geschichte allein das Interesse des Betrachters wachhält. Doch dafür fehlt es KRULL einfach an Spezifizität. Man hat das alles irgendwo anders schon einmal gesehen (zumindest heute) und die Charaktere, die den Film tragen sollten, bleiben blass und uninteressant. Bei einer Spielzeit von zwei Stunden nützen dann auch das hohe Tempo und die opulente visuelle Gestaltung nichts, es hält die Langeweile Einzug.

Aber ich bin mir sicher, dass das alles anders wäre, hätte ich KRULL vor 25, 30 Jahren gesehen. Da hätte er mich sehr wahrscheinlich umgehauen, ich hätte ihn mir dutzende Male angeschaut und würde bei heutiger Betrachtung einem wohlig-warmen Nostalgieschub unterliegen. Insofern hege ich keinen Groll gegen den Film, der schon irgendwie sympathisch ist, für mich aber einfach zu spät kommt.

 

 

 

Das ikonische Posterartwork repräsentiert den Film ebenso adäquat, wie es McQueens Bedeutung für seinen immensen Erfolg herausstreicht. Mit BULLITT stieg der Schauspieler endgültig in die Riege der Megastars und Popikonen auf. Der Film stellte den Gipfelpunkt einer knapp zehnjährigen Entwicklung da, war für McQueen der fünfte Hit in Folge und übertraf seine Vorgänger – THE CINCINNATI KID, NEVADA SMITH, THE SAND PEBBLES, THE THOMAS CROWN AFFAIR – dabei noch einmal um Längen. McQueens Filmpersona, zumindest jene, mit der man ihn heute weitestgehend assoziiert, als den ultracoolen, völlig ungerührten Professional, der sich durch nichts aus der Ruhe bringen lässt und sein eigenes Ding mit äußerster Konzentration und Sicherheit durchzieht, wird in BULLITT auf ihre kristalline Essenz heruntergekocht. McQueen errichtete sich mit seiner Interpretation eines Cops aber nicht nur selbst ein Denkmal, er prägte auch die Art und Weise, wie Leinwandpolizisten in den kommenden Jahrzehnten dargestellt werden sollten. Die Zeit der zuvor immer eher bieder, spießig und unsexy daherkommenden Polizisten mit Hut, grauem Anzug und Notizblock war danach endgültig vorbei, der Weg für die Dirty Harrys dieser Welt endgültig frei. Genauso einflussreich war die berühmte Verfolgungsjagd, die fester Bestandteil der Filmgeschichte wurde und den Appeal seines Stars in knapp zehn Minuten auf den Punkt brachte. Als ein Autohersteller McQueen rund 40 Jahre später per Computertechnologie für einen Werbespot wiederbelebte, erzielte er damit Verkaufsrekorde. (Dabei hatte der passionierte Rennfahrer entgegen der landläufigen Meinung NICHT selbst am Steuer des Ford Mustangs gesessen, sondern sich – mit einigem Widerwillen – doublen lassen.) McQueen ist so symbiotisch mit BULLITT verbunden, dass man kaum glauben mag, dass er den Film ursprünglich gar nicht machen wollte. Einen Cop zu spielen, schien ihm geradezu als Verrat an seiner Vergangenheit, in der er mehr als einmal mit dem Gesetz in Konflikt geraten war, und an seinen jugendlichen Fans. Bis zu seinem Tod stand McQueen in engem Kontakt zur Boys Republic, einer Erziehungsanstalt für straffällig gewordene Jugendliche, in der er selbst einige Jahre seines Lebens verbracht hatte. Er fungierte dort als eine Art Schutzpatron und Rollenvorbild für die einsitzenden Jungs, die er regelmäßig besuchte: Wie konnte er ihnen als „Bulle“ gegenübertreten? Ein anderes Problem: Kaum jemand, der das Drehbuch gelesen hatte, konnte seiner Handlung folgen. Ein durchaus gewollter Schachzug von Autor Alan Trustman, der sein Script bewusst so konstruiert hatte, dass der Zuschauer sich keinerlei Unaufmerksamkeiten erlauben durfte, wollte er nicht den Anschluss verlieren. Letzten Endes ließ sich McQueen nicht zuletzt durch seine damalige Gattin Neile überzeugen, die der Auffassung war, dass allein der Titel die Menschen in Scharen in die Kinos locken würde. Sie sollte Recht behalten.

