boxer a smrt (peter solan, tschechien 1963)

Sturmbannführer Walter Kraft (Manfred Krug), der ein Konzentrationslager unter seiner Aufsicht hat und begeisterter Boxer ist, wurde vom Häftling Kominek (Stefan Kvietik), den er mit besonderer Zuwendung über Wochen zu einem gleichwertigen Gegner aufgepäppelt hat, in einem Trainingskampf niedergestreckt. Die Schmach sitzt tief in dem stolzen, eingebildeten Nazi: So weit ging sein Sportsgeist dann doch nicht, und er überlegt nun, ob er den aufmüpfigen Tschechen für den Affront durch den „Schornstein schicken“ soll. Seine treue Gattin Helga (Valentina Thielová) rät ihm ab: Er solle an die Zeit nach dem Krieg denken, wenn alle, die ihn im Ring sehen, sagen werden, dass er seinen Gegner nach einer Niederlage habe hinrichten lassen und ihm so die aussichtsreiche Boxerkarriere ruinieren. „Glaubst du, die Menschen sind dazu wirklich fähig?“, fragt er sie enttäuscht. „Ich glaube, sie sind zu noch viel Schlimmerem in der Lage“, antwortet sie. Im Hintergrund steigt schwarzer Rauch aus einem Schornstein.

Wenn der Sportfilm (und natürlich Sport selbst) eine gleichnishafte Auseinandersetzung mit den Herausforderungen des Lebens auf spielerischer Basis und in einem eng abgezirkelten Bereich – Sportplatz und Regelwerk – darstellt, dann ist der Boxfilm (und analog der Boxsport) sowohl die reinste als auch die direkteste Umsetzung dieser Idee: Es muss nicht ein Ball ins, übers oder durchs Netz geschossen, geworfen, geschlagen oder sonstwie bugsiert werden, vielmehr geht es darum, den Gegner mit einem Schlag niederzustrecken – und selbst stehenzubleiben. Der Boxer ist der Inbegriff des leidenden Helden: Er stählt seinen Körper, lässt sich verprügeln, um am Ende blutend zu triumphieren. Leiden tut er trotzdem, auch der Sieg ist mit Schmerzen verbunden. „Es geht nicht darum, wie oft du niedergeschlagen wirst, sondern darum, wie oft du wieder aufstehst“: Der Satz, den Rocky Balboa – der neben Muhammad Ali wahrscheinlich berühmteste Boxer aller Zeiten – in ROCKY BALBOA ausspricht, beschreibt offenkundig nicht nur seine Kampf-, sondern auch seine ganze Lebensphilosophie. Im Boxen wie im Leben geht es für ihn darum, sich unter extremen Bedingungen zu behaupten und einfach immer einmal mehr und härter auszuteilen als er selbst einstecken muss. So lehrt der Boxsport auch eine gewisse Duldsamkeit: Selbst den Sieg gibt es nicht kostenfrei, er steht am Ende eines Leidenswegs – ja, vielleicht machen die Schmerzen und Entbehrungen, die man überstehen muss, den Triumph überhaupt erst so wertvoll.

Vor diesem Hintergrund erscheint es als logisch, warum der Gefängnis- und der Sportfilm in der Filmgeschichte so eine überaus produktive Liaison gepflegt haben (bzw. warum Sport und Haft eng miteinander verwoben sind). Im sportlichen Wettkampf überwindet der Häftling die physischen Mauern sowohl des eigenen Körpers als – damit verknüpft – auch der ihn umgebenden Haftanstalt. Es ist ein Prozess der Transzendenz durch eine Art sublimierte Selbstauflösung: Besonders leistungsfähig ist der Sportler immer dann, wenn er zu denken aufhört, wenn er nur noch eine mechanische Abfolge präzise einstudierter und instinktiv ablaufender Bewegungen ist. Wenn das Denken im Knast wahnsinnig macht, ist eine Tätigkeit, bei der das Denken zumindest vorübergehend ausgeschaltet wird, die Erlösung. Und der Sport ermöglicht unter Bedingungen, innerhalb derer kein Erfolg und schon gar keine Überwindung der Mauern vorgesehen ist, einen Sieg, auch wenn der keine zählbaren Folgen hat. Knastsportfilme sind fast ein eigenes Filmgenre (man denke an THE LONGEST YARD, VICTORY, GRIDIRON GANG oder MEAN MACHINE), Knast-Kampfsportfilme noch einmal ein eigenes innerhalb des Actionfilms (siehe z. B UNDISPUTED, UNDISPUTED II und UNDISPUTED 3: REDEMPTION) und sonst kommt es auch in zahlreichen „normalen“ Knastfilmen zum sportlichen Zeitvertreib (siehe LOCK UP). BOXER A SMRT, in dem ein tschechischer KZ-Insasse die Chance erhält, einen seiner Peiniger zu besiegen und damit vielleicht auch zu einem groß angelegten Ausbruchsversuch beizutragen, wendet dieses Motiv- und Themenfeld überaus konsequent und auf erschütternde, aber niemals melodramatische, sondern im Gegenteil hochgradig zurückhaltende, ja beinahe nüchterne Art und Weise auf die Vernichtungspolitik des Dritten Reiches an. Vielleicht stellt der Film sogar so etwas wie die Apotheose des oben zusammengefassten Komplexes dar.

Erwähnter Kraft vertreibt sich die Freizeit in seiner insgesamt eher langweiligen Tätigkeit als KZ-Verantwortlicher mit regelmäßigen Boxtrainings, bei denen ihm seine Frau und diverse Lakaien immer wieder bestätigen, wie gut in Form er sei. Leider fehlt es ihm jedoch an einem wenigstens halbwegs gleichwertigen Sparringspartner, der eine Herausforderung darstellte und dazu beitrüge, dass Kraft sich verbessert. Er wird schließlich fündig in Kominek: Der Mann soll wegen eigentlich wegen eines Fluchtversuchs hingerichtet werden, doch er weicht einem Schlag Krafts so geschickt aus, dass dieser sofort den herbeigesehnten, erfahrenen Boxer in ihm erkennt. Der benötigt natürlich etwas Zuwendung, da er durch die Strapazen des Lageralltags schwer abgemagert und außer Form ist: Die Sonderrationen, mit denen er aufgepäppelt wird, tragen ihm natürlich die Eifersucht seiner weniger begünstigten Kameraden ein, doch mit seiner Sonderrolle ergeben sich auch für sie neue Perspektiven: Kraft nimmt Kominek zum Training mit nach draußen, sodass sich der Kontakt zu einer im Widerstand tätigen Tschechin ergibt, die den Häftlingen bei einem Fluchtversuch helfen soll. Doch zuerst will Kominek seinen Peiniger endlich einmal besiegen.

BOXER A SMRT zeigt die absurde, grausame Willkür eines totalitären Regimes in klaren Bildern und ungeschönter, aber keinesfalls sadistischer Direktheit. Die Häftlinge werden zu sinnlosen Tätigkeiten verdonnert – einmal sieht man, wie sie im Kreis Dreck von einem Haufen zum nächsten schaufeln, einmal müssen sie sich auf Kommando hinlegen und wieder aufstehen, bis sie nicht mehr können -, immer wieder werden einzelne aus purer Langeweile der Wärter erschossen. Kraft ballert einmal einfach so aus dem Fenster seines Büros in die entfernt stehende Menge: Dass man wieder sieht wer, noch ob überhaupt jemand fällt, spiegelt die ganze banale Alltäglichkeit sinnlosen Mordens und Sterbens wider: Es ist einfach bedeutungslos geworden. Dann wieder wird einer von ihnen – der Protagonist Kominek – auserwählt und entgegen des vorherrschenden Dogmas bevorzugt behandelt: Sein Wohlergehen ist auf einmal von allergrößter Bedeutung, bloß weil es Kraft so gefällt. Er baut eine Beziehung auf zu dem Mann, den er eigentlich hinrichten wollte, doch auch diese Beziehung ist ein trügerisches Konstrukt: Kominek ist für Kraft nicht mehr als ein menschliches Werkzeug.

