Mit ‘Tom Hiddleston’ getaggte Beiträge

Kritiker sahen in THOR: RAGNAROK eine Art Neustart der THOR-Reihe: Waititi hatte sich angeblich von GUARDIANS OF THE GALAXY inspirieren lassen, dessen Witz und Leichtigkeit dem Film innerhalb des MCU eine gewisse Sonderstellung verliehen hatten. Es leuchtet ein, warum die Kritik diese Verbindung herstellte: THOR: RAGNAROK ist wie der genannte Smash Hit bunter, episodenhafter, poppiger, und humorvoller als die anderen Filme aus dem Marvel-Universum. Andererseits hatte Hemsworth den Donnergott Thor schon in den vorangegangenen Einträgen mit einer Prise Selbstironie versehen, wissend, dass ein langhaariger Wikinger aus dem Kitschkönigreich Asgard nur schwerlich als „cool“ zu verkaufen ist. Ich bin ja eh einer der wenigen Verteidiger des ersten THOR und mir hatte an ihm seinerzeit genau das gut gefallen, was alle an ihm bemängelten: dass er vergleichsweise flüchtig daherkam, ohne diese aufgesetzte Bedeutungshuberei, die die Filme aus dem MCU spätestens seit deren zweiter Phase zu einer oft drögen Angelegenheit werden ließ.

Waititi hat genau diese Qualität bewahrt bzw. sie weiter ausgebaut: RAGNAROK ist ein Bubblegum-Spektakel voller One-liner, im positiven Sinne blöder Witzchen, spektakulärer Set Pieces, bunter Bilder und überdrehter Figuren. Die Story, eine haarsträubende Aneinanderreihung von Duellen, ist merklich zweitrangig, wichtiger sind die geilen Kulissen, Effekte, Gags und Kostüme. Endlich kommt auch der vernachlässigte Hulk mal wieder zu seinem Recht, wahrscheinlich die interessanteste Figur der Avengers, aber auch die, mit der die Macher am wenigsten anzufangen wissen. Dabei beweist Waititi, dass der große Wutbrocken auch in einem solch leichten Film wie diesem einen spannenden Protagonisten abgeben kann. Die Szenen zwischen Thor und ihm sind Highlights und man fragt sich, wozu es überhaupt solcher Langweiler wie Captain America, Iron Man, Hawkeye oder Black Widow bedarf, wenn man diese beiden Charmebolzen am Start hat.

Alles gut also? Nun ja. Zwar finde ich THOR: RAGNAROK um ein Vielfaches sympathischer als 99 Prozent der Filme, die mit dem Marvel-Logo erscheinen – allein der Einsatz von Led Zepplins „Immigrant Song“ ist mir eine Verbeugung wert -, aber am Ende kann auch Waititi den Vorwurf der Formelhaftigkeit nicht ganz zerschlagen. Klar, hier geht es um Trivial-Entertainment, aber dieser antiseptische Look und die Eile, mit der von einer „Nummer“ zur nächsten gerast wird, ohne die Geduld, mal einen Moment einfach atmen, ein Bild stehen zu lassen, oder dem Betrachter die Möglichkeit zu geben, sich umzusehen, stehen einem echten Erlebnis im Weg. Diese Geschäftigkeit ist immer noch das Hauptproblem des MCU – und THOR. RAGNAROK macht da letztlich auch keine Ausnahme.