Das Ausmaß des Erfolges von BULLITT ist heute nicht mehr unmittelbar nachzuvollziehen. Yates‘ Film ist jeden überflüssigen Zierrats entledigt, eine makellos designte Maschine, ohne die heute so üblichen Zugeständnisse an den Publikumsgeschmack, stattdessen ebenso knochentrocken und hochkonzentriert wie sein Protagonist. Die berühmte Verfolgungsjagd ist ein gutes Beispiel dafür: Im Vordergrund von Yates‘ Inszenierung steht nicht so sehr der Geschwindigkeitsrausch, es gibt auch keine selbstzweckhaften Massenkarambolagen oder übertriebene Stunts, sondern die äußerste Entschlossenheit und das Fahrtalent Bullitts. Lalo Schrifrins Score setzt irgendwann einfach aus und die ganze Sequenz wird nur noch untermalt von den Motorengeräuschen, dem Quietschen der Reifen und dem Scheppern von Blech. Dieses Stilmittel zieht Yates auch während des Showdowns auf dem Flughafen durch, wo ebenfalls keine zusätzlich dramatisierende Musik das Geschehen untermalt. Authentizität war das Stichwort. BULLITT ist von slickem Understatement geprägt, dem filmischen Äquivalent zu Bullitts schwarzem Rollkragenpullover. Der Thrill resultiert nicht aus der Over-the-Topness des Actionfilms, sondern aus der äußersten Konsequenz, mit der Bullitt seine Ermittlungen vollzieht und der Film voranschreitet. Dieser Frank Bullitt ist auch so ein Sonderfall. Er profitierte ganz gewiss von der Ähnlichkeit zu einem berühmten, bei Männern wie Frauen gleichermaßen beliebten Filmstar, dennoch wird er dem Zuschauer weder als Sexsymbol noch als Superheld angedient. Bei seinem ersten Auftritt wird er von seinem Kollegen Delgetti (Don Gordon) aus dem Schlaf geweckt und sitzt in seinem knittrigen Pyjama erst einmal so da, während er sich mit dem Tauchsieder einen Instantkaffee auf dem Nachttisch heiß macht: Nicht unbedingt ein glamouröser Auftritt, aber einer der die Fallhöhe des Films bestimmt. Dieser Bullitt ist kein Superheld, sondern ein Mensch aus Fleisch und Blut, aber einer, der verdammt gut ist in seinem Job. Das Duell zwischen ihm und dem schmierigen Chalmers (Robert Vaughn) spielt sich auf rein verbaler Ebene ab, aber es ist eines der dramatischsten des Copfilms, weil die Kälte zwischen beiden greifbar ist und jedes der wenigen zwischen ihnen gesprochenen Worte für ganze Enzyklopädien voller Invektive steht.

BULLITT ist ein Meisterwerk, das diesen Status nicht telegrafieren muss. Wie Bullitt haben die Beteiligten einfach nur ihren Job gemacht.

 

 

 

Eddie „Fingers“ Coyle (Robert Mitchum) ist ein wiseguy, ein alter Hase im Geschäft des organisierten Verbrechens, aber einer, dem der große Wurf nie gelungen ist; kein Boss, keine Legende, nur ein Fußsoldat, der vom Glanz und Glamour nie etwas abbekommen hat und der nun einem unrühmlichen Ende seiner kriminellen Karriere entgegensieht: Einem dummen Fehler hat er es zu verdanken, dass er auf seine alten Tage noch einmal in den Knast wandern könnte, was er auf jeden Fall vermeiden möchte. Gemeinsam mit seiner pummeligen Frau, mit der er ein rührend durchschnittliches Leben führt, möchte er sich viel lieber in Miami zur Ruhe setzen. Ein letztes krummes Ding – er vertickt Schusswaffen an seinen alten Kumpel Jimmy Scalise (Alex Rocco), der damit eine Reihe von Banküberfällen begeht, an deren Ertrag er Eddie beteiligt – soll ihm das nötige Kleingeld einbringen.

Aber auf dem Weg dorthin gibt es einige Hindernisse zu überwinden: Der junge Jackie (Steven Keats), von dem Eddie die Waffen kauft, ist selbst in den Blick des FBI geraten, und der Beamte Dave Foley (Richard Jordan), den Eddie hin und wieder mit Informationen versorgt, versucht nur halbherzig, Eddie als Gegenleistung von seiner anstehenden Haftstrafe zu befreien. Eddies einzige Chance ist es, ihm einen dicken Fisch zu liefern. Doch zur Ratte, die Freunde verrät, taugt Eddie nicht. Aber da ist noch eine andere Person im Bunde, die ein Doppelspiel spielt …

Die Klarheit, durch die sich BULLITT auszeichnete, ist hier nur noch im Blick des Regisseurs Yates wiederzufinden, aber der richtet sich auf eine Welt, in der jeder einer verdeckten Agenda nachgeht, keiner das ist, was er zu sein vorgibt, und Loyalität und Ehrlichkeit nichts mehr sind als Masken, die man aufsetzt, wenn es die Situation erfordert, und wegwirft, wenn die Zeit gekommen ist. Das war auch in BULLITT schon ähnlich, aber da gab es eben noch den Titelhelden, der mit seinem stählernen Blick in der Lage war, durch den bullshit hindurchzublicken und zumindest vorübergehend klare Verhältnisse zu schaffen.