Auch der Ort, an dem sich das alles abspielt, ist bizarr: Ein in der Einöde errichtetes Barackendorf, das keine andere Funktion hat, als Menschen zu knechten und sie dann doch nach dem Zufallsprinzip durch den Schornstein zu jagen. In einer in ihrer Einfachheit sprachlos chenden Szene taumelt der vom Training kommende Kominek geradewegs durch eine aus dem Krematorium kommende Rußwolke, atmet den Rauch ein, von dem wir und er wissen, dass es sich um die Überreste seiner Kameraden handelt. Wie kann man damit leben? Wie lebt man damit? Kominek lehnt sich gegen den Wahnsinn auf, der Sport gibt ihm ein Ziel, auf das er fieberhaft hinarbeitet. Er will nichts mehr als seinen Gegner nur einmal auf die Bretter zu schicken. Als es ihm gelingt, ist er stolz, auch wenn der Sieg ihm keinen Preis einbringt. Im Gegenteil: Sein Triumph ist ein Affront, für den er eigentlich den Tod verdient. Darin ist die ganze groteske Absurdität der Situation enthalten: Er wird trainiert, ein ebenbürtiger Gegner zu sein, aber zu ebenbürtig darf er dann doch nicht sein. Das Ende von BOXER A SMRT ist wie der ganze Film: Ohne große Emphase oder raumgreifendes Pathos, sondern leise, hintersinnig, raffiniert. Wenn man nicht aufpasst, fliegt es an einem vorbei wie Asche. Peter Solan braucht keine Kabinettstückchen, keinen brausenden Score, keine Schnittgewitter, einfach nur die Stille und das Gesicht seines Protagonisten, das nichts mehr zeigt außer Leere.

 

creed 2 (steven caple jr., usa 2018)

Wenn man sich seine Filmografie seit seinem Comeback mit ROCKY BALBOA im Jahr 2006 anschaut, könnte man zu dem Schluss kommen, dass Stallone sich seit nun fast 15 Jahren auf einer Art Abschiedstournee bzw. Ehrenrunde befindet. Der nominelle Abschluss der Boxersaga, die ihn zum Star und zur Ikone machte, ließ den 16 Jahre zuvor produzierten Fehlschlag namens ROCKY V vergessen und versöhnte die Fans mit dem einstigen Champ, der so sang- und klanglos von der Bildfläche verschwunden war. JOHN RAMBO versetzte im Anschluss allen, die nach dem melodramatischen Boxerfilm vielleicht vermutet hatten, Stallone könne weich geworden sein, mit dem vielleicht brutalsten Actioner aller Zeiten einen heftigen Nierenschlag. Mit THE EXPENDABLES und seinen Sequels beschenkte Stallone dann die Freunde des Actionkinos, die ihm über all die Jahre die Treue gehalten hatten, mit einem amtlichen Best-of-Paket, für das sich seine einstigen Weggefährten die Klinke in die Hand gaben. Und CREED zeugte dann zwar von der Einsicht, dass Rockys Geschichte vielleicht auserzählt war, dass seine Vergangenheit aber immer noch Stoff für neue Filme bot, in diesem Fall ein Spin-off um den Sohn seines einst größten Rivalen. Diese Liste liest sich tatsächlich nicht gerade, als könne Stallone das Feuer der lodernden Kreativität kaum besänftigen: Er begnügt sich seit einiger Zeit eher damit, sein Erbe zu verwalten. Aber er tut dies ohne Zweifel mit Herz und  Liebe für seine Schöpfung, die ja zudem wirklich beachtlich ist: Mit Rambo und Rocky hatte Stallone gleich zwei Figuren geschaffen, die zu Archetypen wurden – und dabei untrennbar mit ihm verbunden sind.

CREED 2 ist innerhalb des oben skizzierten letzten Abschnitts von Stallones Schaffen so etwas wie der Nachklapp zum Nachklapp. CREED war vor drei Jahren noch einmal ein unerwartetes Highlight gewesen, ein Film, der vielleicht nicht in der Liga von ROCKY spielte, wahrscheinlich auch nicht in der des Alterswerks ROCKY BALBOA, aber dennoch eine würdige Fortsetzung – auch wenn sich diese ja den Anschein eines Neustarts gab. Michael B. Jordan ist als Adonis, Sohn von Apollo Creed, zwar einnehmend genug, um auch ein Sequel zu tragen, aber so ganz verbergen kann dieses nicht, dass es im Wesentlichen von Nostalgie getrieben wird. Nachdem also zuvor die alte Rivalität zwischen Stallone und Creed aufgegriffen und abgeschlossen worden war, wird nun die russische Kampfmaschine Ivan Drago (Dolph Lundgren) aus ROCKY IV aus der Versenkung geholt, der damals Adonis‘ Vater im Ring umgebracht hatte. Dolph Lundgren in einem großen Hollywood-Film zu sehen, ist für mich immer Grund zur Freude, ebenso wie ich von Ausflügen in Rockys Vergangenheit nicht genug bekommen kann – ich liebe diese Geschichten einfach -, trotzdem kann CREED 2 den Eindruck, man habe hier einfach ein erfolgreiches Schema genommen und lediglich die Variablen neu gefüllt, nicht zerstreuen.

CREED 2 bedient sich dramaturgisch bei ROCKY III – Adonis muss wie einst Rocky das Kämpferherz wiederfinden – und logischerweise bei ROCKY IV – auf dem Weg zur Wiedergeburt muss die alte Haut abgeworfen werden, das Training findet nicht im mit allen Annehmlichkeiten ausgestatteten Fitnesstempel statt, sondern in der Wüste. Als Parallele zur Krebstherapie, die Rocky im Vorgänger bewältigen musste, wird Adonis Vater einer Tochter, die den Hörfehler der Mutter (Tessa Thompson) geerbt hat: Ein weiterer Rückschlag, der dazu beiträgt, dass sich Adonis als vom Schicksal Gebeutelter begreift, anstatt die Initiative zu ergreifen. Wenn man gleich zu Anfang den gealterten Ivan Drago durch die graue Tristesse Kievs joggen sieht, die Abrissbude, die er bewohnt, mit dem Luxus von Creeds Wohnung vergleicht, eröffnen sich zahlreiche interessante erzählerische Möglichkeiten, die der Film leider liegen lässt. So schön es ist, diesen Drago wiederzusehen: Die Autoren haben sich nicht viel Mühe damit gemacht, ihn zum vollwertigen, differenzierten Charakter zu machen. Seit 30 Jahren hegt er einen Groll gegen Rocky, plant er, einem Superschurken gleich, seine Rache. Das ist schade, weil ich ihm einen besseren Werdegang, ein gutes Leben gewünscht hätte: Den eindimensional Bösen musste er schließlich damals schon geben. Dass Drago es in all dieser Zeit nicht geschafft hat, seinen Frieden zu machen, seinem Leben eine neue Richtung zu geben, macht ihn nicht nur uninteressanter, als er es verdient hat, es lässt auch seine finale Wandlung unglaubwürdig erscheinen. Brigitte Nielsen, die in ROCKY IV Dragos Frau verkörperte, tritt ebenfalls wieder auf, aber auch sie hat kaum eine andere Funktion, als den Fanservice. (THE EXPENDABLES 2 hatte schon dasselbe Problem.) Mir hat CREED 2 trotz dieser Mängel immer noch gut gefallen: Stallone ist toll, Jordan ebenfalls, der Besuch am Grab von Adrian hat mich wieder zu Tränen gerührt, genau wie Rockys Versöhnung mit seinem Sohn (Milo Ventimiglia) am Ende. Und die Boxkämpfe sind wie immer eine Schau, eh klar. Aber beim nächsten Mal darf sich Stallone ruhig wieder etwas mehr trauen. Das würde ihm ganz bestimmt auch Rocky empfehlen. Das Auge des Tigers, Mann!

off the mark (bill berry, usa 1987)

Ich habe OFF THE MARK unter seinem Alternativtitel CRAZY LEGS gesehen, der gleichzeitig sowohl blöder als auch treffender ist. Es handelt sich um eine Low-Budget-Komödie, die wieder einmal dem damaligen Vorbild der Zucker-Abrahams-Zucker-Filme mit ihren hundert Gags pro Minute nacheifert, ohne jedoch zum einen deren Produktionsstandards noch zum anderen deren sophistication auch nur annähernd erreichen zu können. Was OFF THE MARK an humoristischem und filmischem Feinschliff fehlt, macht er aber mit viel Herz und einer über die 90 Minuten Spieldauer unweigerlich einnehmenden Unermüdlichkeit wett. Ich glaube, ich habe nicht einmal wirklich gelacht, dafür einige Male die Augen verdreht, aber dass ein Filmteam sich diesem Blödsinn über einen Zeitraum von mehreren Wochen voll und ganz verschrieben hat, nötigt mir dennoch den höchsten Respekt ab. OFF THE MARK ist auch nicht offensiv unwitzig oder ohne objektiven Wert: Er ist einfach nur extrem bescheuert.