King Kong ist wahrscheinlich eine der berühmtesten Schöpfungen, die das Kino hervorgebracht hat – mehr noch: Kong IST Kino, eine Kreatur, die dafür gemacht war, auf der Leinwand zum Leben erweckt zu werden. Neben den beiden „echten“ Kong-Filmen sowie den Remakes und ihren Fortsetungen inspirierte der Riesenaffe zahlreiche weitere Filme aus aller Welt (man lese hierzu auch Ingo Streckers neues Buch „Gorillawood“) und eines der schönsten Kinophänomene überhaupt. Der aktuellste Beitrag zum äffischen Treiben knüpft nicht etwa an Peter Jacksons umstrittene Neuverfilmung aus dem Jahr 2005, sondern an Gareth Edwards GODZILLA und die Tradition des japanischen Kaijus mit seinen ausufernden Monsterbalgereien an. Grundsätzlich eine schöne Sache. Leider ist das Riesenaffen-Abenteuer mit der Ausdauer und Ruhe eines Dreijährigen inszeniert. Die spannungsarme, dafür aber atemlose Aneinanderreihung von effektreichen Monsterszenen ist zwar schön bunt und kurzweilig, verpufft trotz gigantischem Geld- und Technikeinsatz aber nahezu wirkungslos.

Ich muss gestehen, Jacksons Remake im Gegensatz zur gängigen Einschätzung damals absolut geliebt zu haben. Ja, der Film hätte vielleicht ein paar Kürzungen gut vertragen, aber seinem Regisseur war es m. E. doch gelungen, seine schablonenhaften Charaktere ebenso wie seine digitalen Kreaturen mit Leben zu füllen. Und man merkte dem Film in jeder seiner rund 180 Minuten an, wie oft Jackson die Heimat Kongs in seiner Fantasie besucht hatte, dass sein Film auch die Erfüllung eines lang gehegten, intensiven Jungentraums war. Die Kluft zu KONG: SKULL ISLAND könnte größer kaum sein. Seine Figuren sind kaum mehr als Stichwortgeber für eine nur rudimentär skizzierte Story, die vollends übertriebenen Monsterschöpfungen werden mit großer Hast ins Rennen geworfen und selbst der Titelheld, der nun die Größe eines Berges hat, bleibt seltsam blass. Viel wurde über die Parallelen zu APOCALYPSE NOW geschrieben: KONG: SKULL ISLAND sei ein Quasi-Kriegsfilm, vielleicht sogar eine Allegorie auf den Vietnamkrieg (ganz nach dem Vorbild von Inoshiro Hondas Ur-GODZILLA, der bekanntermaßen eine Reaktion auf die Atombombe war). Ich fand die Idee ja einigermaßen reizvoll, aber ich hätte wissen müssen, dass die Parallelen sich in ein paar leicht zu identifizierenden Bildzitaten, die „Allegorie“ darin erschöpft, dass die Soldaten auch hier durch den Urwald stapfen und sich dort einem mit „archaischen“ Mitteln kämpfenden Gegner gegenübersehen. Ein typischer Fall für einen „Subtext“, der keiner ist, weil er jederzeit lautstark und überdeutlich artikuliert wird, mit dem Ziel, Bedeutung vorzugaukeln.

„Warum das alles?“, fragt man sich. Eine Insel voller Monster, eine aus Wissenschaftlern, Abenteurern und Soldaten zusammengesetze Mannschaft, die von diesen dezimiert wird: Ist das nicht mehr als genug Stoff für einen Film? Jordan Vogt-Roberts tut sein Bestes, jeden Tropfen aus seiner kargen Prämisse rauszupressen, und wahrscheinlich sollte ich mit dem, was ich bekommen habe, zufrieden sein: jede Menge Effekte, Kreaturen und mitunter tolle Bilder. Aber leider wird das alles so  dargeboten, dass nichts davon wirklich hängenbleibt oder auch nur die angestrebte Wirkung erzielt (ich gebe zu, im Kino war der Überwältigungseffekt wahrscheinlich ungleich größer). Nach kurzer Exposition und Spannungsaufbau tritt sofort Kong auf, die meines Erachtens spektakulärste Sequenz des Films ist gewissermaßen der Aufmacher. Ich sehe ja ein, dass man den Riesenaffen in einem Film von 2017 nicht mehr lange anteasern muss, aber es gibt für Vogt-Roberts nach diesem Moment nichts mehr hinzuzusetzen. Das führt dazu, dass es von allem Mehr gibt, ohne jedes Gespür für Rhythmus oder Dramaturgie. Früher kämpfte Kong gegen einen Tyrannosaurus, heute sind es die fiesen Skullcrawler, zweibeinige (?) Riesenechsen mit Totenschädelkopf. Früher war es Gang und Gäbe, dass irgendwo eine Riesentarantel träge in ihrem Netz hing, hier ist die Riesenspinne gleich so groß wie ein Hochhaus. Die Riesenkrake, mit der es Kong zu tun bekommt, ist es den Filmemachern schon gar nicht mehr wert: Sie wird vom Titelhelden genauso schnell beiseite geschafft wie sie aufgetaucht ist. Und das unablässige Sterben der zahlreichen Nebenfiguren, evoziert keinerlei Reaktion, so wenig tangieren sie.