In THE FRIENDS OF EDDIE COYLE ist das anders: Hier glaubt jeder nur noch, Herr der Lage zu sein, doch was tatsächlich abgeht, entzieht sich dem Verständnis fast aller Protagonisten. Das ist wohl der größte Unterschied zu BULLITT: Wo jener einen souveränen Protagonisten vorzuweisen hatte, der die Herrschaft über den Film schon im Titel übernahm, da gibt es nun gar keinen Protagonisten mehr. Es gibt nur noch die Freunde von Eddie Coyle – und die meisten dieser Freunde sind gar keine. Und mit dieser Pluralität franst auch Yates‘ Film in ein Kaleidoskop verschiedener Geschichte verschiedener Figuren aus, anstatt einer Person und einem Weg zu folgen. THE FRIENDS OF EDDIE COYLE: Mit der Art, wie der Titel des Films einen Protagonisten benennt, diesen aber gleichzeitig zum Objekt degradiert, macht er seine Marschroute sehr deutlich. Eddie Coyle steht zwar im Fokus des Films, er ist sein Zentrum, aber er ist niemals dessen Subjekt. Das lässt sich schon an der Filmzeit ablesen, die Yates ihm zugesteht und die recht paritätisch auf alle Figuren des Films verteilt ist, aber auch daran, dass Eddie, der doch nach erzählerischer Konvention derjenige sein sollte, der das Geschehen lenkt, vielmehr derjenige ist, dem das Geschehen wiederfährt.

Der Pessimismus und die Resignation, die in BULLITT noch schwebende Zustände waren, sich noch nicht mit aller Bleischwere auf ihre Figuren gelegt hatten, ist in THE FRIENDS OF EDDIE COYLE nun nicht mehr länger zu leugnen. Die Zeit der großen Coups, der ehrlichen Ganoven und der honor among thieves, ja überhaupt des Glaubens daran, die Dinge überblicken und zu seinen Gunsten beeinflussen, wenn nicht gar lenken zu können, ist endgültig vorbei und Eddie, der in einem anderen Film zu einer anderen Zeit noch ein Held hätte sein dürfen, ist hier letztlich nur ein Ritter von der traurigen Gestalt. Sein Ende ist jämmerlich und traurig zugleich: Aber wenigstens wird ihm diese Tatsache immer verborgen bleiben. Eine größere Belohnung hält das Leben nicht mehr bereit.

bullitt (peter yates, usa 1968)

Veröffentlicht: Februar 4, 2010 in Film
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Vom schmierigen Politiker Chalmers (Robert Vaughn) erhält der Polizist Bullitt (Steve McQueen) die Aufgabe, den Mafiagangster John Ross zu bewachen. Dieser soll in wenigen Tagen nämlich als Kronzeuge dabei helfen, dem organisierten Verbrechen eine herbe Niederlage einzubringen. Doch dazu kommt es nicht: Killer dringen in das von Bullitss Männern bewachte Zimmer ein und bringen Ross um. Bullitt setzt alles daran, den Drahtzieher zu finden …

Wenn es um BULLITT geht, reden alle von der großen Verfolgungsjagd im Zentrum des Films, ganz so, als sei sie das einzig Spektakuläre an ihm. Dabei verdichtet sich in ihr doch nur besonders eindrücklich, was den ganzen Film als solchen auszeichnet. BULLITT ist trotz der labyrinthischen Verwicklungen des Plots geradezu kristallin und in seiner Inszenierung glasklar – ganz wie seine Hauptfigur, der scharfsinnige, fest entschlossene und zielsichere Bullitt. Yates hat eine Film gedreht, der fast keine Geheimnisse vor seinem Zuschauer hat und gerade deshalb so aufregend ist. Ästhetisch zwischen Stilisierung – man beachte die scharfe Linienführung seiner Bilder, für die der Handlungsort San Francisco die ideale Leinwand darstellt – und dem Realismus des Police Procedurals schwankend – man beachte, wie der Ton fast impressionistische Züge trägt, wie sich Hintergrundgeräusche in den Vordergrund drängen und der Dialog minutenlang vollkommen aussetzt – ist er wohl gemeinsam mit Siegels MADIGAN der wichtigste Vorreiter der Welle „realistischer“, sprich: desillusionierter, Polizeifilme der Siebzigerjahre (man denke an DIRTY HARRY oder THE FRENCH CONNECTION).Wie groß dieser Film ist, merkt man auch daran, wie schwierig es ist, etwas Schlaues über ihn zu sagen: Es liegt alles in seinen Bildern.