Erzählerisch ist OFF THE MARK sogar einigermaßen ambitioniert: Er gibt sich die Form eines TV-Specials, das die Karriere dreier Triathleten nachzeichnet, immer wieder unterbrochen von zwei Waldorf-&-Stadler-artigen Kommentatoren, die sich im Verlauf des Films immer mehr in die Wolle kriegen. Die Hauptfiguren sind Howard Markel (Mark Neely), ein unter spastischen Anfällen (den titelgebenden „crazy legs“ eben) leidender Sportler, der zudem über ein unzähmbares, sich bisweilen in Tourette-artigen Schimpftiraden niederschlagendes Konkurrenzdenken verfügt, seit ein boshafter russischer Austauschschüler ihm einst den Lieblingshund wegnahm. Er verliebt sich in die Sportlerin Jenell (Terry Farrell), eine superattraktive Athletin, die allen Männern den Kopf verdreht, ihre Reize aber nicht wirklich einschätzen kann. Und der dritte im Bunde ist der schwarze James B. White (Clarence Gilyard jr.), der seinem Namen entsprechend ein Weißer in der Haut eines Schwarzen ist und erst durch ein bizarres Ritual zum „echten“ Schwarzen wird. Am Ende treten die drei Freunde gemeinsam gegen den fiesen Russen aus Howards Vergangenheit an, der – wie es sich für einen Russen gehört – ausschließlich die niedersten menschlichen Charakterzüge auf sich vereint.

Die erwähnte Schwarzen-Therapie ist der absurde Höhepunkt und auch gleichzeitig die beste Sequenz des Films: James wird über mehrere Tage in einer komplett weiß eingerichteten Wohnung eingesperrt. Er bekommt ausschließlich weißes Essen und weiße Kleidung. Wie weiß er ist, zeigt sich auch daran, dass ein auf Schwarze abgerichteter Kampfhund auf ihn nicht reagiert (eine herrliche Anspielung auf Fullers Meisterwerk WHITE DOG). Am Ende der Therapie ist James endlich mit dem swagger eines echten Schwarzen ausgestattet: Aber dafür muss er die Begegnung mit dem lieb gewonnenen Wauwau teuer bezahlen. Wirklich witzig fand ich auch die Anfälle Howards, die an eine verlängerte Version des „Silly Walks“-Sketches von Monty Python erinnern, was gewiss auch nicht die schlechteste Referenz ist. Ansonsten bezieht OFF THE MARK seinen Humor vor allem aus sight gags und der Strategie, Dinge wortwörtlich ins Bild zu übersetzen. Gleich zu Beginn bricht ein Journalist zusammen, weil die Passanten unentwegt mit dem Finger auf das „Press“-Schild an seinem Hut drücken. Als Jenell ihren Howard nach einem verlorenen Rennen mit den Worten „It’s not the end of the world“ tröstet, explodiert im Bildhintergrund eine Atombombe. Das Sixpacks des versoffenen Trainers enthält nicht etwa sechs Dosen Bier, sondern sechs Flaschen Jack Daniels. Und natürlich gibt es auch einen Gag auf Kosten des in diesem Rahmen obligatorischen Mannsweibs aus der DDR. Diese kleine Aufzählung vermittelt einen ganz guten Eindruck sowohl von der Bandbreite als auch vom Niveau des Films. Was sie nicht annähernd leistet, ist einen Eindruck von der schieren Menge an Gags zu ermöglichen, die hier im Sekundenrhythmus abgefeuert wird. Auch wenn die Quote nicht ganz so beeindruckend ausfällt: Ein bisschen schade ist es schon, dass sich heute niemand mehr traut, 90 Minuten lang einfach nur albern zu sein.

 

north dallas forty (ted kotcheff, usa 1979)

Die Siebzigerjahre waren ein merkwürdiges Jahrzehnt: Gesamtgesellschaftlich prägten die Demütigung in Vietnam und der Watergate-Skandal die Stimmung in den USA, sorgten für eine beachtliche Depression, die dann mit Drogen, Hedonismus, Yacht-Rock und Disco bekämpft wurde. Das zeigt sich auch an einer kleinen Reihe von Sportfilmen, die die nationalen Helden in ihren Football-, Baseball-, Basketball- oder Eishockeytrikots von ihrem Podest stießen. International am bekanntesten dürfte wahrscheinlich George Roy Hills wunderbarer SLAP SHOT sein (ein ewiger Lieblingsfilm): Er widmete sich den fragwürdigen Methoden, mit denen ein erfolgloses, zum Verkauf freigegebenes Eishockeyteam den eigenen Marktwert zu steigern suchte, und zeichnete die Sportler als Bande von ungebildeten Proleten, Säufern, Schlägern und Zynikern. Selbst ein „Kinderfilm“ wie THE BAD NEWS BEARS, den man wahrscheinlich als putzige Komödie abgespeichert hat, entpuppt sich bei genauem Hinsehen als mindestens ambivalent: ein desillusionierter Säufer, der ein Kinder-Baseballteam betreut? Wenn man sich nicht einmal auf dem Sportplatz mehr sicher sein konnte, dass die amerikanischen Ideale Bestand hatten, woran konnte man sich dann überhaupt noch festhalten?

NORTH DALLAS FORTY, Kotcheffs Film über den Titelkampf einer texanischen Football-Mannschaft, beginnt mit dem Blick auf Wide Receiver Philipp Elliott (Nick Nolte), der morgens wie zerschlagen auf einem mit Nasenblut besudelten Kopfkissen aufwacht, sich mit schmerzenden Knochen stöhnend erhebt und die Schmerztabletten mit einem offenen Bier runterspült, bevor er von seinen wild mit einer Schrotflinte herumballernden Teamkollegen zur „Jagd“ auf Kühe abgeholt wird. Dieser Beginn setzt den Ton, der bis zum Ende ohne Brechungen durchgehalten wird. Philipp, mit Anfang/Mitte 30 bereits ein körperliches Wrack, wird von seinem ekligen Manager (G. D: Spradlin) aufs Abstellgleis geschoben, weil er angeblich nicht über genug „Teamgeist“ verfüge. Was immer er tut, es wird gegen ihn ausgelegt. Umgeben ist er von grunzenden Psychopathen wie Jo Bob (Bo Svenson) oder O.W. (John Matuszak), der Teambesitzer (Steve Forrest) ist ein schleimiger Menschenfänger, der stets seine anzugtragenden Vollstrecker vorschickt, um ungeliebte oder ausgediente Spieler rauszuschmeißen. Die Spieler werden mit miesen Manipulationen dazu gebracht, sich fitspritzen zu lassen, im gleichen Atemzug kann eine Dose Bier oder ein Joint den Rauswurf nach sich ziehen, wenn man eh schon auf der Abschussliste steht. Während die Sportler also Blut, Schweiß, Tränen und letztlich ihre Gesundheit geben, stehen hinter ihnen eiskalt kalkulierende Arschgeigen im Anzug, für die das alles nur ein Business mit austauschbaren Spielfiguren ist.