Was ich sagen will: KONG: SKULL ISLAND fehlt in jeder Hinsicht die Zurückhaltung, die ein spannender Abenteuerfilm auf der Schwelle zum Horror, aber auch eine bloß bunte Monsterbalgerei im Stile eines Kaiju benötigt. Vogt-Roberts will irgendwie beides haben, aber am Ende fabriziert er einen Film, für den die Form eines Sonntagmorgen-Cartoon um einiges besser geeignet wäre. Trotz Kriegs-Sujet ist das alles flüchtige Kinderkacke ohne echten Stil, ohne Charme und ohne jede Nachhaltigkeit. Ich will KONG: SKULL ISLAND nicht jeglichen Unterhaltungswert absprechen, aber irgendwie tut mir Kong hier noch mehr Leid als im Orginal – obwohl er überleben und seine Rückkehr verkünden darf.

 

 

 

crimson-peak-mondo-poster-3„Ghosts are a metaphor for the past“, verteidigt die ambitionierte Schriftstellerin Edith Cushing (Mia Wasikowska) ihr Manuskript gegenüber dem skeptischen Verleger, der angesichts der Tatsache, dass die junge Frau ihm eine „ghost story“ andienen möchte, herablassend mit den Augen rollt. Sie solle es doch lieber mal mit einem Liebesroman versuchen, rät er ihr, aber immerhin sei ihre Handschrift sehr schön. Das nächste Manuskript werde sie mit der Maschine schreiben, erklärt die enttäuschte, aber nicht entmutigte Edith danach ihrem Vater (Jim Beaver), überzeugt, dass es ihre weibliche Handschrift war, die den Verleger von der Qualität ihres Romans abgelenkt hat.

Guillermo del Toro hat nicht, wie seine Heldin, das Problem, qua Geschlecht bestimmten Erwartungen ausgesetzt zu sein und trotzdem beherzigt er den Rat des Verlegers. Allerdings nicht, um seine wahren Interessen zu verschleiern, sondern weil beide Elemente, Geister/Erinnerung und Liebe, für ihn sowieso zusammengehören. Das Tolle an CRIMSON PEAK ist, dass del Toro gar keinen Hehl daraus macht, im Grunde genommen hoffnungslos romantisch und altmodisch zu sein. Nachdem es ihm trotz teilweise beachtlicher Leistungen und enormer Credibility unter Nerds und Genrefilm-Freunden nicht ganz gelungen ist, sich in Hollywood durchzusetzen – seit Jahren bemüht er sich, den dritten HELLBOY-Film an den Start zu bringen, vom HOBBIT-Mammutprojekt sprang er in letzter Sekunde ab und PACIFIC RIM war gewissermaßen der vorzeitige Samenerguss unter den Flops -, stellt CRIMSON PEAK eine stilistische und emotionale Rückkehr zu seinen beiden wahrscheinlich besten Filmen dar: EL ESPINAZO DEL DIABLO und EL LABERINTO DEL FAUNO, beides in erster Linie von ihrem Dekor, ihrer Stimmung und Einfühlsamkeit getragenen Filmen, für die der Begriff „Horror“ zu schrill, der Begriff „Grusel“ zu heimelig klingt.