Es gibt Vieles an NORTH DALLAS FORTY, was ich mag: Die Besetzung mit Kerlen mit Stiernacken sowie Tabak- und Whiskey-gegerbten Stimmen. Die saxophonlastige, melancholisch-plüschige Musik von John Scott. Den schmerzhaften Humor, der allerdings ganz ohne Gags und Lacher auskommt. Die großartige Fotografie von Paul Lohmann. Diese ätzende, selbstzersetzende Resignation. Gleichzeitig schafft Kotcheff es aber leider nicht, das alles in eine Form zu gießen, in der es wirklich sinnhaft würde. NORTH DALLAS FORTY gefällt sich irgendwie in seinem Zynismus und seiner einseitigen Sicht der Dinge – Sportler sind vielleicht etwas „einfach“, aber eigentlich gute Kerle, die Besitzer sind hingegen profitgeile Kapitalisten ohne Empathie -, kulminiert in einer flammenden Rede, die Elliott vor dem Management hält und färbt die Entgleisungen seiner Teammitglieder als verzeihliche Marotten schön. Dazu kommen klischierte Elemente wie Elliotts Beziehung zur intelligenten Charlotte (Dayle Haddon), der er sein vor Jahren gekauftes, aber immer noch unbebautes Grundstück auf dem Land zeigt, un die ihn dazu überreden will, die Schuhe an den Nagel zu hängen – womit sie den obligatorischen Wutausbruch heraufbeschwört, denn Football ist natürlich sein Leben. Alles läuft exakt so ab, wie man das vorhergesehen hat, ohne Überraschungen und auch ohne echten Mehrwert. Die Kritik, die Kotcheff auf der Grundlage des autobiografischen Romans des Footballspielers Peter Gent übt, wirkt vorgeschoben: Sie ist letztlich ein Vorwand, um Verfall, Dekadenz und Tabubrüche publikumsträchtig auf die Leinwand bringen zu können. Dem Film fehlt sowohl die satirische Schärfe als auch ein gewisser Idealismus. Interessant ist NORTH DALLAS FORTY allerdings im Kontrast zum heutigen Business: Seine kettenrauchenden, saufenden und herumhurenden Sportler könnten das Pensum der hochgezüchteten Stars von heute gar nicht mehr absolvieren, ohne zusammenzubrechen. Ironischerweise steht hinter dieser Entwicklung aber weniger die „Moral“ als vielmehr die wirtschaftliche Risikominimierung. Insofern ist die kleine Welle bitterer Sportfilme, für die auch NORTH DALLAS FORTY steht, durchaus relevant. Die Beobachtungen, die ihre Macher damals – aus welchen Gründen auch immer – machten, waren geradezu prophetisch.

hot dog … the movie! (peter markle, usa 1984)

Zunächst Enttäuschung: Nach dem phänomenalen HAMBURGER: THE MOTION PICTURE hatte ich eigentlich gehofft, mit HOT DOG … THE MOVIE! den nächsten Film mit Fast-Food-Bezug vor mir zu haben. Leider bezieht sich der Titel jedoch nicht auf die Knackwurst im Labberbrötchen, sondern aufs Freestyle-Skiing, das, aus welchem Grund auch immer, ebenfalls „Hot-Dog“ genannt wird (da ich in den Eighties dem C64-Spiel „Winter Games“ verfallen war, hätte ich das eigentlich wissen können). HOT DOG … THE MOVIE! ist also ein lupenreiner Sportfilm, der allerdings mit Elementen des Teenie(sex)films garniert wird, der in diesen heißen Tagen einen passenden Schwerpunkt in meinem Blog bildet. Peter Markle, der junge Regisseur dieses Vehikels, landete einen veritablen Hit mit dem Teil und qualifizierte sich damit für den nächsten Wintersportfilm, den er mit dem noch unglaublicheren YOUNGBLOOD vorlegen durfte.

HOT DOG … THE MOVIE! spult eine tausendfach bewährte Story ab: Das junge, unerfahrene Ski-As Harkin (Patrick Houser) reist in seinem gammeligen Truck nach Lake Tahoe, um dort an den internationalen Meisterschaften im Freestyle-Skiing teilzunehmen. Unterwegs gabelt er die hübsche Sunny (Tracy Smith) auf, die sich zunächst störrisch gibt, dann aber erwartungsgemäß zum heißblütigen love interest avanciert. Am Ziel findet Harkin Aufnahme in die amerikanische Freestyling-Clique um den Veteran Dan (David Naughton): Gemeinsam tritt die muntere Truppe nicht nur gegen das arrogante österreichische Ski-As Rudi (John Patrick Reger) und bestechliche Wettkampfrichter an, sie lässt es auch abseits der Piste bei Wet-T-Shirt-Contests und Saufgelagen ordentlich krachen. Zum großen Konflikt kommt es, als das berüchtigte Pistengroupie Sylvia Fonda (Shannon Tweed) das hoffnungsvolle Talent  ins Jacuzzi zerrt: Das sieht Sunny gar nicht gern …

Wie gut einem HOT DOG … THE MOVIE! gefällt, hängt wahrscheinlich stark davon ab, wie sehr man sich für Wintersport begeistert – oder wie gut man ausblenden kann, dass ein gutes Drittel der Laufzeit mit Bildern der verschiedenen Wettbewerbe bestritten wird. Ich nehme da eine neutrale Position ein: Da die abgebildeten sportlichen Leistungen von ansprechendem Niveau sind und auch die Inszenierung sich nicht deutlich hinter den Standards verstecken muss, die etwa Willy Bogner mit seinen James-Bond-Kollaborationen setzte, konnte ich mich ganz gut damit arrangieren. Fakt ist aber dennoch, dass HOT DOG … THE MOVIE! mit ganz heißer Nadel gestrickt ist und den Vorwurf der frechen Geldschneiderei nicht ganz von sich weisen kann. Was aber ja eigentlich eh klar gewesen sein dürfte. Innerhalb des Teeniesexfilms sticht Markles Film mit guten Production Values und qualifizierten Darstellern hervor. Letzteres gilt nicht zuletzt für die Damen: Busenfetischisten kommen voll auf ihre Kosten, denn alle blankziehenden Darstellerinnen sind überaus gut gebaut. Allen voran natürlich Shannon Tweed, die im Verlauf der Achtziger- und frühen Neunzigerjahre zu einem veritablen Exploitation-Film-Star aufstieg und es dann nicht mehr nötig hatte, sich vor der Kamera auszuziehen. Die Freizügigkeit des Gebotenen überrascht innerhalb des polierten Rahmens und belegt wieder einmal, wie sich die Maßstäbe in den vergangenen Jahrzehnten verschoben haben. So offenherzig wie HOT DOG … THE MOVIE! ist heute nicht mal mehr ein Film wie 50 SHADES OF GREY, von dem man das eigentlich erwarten dürfte.

Der Boobfaktor ist aber nicht das einzige, was hier für Verwirrung sorgt: HOT DOG … THE MOVIE! zeigt einen etwas unangenehmen nationalen Chauvinismus, der die Nebenwirkungen des damals noch köchelnden Kalten Krieges erkennen lässt. Rudi wird mit deutschem Akzent als Arschloch oberster Güte gezeichnet, der sich schon bei seinem ersten Auftritt von den (durchaus etwas verbissenen) Ami-Helden als „Nazi“ beschimpfen lassen muss, hinzukommen die Ressentiments gegen die Ausrichter des Wettbewerbs, die lieber europäische Sportler in die Startliste hieven und angeblich bessere US-Boys aussortieren. Hintergrund sind kommerzielle Erwägungen, gegen die die Schar durch und durch idealistischer Protagonisten nichts ausrichten kann. Dan stellt einen der Verantwortlichen erbost zur Rede: Eines seiner Argumente, mit denen er sich gegen die himmelschreiende Ungerechtigkeit zur Wehr setzt, lautet, dass die amerikanischen Sportler zum Teil mehrere tausend Meilen angereist seien, nur um nun so bitter enttäuscht zu werden. Ob ihm bewusst ist, dass jemand aus Europa wahrscheinlich noch größere Reisestrapazen auf sich genommen hat? Warum die Wettkampfrichter mit ihren bisweilen verblüffenden Fehleinschätzungen immer auf der Seite Rudis sind, erklärt das Drehbuch ebenfalls mit keiner Silbe. Die dahinterliegende Strategie ist durchsichtig und billig ohne Ende: Die (amerikanischen) Zuschauer sollen einfach voll und ganz auf die Seite der Helden gezogen werden und nichts eint bekanntlich so sehr wie ein gemeinsamer Feind und das Gefühl, ungerecht behandelt zu werden. Der Betrachter kommt dank dieser Dramaturgie immerhin in den Genuss eines zünftigen Showdowns: Beim finalen „Chinese Downhill“ heizen Dutzende von Skifahrern mit MAD MAX-artigen Accessoires den Abhang hinunter und rammen sich unsanft in die Botanik entlang der Piste. Das macht Gaudi und ist ein angemessener Abschluss für HOT DOG … THE MOVIE!, der als eine gesunde Mischung aus Wichsvorlage, sportlichem Highlightvideo und Pannenshow durchgeht. Es gibt weiß Gott schlechtere Konzepte.

the babe (arthur hiller, usa 1992)

George Herman Ruth, genannt „Babe“, ist wahrscheinlich der legendärste und ikonischste des an Legenden und Ikonen nicht gerade armen Baseballsports. Er war einer der ersten fünf Spieler, die im Gründungsjahr 1936 in die „Hall of Fame“ berufen wurden, stellte in seiner 21 Jahre währenden Karriere zahlreiche Rekorde auf – u. a. die meisten Homeruns (714), RBIs (2.213) und Walks (2.062) -, die teilweise über Jahrzehnte Bestand hatten oder noch heute haben, veränderte die Art und Weise, wie das Spiel gespielt wurde und verschaffte dem Sport einen erheblichen Popularitätsschub. Um seine Figur ranken sich zahlreiche Mythen und Legenden, dadurch begünstigt, dass es nur wenige Originalaufnahmen von ihm gibt und viele Anekdoten durch mündliche Überlieferung stark verzerrt wurden. Aber er lud durch seine Biografie, seine Gestalt und seine Errungenschaften auch dazu ein, ihn zu einer real existierenden Märchengestalt zu machen. Für einen Sport, der seit jeher von einem Drang zur Mythologisierung lebt, war er gewissermaßen wie geschaffen: Hätte es ihn nicht gegeben, man hätte ihn erfinden müssen. Und das Ergebnis hätte sich vom „echten“ Biopic, den Arthur Hille 1992 inszenierte, wahrscheinlich nicht wesentlich unterschieden. Was auch verdeutlicht, was das Problem von THE BABE ist: Für eine ernstzunehmende „Biografie“ nimmt er sich ein paar Freiheiten zu viel, verkürzt einen komplexen Charakter zu sehr auf küchenpsychologische Binsenweisheiten und übertreibt es mit der Überhöhung seiner unzweifelhaft großen sportlichen Leistungen, als auf wahren Begebenheiten basierendes Märchen geht er wiederum nicht weit genug, bleibt zu sehr den vermeintlichen Fakten verpflichtet und gaukelt Faktizität vor, wo er tatsächlich reines Seemannsgarn spinnt. Barry Levinsons fantastischer THE NATURAL, der eine sehr ähnliche Geschichte erzählt, ist da viel befriedigender und erhabener, weil er sich eben gar nicht erst mit der Realität aufhalten muss.

Hiller erzählt seine Geschichte entlang der wichtigsten Lebens- und Karrierestationen seines Helden und befeuert dabei das Bild des unkontrollierbaren Kindmannes mit dem überirdischen Talent: Ruths Vater liefert den Jungen mit den Worten, er sei „incorrigible“ in der St. Mary’s Industrial School for Boys ab, einem Bostoner Erziehungsheim und Waisenhaus. Hier wird er vom Geistlichen Bruder Matthias (James Cromwell) entdeckt und an die Baltimore Orioles abgegeben, die ihn schließlich an die Boston Red Sox verkaufen, wo die fulminante Karriere beginnt. Die Ablehnung durch den Vater und der Vorwurf der Unkorrigierbarkeit schweben während des Films als eine Art Prophezeiung über dem Protagonisten: Babe Ruth ist unfähig, seinen mitunter selbstzerstörerischen Impulsen Einhalt zu gebieten, ob das nun sein maßloser Appetit nach Essen, Alkohol oder Partys oder seine Vielweiberei ist, gleichzeitig ist er angewiesen auf die Zuneigung und Liebe der Menschen um ihn herum. Das Publikum verzeiht ihm seine Eskapaden, weil er sie auf dem Sportplatz begeistert und nebenbei ein Wohltäter mit einem großen Herz für Kinder ist, die schwindende Geduld seiner ersten Gattin Helen (Trini Alvarado) versucht er sich durch teure Geschenke zurückzukaufen – mit abnehmendem Erfolg. Die Trauer über die Scheidung und den wenig später erfolgenden Unfalltod Helens stürzen den Mann in eine Krise, aus der er sich nicht mehr wirklich befreien kann. Hinzu kommt der Preis, den er für seinen ausschweifenden Lebensstil unweigerlich bezahlen muss. THE BABE endet mit dem freiwilligen Abgang Ruths nach einem Spiel, in dem er drei Homeruns geschlagen (und – als Vorbote der Krankheit, die ihm zehn Jahre später das Leben kosten wird – Blut gespuckt) hat.

Hillers Film ist – das schicke ich jetzt vorweg, damit ich es nicht vergesse – ganz amüsant, auch wenn seine Formelhaftigkeit (typisches Merkmal von Biopics, einem der wohl konservativsten und unflexibelsten Genres überhaupt) heute noch mehr ins Auge springt als vor gut 25 Jahren: THE BABE ist geradezu schmerzhaft melodramatisch und fühlt sich nie wirklich echt an. Das beginnt schon bei Goodmans Perücke und den rot geschminkten Wangen, die den damals Vierzigjährigen (der für die Rolle abnehmen musste) beim besten Willen nicht zum jungen Mann machen. Hinzu kommen die zahlreichen Ungenauigkeiten und dichterischen Freiheiten, deren Sinn und Zweck sich nicht immer erschließt, die in ihrer Formelhaftigkeit manchmal regelrecht lieblos wirken – das bei einem Film, der doch eine einzige Liebeserklärung sein will. Dabei war Ruths Karriere so reich an Rekorden, Anekdoten und Ereignissen, dass es einer solchen Überhöhung eigentlich gar nicht bedurft hätte: Der Mann war ein erfolgreicher Pitcher (was der Film fast gänzlich ausblendet), bevor er dann zu einem der besten Batter der Geschichte wurde, über seine 20-jährige Karriere Rekord und Rekord aufstellte und selbst überbot. Richtig ärgerlich wird es, wenn da Regeln erfunden werden, die es nicht gab, nur um die eigene Interpretation der Figur zu stützen. Wie gesagt, sind solche Kniffe für das Genre nicht ungewöhnlich, aber THE BABE ist vollkommen überfrachtet mit solchen Momenten. So wird dem Mann u. a. der erste Homerun-in-the-park angedichtet (das ist ein Homerun, der nicht aus dem Feld geschlagen, sondern nur „erlaufen“ wird): Im Film sieht das so aus, dass Ruth den Ball so hoch schlägt, dass die Feldspieler ihn nicht mehr sehen können und er erst zu Boden fällt, als der Spieler die Bases schon umrundet hat. Nicht nur gab es diesen Schlag in Ruths Karriere nie, tatsächlich ist es auch so, dass in den Anfangstagen des Baseballsports nahezu alle Homeruns „in the Field“ erzielt wurden, da die Feldabmessungen noch deutlich größer waren. Einem todkranken Jungen verspricht er nicht nur – wie historisch verbrieft – einen Homerun, sondern gleich zwei. Ebenfalls völlig überzogen sind die Körpermaße des Sportlers, der hier von Anfang an als unsportlicher Dickwanst gezeichnet wird, obwohl er zu seinen Hochzeiten über eine recht normale Figur verfügte. Und natürlich beendete er seine Karriere auch nicht nach einem Spiel mit drei Homeruns. Alle diese Freiheiten, die sich der Film mit dem Ziel erlaubt, die Überlebensgröße seines Protagonisten darzustellen, erreichen eher die gegenteilige Wirkung: Weil Hiller alles dem größtmöglichen dramaturgischen Effekt unterwirft, wirkt sein Film selbst auf Menschen, die sich nur am Rande mit Babe Ruth beschäftigt haben, daherfabuliert, durchschaubar in seinen Tricks und schlicht gelogen.