In CRIMSON PEAK geht es um eine verhängnisvolle, tragische Liebe, eine Liebe, die alles, das sich ihr entgegenstellt, nicht nur missachtet, sondern auch umbringt und so zum eisigen Gefängnis für die Liebenden wird. Das Haus, in dem die beiden wohnen, versinkt langsam im roten Lehm, der – wie das Blut ihrer Opfer – langsam überall um sie herum aus dem Boden sprudelt, aus den Wänden und den Rohren sickert. Das erinnert natürlich an Poes „The Fall of the House of Usher“, in dem der marode Zustand eines einst stolzen Herrenhauses ein deutliches Zeichen für den moralischen Verfall und die Dekadenz seiner Bewohner ist. Auch wenn die beiden Antagonisten von CRIMSON PEAK große Schuld auf sich geladen und scheußliche Verbrechen begangen haben: Man trauert am Ende doch mit ihnen, weil sie schon in ihrer Kindheit auf einen verhängnisvollen Weg geführt wurden und nie wirklich die Chance hatten, ein normales Leben zu führen. Die schaurigen Gespenster, die als slicke, blutrote CGI-Kreaturen durch die dunklen Gänge der verwunschenen Ruine spuken, sind dagegen eher Beiwerk. Der wahre Star des Films ist eben dieses Haus, dessen spitze Türme sich wie Skelettfinger sehnsüchtig dem bleichen Himmel entgegenrecken, dessen löchriges Dach Wind und Wetter keinen Einhalt mehr gebietet, dessen verliesartiger Keller mit dem blutrot und zäh wie Lava durch den Boden dringenden Lehm wie der Eingang zur Hölle aussieht. Die Menschen bleiben – und das ist keinesfalls wertend gemeint – blass: Sowohl Mia Wasikowska als auch Tom Hiddleston und Jessica Chastain tragen eine blutarme Leichenblässe zur Schau, die einerseits mit dem zum Finale einsetzenden Schneegestöber korrespondiert, andererseits einen schönen Kontrast zum Scharlachrot bildet, das logischerweise eine wichtige Rolle im Film spielt. Wenn man del Toro vorwürfe, CRIMSON PEAK sei nicht gerade die Neuerfindung des Rades oder, noch etwas weniger nett gesagt, „konservativ“, es gäbe wenig, was sich wirklich dagegen vorbringen ließe. Ich hingegen bin sehr froh, dass sich noch jemand traut, solche Stoffe ohne Anbiederungen an zeitgenössische Trends, ohne geilen Twist, ohne Cliffhanger für ein mögliches Sequel, dafür aber mit jeder Menge spürbaren Herzbluts, viel sichtbarer Liebe zum gestalterischen Detail und größter erzählerischer Eleganz auf die große Leinwand zu bringen. Ich nehme gern mehr davon!

Der von Kenneth Branagh inszenierte Vorgänger sah im Vorfeld aus, wie ein Film, den man schnell und ohne große Überzeugung rausgehauen hatte, weil der nordische Donnergott eben auch zum THE AVENGERS-Franchise gehörte. Thor war ja immer eine besonders anachronistische Figur, die sich für ein „gritty“ Reboot deutlich weniger eignet als seine Superheldenkollegen. Glücklicherweise versuchte man es dann auch gar nicht erst, ihn irgendwie „relevant“ zu machen: Klar, das Altenglisch, in denen Odins Sohn in den Comics früher stets parlierte, suchte man im Film vergebens, trotzdem vermied Branagh es, dem Stoff seine trashige Albernheit gänzlich auszutreiben. Zwischen den ganzen bedeutungsschwer aufgeplusterten Marvel-Verfilmungen blieb er trotz Multimillionen-Dollar-Budget immer noch tief im naiven, infantile Charme der Comic verwurzelt. THOR: THE DARK WORLD, der wie der zur Zeit anlaufende CAPTAIN AMERICA: THE WINTER SOLDIER zur zweiten Welle des Avengers-Filmzyklus gehört, bewahrt zwar von ersten Teil den Humor und das Wissen, dass der Titelheld im Grunde genommen eine ziemlich alberne Figur ist, aber er ist vor allem bemüht, diese Erkenntnis im großen, pathetischen Tamtam zu ersäufen, ohne dem auf der Storyseite wirklich etwas entgegensetzen zu können.