Dabei findet THE BABE nie zu einer echten Haltung zu seinem Helden. Betrachtet er ihn als begnadeten Ausnahmesportler, der erst durch seine psychische Disposition zu dem werden konnte, der er war? Hält er ihn für ein Frankenstein’sches Monster, mit dem man eigentlich Mitleid haben musste? Waren seine Entgleisung vielleicht doch einfach unverzeihlich? Man muss gewiss nicht unbedingt zu einem eindeutigen Fazit kommen: Ein Mensch ist keine mathematisch Gleichung. Aber man sollte doch versuchen, die einzelnen Facetten dieser Persönlichkeit mit einer gewissen Objektivität beleuchten. Die seltsame Schizophrenie des Filmes, der sich zwar nie ganz dazu durchringen kann, einfach nur schönfärberisches Heldenepos zu sein, aber sich seine tolle Geschichte auch nicht durch die oft bitteren Fakten kaputtmachen lassen will, kommt am besten in einer Szene zum Ausdruck, in der sich Babe Ruth zum ersten Mal bei seiner verprellten Gattin entschuldigen will. Sie hat ihn nach seinem Wechsel nach New York verlassen, weil er die gemeinsame Wohnung in einen Nachtclub verwandelt hat, und er will sie mal wieder mit einem teuren Geschenk zurückholen. Aber diesmal kauft er ihr keine Geschmeide und auch keinen Bauernhof: Nein, er hat ein Baby für sie adoptiert. Die Szene offenbart das zerrüttete Seelenleben Ruths, für den ein kleiner Mensch nicht mehr ist als ein teures Geschenk, mit dem glaubt, seine. Verfehlungen vergessen machen zu können, und zunächst inszeniert Hiller diese Szene auch so: als grausam fehlgeleitet, als Zeugnis seiner emotionalen Verarmung. Aber dann weicht die Entgeisterung Helens doch der tränenreichen Freude über das Geschenk und der bittere Beigeschmack wird mit zentimeterdicker Schmiere und dysfunktionalem Familienglück übertüncht. Die Szene ist so verstörend in ihrer Verleugnung, dass sie den Film als Ganzes überschattet.

 

mr. baseball (fred schepisi, usa 1992)

Es war eine schöne Überraschung als dieser Film im Streaming-Angebot des Universal Channel von Amazon Prime auftauchte. MR. BASEBALL lag nach seinem Erscheinen in den frühen Neunzigern auch in deutschen Videotheken aus und wurde von der Baseball-Community überaus wohlwollend aufgenommen. Es war zwar kein MAJOR LEAGUE und auch kein THE NATURAL oder FIELD OF DREAMS, aber das war damals nicht so wichtig: Hauptsache, es gab einen neuen Baseball-Film. Und Schepisis Fish-out-of-Water-Komödie war dann durchaus gefällig genug, dass man ihn sich nicht erst schönsaufen musste.

Tom Selleck, immer noch mit dem Schnäuzer, den man in MAGNUM P. I. lieben gelernt hat, spielt den Baseball-Profi Jack Elliott, der sich bei den New York Yankees auf vergangenen Lorbeeren ausruht. Seine Auszeichnung als „Spieler des Jahres“ liegt schon einige Jahre zurück, aber immerhin reichte es in der Vorsaison noch zum „Spieler des Monats August“, wie er vor seinem Coach betont, als der ihm offenbart, dass er ihn verkauft habe (sein Ersatz wird in einem Cameo gespielt vom jungen Frank Thomas, der sich mit seinen Homeruns in die Hall of Fame bombte). Alles, bloß nicht Cleveland, stöhnt Elliott, nur um dann erfahren zu müssen, dass er künftig in Japan spielen wird. Jack hält das für unter seiner Würde, muss aber klein beigeben: Aufgrund diverser Skandälchen und mangelnder Leistung gibt es keinen amerikanischen Proficlub, der ihn haben will. Also tritt er die Reise nach Japan an, natürlich mit der felsenfesten Überzeugung, dass das nur eine kurze Etappe auf dem Weg zurück in die Major League ist, die ohne einen Spieler seines Rangs gar nicht dauerhaft auskommen kann. Aus seinem mangelnden Respekt für die japanische Liga und ihre Eigenheiten macht er erst gar keinen Hehl, seine Unlust stellt er offen zur Schau, die ihm vertraglich aufgebrummten Werbemaßnahmen absolviert er mit der Aufmüpfigkeit eines verwöhnten Kindes ohne jeden Sinn für Anstand. Und natürlich kommt er mit dieser Einstellung nicht weit, stößt im Gegenteil allen vor den Kopf.

Fred Schepisi inszeniert diese erprobte Geschichte ohne große künstlerische Ambitionen, aber mit der Souveränität eines Regisseurs, der sein Handwerk noch klassisch gelernt hat. Er verzichtet auf effekthascherischen Schnickschnack, konzentriert sich ganz auf den Plot und seine Charaktere. Besonders schön sind natürlich die Eindrücke aus den japanischen Stadien, denen der Pomp ihrer amerikanischen Gegenstücke weitestgehend abgeht, die stattdessen ein wenig runtergerockt aussehen. Abstriche muss man bei der Inszenierung der Spielszenen machen und ich bin geneigt, den Grund dafür in der Tatsache zu suchen, dass Schepisi Australier ist: Man sieht, dass da jemand am Werk war, der das Spiel nicht so wirklich verstanden hat: Die Akteure schleichen träge übers Feld, mit seiner Schlagtechnik hätte Elliot niemals einen Homerun-Rekord aufgestellt und wirklich spektakuläre Spielszenen sind Mangelware – oder werden von der Kamera nicht richtig eingefangen.

Aber MR. BASEBALL interessiert sich sowieso mehr für die interpersonellen Konflikte, bei denen die gängigen Klischees mehr als ausreichend bedient werden: Der amerikanische Star hält sich für einen überlegenen Supermann, der aufgrund seines gottgegebenen Talents keine Rücksicht zu nehmen braucht. Für seine Lage trägt nicht er selbst die Verantwortung, sondern ausschließlich die anderen, die entweder zu dumm sind oder aber ihm Böses wollen. Seine bloße Präsenz allein sollte ausreichen, um alle anderen in Ehrfurcht erstarren zu lassen, die auf einem japanischen Baseballfeld geltenden Bräuche sind für ihn nichts weiter als Unsinn, vom Baseballsport haben die Japaner einfach keine Ahnung. Die Japaner wiederum sind je nach gesellschaftlicher Rolle wahlweise streng oder devot, legen größten Wert auf Disziplin und Respekt und reagieren beleidigt auf die joviale Art des Fremden, der das Dugout und die Umkleidekabine mit seinen Fratboy-Späßen überzieht. Sie beten in Tempeln und sind spirituell veranlagt, aber das Rindfleisch, das man in ihren Restaurants zu essen bekommt, ist wider Erwarten sogar besser als die Steaks in Kansas City. Es ist selbstverständlich die Zuneigung der attraktiven Japanerin Hiroko (Aya Takanashi), der Marketingverantwortlichen seines neuen Arbeitgebers, die den guten Kern sieht, der in ihm schlummert, die einen Gesinnungswandel in ihm einleitet. Dass sie außerdem die Tochter seines Trainers ist, bringt zusätzliches Konfliktpotenzial. Ebenfalls nicht fehlen dürfen die ebenfalls ausgemusterten amerikanischen Profis, die einst mit denselben Vorbehalten nach Japan kamen, aber mittlerweile wenn schon nicht geläutert, so doch zumindest besänftigt sind. Sie treffen sich in ihren amerikanischen Bars, wo sie wässriges Bier aus Pitchern saufen, rüde Witzchen reißen und der guten alten Zeit in der besten Liga der Welt nachhängen. Ihnen voran geht Max „Hammer“ Dubois (Dennis Haysbert), der sich auch des Helden annimmt und seine Anpassungsschwierigkeiten mit einem wissenden Lächeln verfolgt. Erst als Elliot alle verprellt hat, beginnt er unter dem Einfluss seines Trainers umzudenken.

Aber so eine Geschichte von kultureller Verständigung ist ja keine Einbahnstraße und so dürfen auch die Japaner etwas vom Amerikaner lernen, etwa dass Baseball ein Spiel ist, das Spaß machen soll. Dass Scherze und Neckereien in der Kabine dazugehören und Fehler auf dem Feld nicht zur Demission, sondern zur Aufmunterung führen sollten. Während Elliot Demut, Respekt und Teamgeist lernt, macht sich der strenge Trainer unter dem Einfluss des Amis endlich mal locker – auch gegenüber seiner Tochter. Das ist alles nicht wirklich überraschend und dass Elliot am Ende dann den ersehnten Vertrag in der Major League bekommt, schwächt die Message schon ein wenig ab. Japan war mit seiner Gurkenliga dann doch eher eine Durchgangsstation, in der der Profi zwar zum besseren Menschen werden konnte, sportlich war dort aber selbstverständlich nix für ihn zu holen. Immerhin nimmt er die schöne Hiroko mit nach Hause, die dann während des Trainings zwischen den schönen Spielerfrauen auf der Tribüne sitzt und den Göttergatten bewundert, der nun selbst Trainer ist und sein Wissen weitergibt. (Ein Anruf mit ihrem riesigen Mobiltelefon macht klar, dass sie auch noch eine eigene erfolgreiche Karriere verfolgt.) Ihr merkt schon: MR. BASEBALL ist durch und durch formelhaft und fest im Mittelmaß zu verorten, aber dabei nicht gänzlich unsympathisch. Es muss nicht immer Kaviar, oder, in diesem Fall, Sushi sein.

 

the fish that saved pittsburgh (gilbert moses, usa 1979)

Es wird wahrscheinlich nicht Siebzigerer als hier (vor allem in Anbetracht der Tatsache, dass ich CAN’T STOP THE MUSIC schon gesehen habe): Ein lausiges Basketballteam avanciert unter der Führung einer Astrologin und eines kleinen Jungen zur Sportsensation und zum Meister – natürlich nicht, ohne auf ein scheußliches Glitzertrikot umzusteigen, den Hallenboden mit einem psychedelischen Fischmotiv zu verschandeln und mit einem Heißluftballon zu Discomusik zum Endspiel zu gleiten. So ganz habe ich nicht verstanden, was das soll.

Das Team der Pittsburgh Pythons erlebt auf dem Basketball Court ein Debakel nach dem nächsten. Die Spieler sind hoffnungslos zerstritten, bekämpfen sich mehr gegenseitig, als dass sie es dem Gegner schwermachen. Trainer und Manager sind ratlos und werden schließlich gemeinsam mit den Problemspielern entlassen, um dem Plan des Balljungen Tyrone (James Bond III) zu folgen: Er rekrutiert die Astrologin Mona Mondieu (Stockard Channing) und formt mit ihr ein Team aus Spielern, die wie der Star Moses Guthrie (Julius Erving) ausschließlich dem Tierkreiszeichen „Fische“ angehören. Die Bande von vermeintlichen Versagern – u. a. der Sitzriese Setshot (Jack Kehoe), der Indianer Winston Running Hawk (Branscombe Richmond), der Stumme Bullet (Malek Abdul-Mansour), der Pfarrer Grady Jackosn (Meadowlark Lemon) und das Zwillingspaar Benny und Kenny Rae (Dwayne & Darryl Mooney) – brennt vom Start weg eine absolutes Feuerwerk ab und schafft es bis zum Endspiel: Bei dem plötzlich aber die Astrologin Mona abwesend ist …

Angeblich genießt der Film einen kleinen Kultstatus aufgrund seines Disco-Soundtracks und der Tatsache, dass diverse damalige Basketballprofis – u. a. der Hauptdarsteller Julius Erving und Kareem Abdul-Jabbar – sowie lokalen Fernseh- und Politikgrößen zu sehen sind (Ken Foree übrigens auch). Wem das nicht ausreicht, der kann sich noch am Zeit- und Lokalkolorit sowie am reinen Kuriositätenfaktor erfreuen. Ich will dem Film eine gewisse muntere Kurzweil gar nicht absprechen, aber wirklich berührt oder gar mitgerissen hat mich das alles nicht. Worin genau der Geniestreich eines Teams aus Fischen nun genau besteht, dafür kann und will der Film keine Antwort liefern: Wir müssen ihm einfach glauben, dass die Pisces aufgrund dieser Tatsache nahezu unschlagbar sind. Zugegeben: Es wäre wahrscheinlich zwecklos, eine solch hirnrissige Idee irgendwie unterfüttern zu wollen, aber so wirkt das alles völlig willkürlich, zumal die tatsächlichen Fähigkeiten der Spieler nach ihrer Vereinigung als Team gar keine Rolle mehr spielen. Auch die Durchsetzung der absurden Idee, die ja noch dazu von einem kleinen Jungen kommt, verläuft problemlos. Überhaupt ist auffällig, dass der ganze Film nach seinem Auftakt bis zum großen Finale völlig ohne Konflikt auskommt. Noch nicht einmal das zum Schreien hässliche Trikot stößt auf Kritik, sondern darf sich ungeteilter Begeisterung gewiss sein. Diese Harmonie, der Glaube, dass so ein bisschen Spiritualität uns alle weiterbringt, ist wahrscheinlich neben Look und Feel und Sound das, was den Film am deutlichsten in seiner Zeit verortet. Faszinierend ist das schon irgendwie. Aber vielleicht ist „suspekt“ der bessere Begriff dafür.

 

fatal games (michael elliot, usa 1984)

Wer eine Mission hat, braucht Durchhaltevermögen für entbehrungsreiche Zeiten. Er darf sich nicht entmutigen lassen, auch wenn die Aussichten noch so trostlos sind. Er muss das Ziel immer vor Augen haben, auch wenn es unerreichbar scheint. Und er darf den Glauben an sich und die Richtigkeit seiner Überzeugung nie verlieren. Das gilt für die jugendlichen Protagonisten von FATAL GAMES, jungen Sportlern, die um die Teilnahme an den US-Meisterschaften kämpfen und sich einen Platz bei Olympia erhoffen, mehr aber noch für mich, der sich das Ziel gesetzt hat, alle Slasherfilme der Achtzigerjahre zu schauen und sich deshalb durch Filme wie diesen quälen muss.

FATAL GAMES hat dabei zumindest einmal ein gar nicht so uninterressantes Setting – zumindest im direkten Vergleich mit Dutzenden anderer Slasherfilme. Die Sportakademie und die Ausscheidungskämpfe bringen einen potenziellen zusätzlichen Reiz mit sich und natürlich reichlich Gelegenheit für absurde creative kills. Ich schreibe „potenziell“, denn Regisseur Elliot macht nichts aus den Möglichkeiten und selbst wenn die Speerwurf-Morde noch das beste an dem Film sind, sind sie vor allem eins: redundant. Das jugendliche Hin und Her um strenge Trainer, Eltern, die nicht an die große Sportlerkarriere glauben, und zart blühende Romanzen kennt man aus Tausenden ähnlicher Filme, die das trotzdem weniger formelhaft und gelangweilt abspulten. Und die eigentlich ganz nette Auflösung – SLEEPAWAY CAMP lässt grüßen – kann angesichts der vorangegangenen Tristesse nicht wirklich mit dem Film versöhnen.