Während der „Convergence“, einer Zeit, in der die neun Dimensionen der Erde – zu denen eben auch Thors Heimat Asgard gehört – miteinander verbunden sind, entdeckt die Wissenschaftlerin Jane Foster (Natalie Portman) in London das für verschollen gehalten „Aether“, eine kosmische Kraft, die der Dunkelelf Malakith (Christopher Eccleston) in grauer Vorzeit zur Zerstörung Asgards nutzen wollte. Das „Aether“ ergreift Besitz von Jane und ruft sowohl Thor (Chris Hemsworth) als auch Malekith auf den Plan. Asgard sieht sich einem erneuten Angriff des Schurken gegenüber, dem Thors Mutter Frigga (Rene Russo) zum Opfer fällt. Gemeinsam mit seinem intriganten Bruder Loki (Tom Hiddleston) kann Thor dem Dunkelelf eine erste Schlappe zufügen, der echte Showdown ereignet sich dann von London aus quer durch die mit Wurmlöchern verbundenen Dimensionen …

Spielte der erste Teil überwiegend in einem schmucklos aussehenden Wüstenkaff in New Mexico, entführt uns THOR: THE DARK WORLD über weite Strecken nach Asgard und die angrenzenden Fantasiewelten. Mit viel CGI-Power wird die fantastische Welt als Hybrid von Fantasy- und Science-Fiction-Welten sowie alten Wikinger- und Mittelalter-Monumentalschinken hochgezogen, erinnert am Ende aber doch nur ungut an den Bombast von Peter Jacksons LORD OF THE RINGS. Asgard erscheint als architektonische Mischung aus der Elfenstadt Rivendell und der Wolkenmetropole Bespin in THE EMPIRE STRIKES BACK, die Welt der Dunkelelfen sieht aus wie Mordor in klein, Malekiths drohend in den schwarzen Himmel ragendes Raumschiff ersetzt Saurons Turm Barad-dûr. Doch all der Pomp läuft irgendwie ins Leere: Das „Aether“ ist eine komplette Leerstelle, genau wie Janes Besessenheit durch die mystische Kraft und der Schurke Malekith, und man fragt sich, wie viele Marvel-Filme noch um irgendein uraltes Artefakt zur Beherrschung des Universums kreisen sollen, bevor sich die Dutzenden von Drehbuchautoren, die da beschäftigt werden, mal eine richtige Geschichte einfallen lassen. Klar, auch die Comics kreisen meist um archetypische Konflikte und ihre bunten Figuren, aber die durften da über die Jahre wenigstens so etwas wie Persönlichkeit aufbauen. Hier werden sie achtlos in den Tumult geworfen, der lediglich Anlass für vordergründiges Spektakel ist. Das macht durchaus Spaß und hat Tempo, vor allem zum Schluss hin, wenn Taylor den Effektbombast immer wieder mit kleinen Gags auflockert – im tollsten Moment des Films hängt Thor seinen Hammer an die Garderobe der Studentenbude, die er in London betritt –, ist größtenteils aber leer und austauschbar. Dabei sind Thor und sein Bruder Loki durchaus interessante Figuren, die ihr Potenzial immer wieder andeuten dürfen, bevor die nächste Verfolgungsjagd, der nächste Kampf, die nächste Explosion sie zu bloßen Körpern degradieren. Ich finde es durchaus lobenswert, dass mit Thor ein Franchise aufgebaut wurde, das gerade im Kontrast zu den moderneren, mehr in unserer Realität verhafteten Captain America oder Iron Man steht: Den Camp-Appeal, der die Comics Legionen Halbwüchsiger ans Herz schweißt, bildet das Herz von THOR: THE DARK WORLD. Gerade deshalb finde ich es so schade, dass er dafür keine visuelle Entsprechung findet, den kindischen Spaß in respektabel-generischer Computerperfektion erstickt, anstatt ihm ein bonbonfarbenes Denkmal zu errichten.