Einem Slasherfilm von 1984 vorzuwerfen, er sei ein reines Cash-in, ist zugegebenermaßen etwas albern, aber bei diesem Film kommt die zeitliche Nähe zu den Olympischen Spielen in Los Angeles hinzu: Da war offensichtlich Eile geboten, sodass die eigentlich interessante Idee, die amerikanischen Sportler zu Versuchskaninchen in einem Hormonprogramm zu machen, sträflichst unterentwickelt bleibt. Der Wunsch, mit den „Maschinen“ aus Ostdeutschland und der UdSSR mithalten zu können, treibt die Verantwortlichen an, doch am Ende ist das nicht mehr als ein Subplot, der zu keiner befriedigenden Auflösung kommt und letztlich nur Zeit raubt. Wenn man bedenkt, dass die Russen die Spiele 1984 boykottierten, ist die Referenz sogar ein weiteres Fettnäpfchen, das FATAL GAMES bereitwillig mitnimmt.

the slugger’s wife (hal ashby, usa 1985)

THE SLUGGER’S WIFE ist Hal Ashbys vorletzter Film. Beschäftigt man sich nur oberflächlich mit seiner Vor. und Entstehungsgeschichte, seiner kritischen Rezeption und dem miserablen Einspielergebnis ist es fast ein Wunder, dass Ashby – einst als Wunderkind gefeiert und mit einem unfassbaren Run in den Siebzigerjahren – danach noch einmal an einen Set gelassen wurde. (Zumindest, was das Einspielergebnis anging, dürften die Produzenten von 8 MILLION WAYS TO DIE diese Entscheidung bereut haben.)

Ashbys Komödie um den Baseballprofi Darryl Palmer (Michael O’Keefe), der sich in die Nachtclubsängerin Debby Huston (Rebecca De Mornay) verliebt, sie nach hartnäckigen Eroberungsversuchen heiratet und beflügelt von den amourösen Gefühlen zum Homerun-König der Liga avanciert, basiert auf einem Buch des Starautoren Neil Simon, der seinerseits für Broadway- und Filmklassiker wie THE ODD COUPLE, BAREFOOT IN THE PARK, SWEET CHARITY, THE HEARTBREAK KID, MURDER BY DEATH oder BILOXI BLUES verantwortlich zeichnete. Glaubt man den Berichten, war der Autor entsetzt, als er Ashbys Rohschnit der ersten 30 Minuten zu Gesicht bekam, der aus seiner Komödie ein nahezu dialogloses mood piece gemacht hatte. Es war nur der Anfang einer schwierigen Zusammenarbeit, an deren Ende der Regisseur die Brocken hinwarf. Seinem Wunsch, seinen Namen aus dem Film zu tilgen, kam Stark nicht nach. Das Ergebnis war verheerend: Die Kritik hatte kein gutes Wort für THE SLUGGER’S WIFE, das Einspielergebnis belief sich auf nicht einmal 2 Millionen Dollar, weniger als zehn Prozent seines Budgets. Der Film war kein Flop, sondern ein Desaster. Aber das war nicht allein Ashbys Schuld.

Die Verbindung von Ashby und Simon war über Umwege zustande gekommen, genauer über den Produzenten Ray Stark, der ein Fan von Ashby war und ein ehemaliger Geschäftspartner von Simon, der wiederum zu Beginn der Achtziger nach einigen missratenen Projekten dringend einen Karriereschub benötigte – genauso wie Stark. Es gelang dem Produzenten jedoch weder seine erste Wahl für den Hauptdarsteller (Warren Beatty), dessen Partnerin (Darryl Hannah) noch für den Regisseur (Martin Ritt) für das Projekt zu begeistern: Beide hatten ernste Zweifel an der Qualität des Drehbuchs und so kamen O’Keefe und Ashby an Bord, der zu jener Zeit alles andere als einen guten Ruf in Hollywood hatte, als unzuverlässig, aufmüpfig und drogenabhängig galt. Es schien eine Win-win-Situation: Ashby bekam einen neuen Job, Stark und Simon einen Regisseur, den sie in der Hand hatten. Dass Ashby für den Stoff nicht der geeignete Mann war, kam anscheinend niemanden in den Sinn. Zitat von Kameramann Caleb Deschanel: „Stark hired him because he was down-and-out, and they thought they could push him around. I was too embarassed to ask Hal why the fuck he did it.“ Die Dreharbeiten wurden schnell zum Albtraum: Ashby bekam relativ früh aufgezeigt, dass er nicht als auteur, sondern lediglich als williger Handwerker angeheuert worden war, Rebecca De Mornay hatte große Schwierigkeiten mit ihrem Part, und das eh schon wenig komische Drehbuch, von Simon während seiner Scheidung verfasst, wurde nahezu täglich umgeschrieben. Hinzu kamen die privaten Probleme Ashbys, die in einer Zunahme seines Drogenkonsum resultierten. Das Scheitern war im Grunde vorprogrammiert – und überraschte niemanden der Beteiligten. Dennoch kam es beim Schnitt zur Explosion. Stark und Simon waren unzufrieden, sahen alle Verantwortung bei Ashby, obwohl der beim Dreh kaum EInfluss hatte ausüben dürfen.  Er zog schließlich die Reißleine: „I stepped out of the picture so they could continue on to meet the Xmas date. All I asked was to view the film, when they felt it was ready, to see if I wanted my name on it. They said I could look on it right away. So I looked, thought it was dreadful, and asked to have my name taken off.“ Doch ihn aus der Verantwortung zu lassen, kam für Stark und Simon offensichtlich auch nicht in Frage. Als Ashby in einer zweiten Schnittfassung die meisten Probleme des Films gelöst hatte, schien der Weg für die Veröffentlichung frei, doch wieder meldete sich Simon zu Wort und schlug vor, Ashbys Fassung von einer neu angeheuerten Kraft überarbeiten zu lassen. Ashby stieg wieder aus, diesmal endgültig, doch sein Name blieb mit dem Film verbunden und brachte ihm harsche Worte der Kritik ein. Wie viel von THE SLUGGER’S WIFE noch von ihm ist, ist ungewiss.

Angesichts dieser Genesis verwundert es tatsächlich nicht, dass THE SLUGGER’S WIFE ein furchtbar zielloser, unentschlossener, unwitziger und steifer Film geworden ist. Anders als andere Filme, die durch Zwistigkeiten am Set sabotiert wurden, ist er aber auch nicht so durch und durch chaotisch, dass daraus eine eigene Qualität entstünde. Der Film findet weder einen eigenen Rhythmus, einen durchgehaltenen Ton noch überhaupt eine Beziehung zu seinen Charakteren. Darryl Palmer wandelt sich vom trottelig-unbedarften Depp zum idiot savant zum arroganten Kotzbrocken ohne dass eine dieser Züge sich echt anfühlte, Rebecca De Mornay scheitert sowohl daran, die Anziehungskraft ihres Gegenübers zu rechtfertigen noch ihre Liebe zu ihm glaubhaft darzustellen. Vollkommen idiotische Szenen wie jene, in der Darryls verzweifelter Trainer (Martin Ritt) ein Double einstellt, das dem kurzfristig erblindeten Sportler gegenüber als seine reuige Ehefrau auftritt, ohne das dieser den Betrug bemerkt, wären auch mit meisterhafter Regie und Top-Darstellern problematisch gewesen, in der hier vorliegenden Gemengelage sind sie geradezu selbstmörderisch. Es ist einfach rätselhaft, was den Köpfen hinter dem Film vorschwebte. Für eine Komödie ist der Film einfach nicht lustig genug, für ein Drama zu albern, als Sportfilm zu langweilig, für eine Romanze zu bitter. Er beginnt als Film über einen liebenswerten Trottel, geht weiter als Eloge über die Kräfte, die die Liebe zu entfesseln imstande ist, wird dann zum Drama über das im Käfig der Ehe gefangene Singvögelchen und endet wie ein europäisches Ehedrama. Dass man mit dem Pop-Soundtrack (u. a. sind Coverversionen von „LIttle Red Corvette“, „Hungry Heart“, „Hey hey my my“ und „Summer in the City“ zu hören) auch noch die Jugend zu ködern versuchte, unterstreicht die Orientierungslosigkeit, mit der man an allen möglichen Zielgruppen vorbeischoss, mitten hinein in den Ofen, der danach für Stark, Ashby und Simon gleichermaßen aus war.