 

 

Weil Thor (Chris Hemsworth), Sohn Odins (Anthony Hopkins) und Anwärter auf den Thron von Asgard, einen Krieg gegen die „Frost Giants“ aus Jotunheim anzettelt, wird er von seinem Vater auf die Erde verbannt und seiner Kräfte beraubt. Während er in einem kleinen Kaff in New Mexico die Wege der Wissenschaftlerin Jane Foster (Natalie Portman) kreuzt und sein Hammer Mjolnir das Interesse der Organisation S.H.I.E.L.D. weckt, arbeitet sein Halbbruder Loki (Tom Hiddleston) zu Hause daran, die Macht zu übernehmen …

Als Fan des Marvel-Helden Thor muss man für gewöhnlich viel Spott über sich ergehen lassen. Mit seinem pompösen Gehabe, seinen blonden langen Haaren und der gestelzten Diktion (in den englischen Originalversionen der Comics sind seine Dialogzeilen vollgestopft mit „thou“s und „thy“s) ist der nordische Donnergott zwischen all den Mutanten, genialen Wissenschaftlern und menschlichen Tough Guys, die das Marvel-Universum bevölkern, ein krasser Außenseiter. Eine Verfilmung der Comicreihe – der Marvel wohl auch deshalb eine Zwangspause verordnet hat, weil Thor bestehenden Coolness-Konzepten diametral entgegengesetzt ist – war von daher denkbar schwierig. Während sich seine Superheldenkollegen je nach vorherrschenden Trends rebooten und umkonfigurieren lassen, gibt es bei Thor im entscheidenden Punkt keine Kompromisse: Er ist ein nordischer Gott. Wenn man ihm das nimmt, dann macht die ganze Figur keinen Sinn mehr. Die Macher von THOR standen also vor der schwierigen Aufgabe, die Figur auf die Leinwand zu transferieren, ohne ihre Wurzeln zu kappen, aber gleichzeitig dafür zu sorgen, dass der nordische Mummenschanz nicht allzu sehr ins Alberne abdriftet. Die Entscheidung, Kenneth Branagh auf den Regiestuhl zu hieven, ließ zunächst befürchten, dass die Produzenten dieses spezifische Problem einer Thor-Verfilmung eben nicht erkannt hatten: Sollte THOR tatsächlich ein dröger Kostümfilm im Stile seiner „werkgetreuen“ Shakespeare-Adaptionen werden? Einen spielerisch-leichten Umgang mit seinen Stoffen war man von dem Briten bisher schließlich eher nicht gewohnt. Letztlich scheint die Besetzung des Regisseur-Postens bei diesen Eventfilmen aber nahezu irrelevant: Zu viel Geld steht auf dem Spiel, als dass die Studios sich ihre Gewinnkalkulation von einer einzelnen Person und seiner höchst singulären „Vision“ kaputtmachen ließen. Und so mutet auch THOR sehr anonym und stromlinienförmig an: Allerdings stechen dafür die Pointen auch stärker hervor als beispielsweise in IRON MAN oder THE AVENGERS.

Ja, wider Erwarten hat mir THOR richtig gut gefallen – und vielleicht ist es tatsächlich nur dieses „wider Erwarten“, dass mich hier behaupten lässt, dass THOR von den vergangenen Marvel-Verfilmungen für mich die ist, bei der die Mischung aus verantwortungsbewusster Hommage, aufgedunsenem Effektbrimborium, käsigen B-Film-Charme und postmodernem Augenzwinkern am besten funktioniert, die den Spirit der zugrunde liegenden Comics am besten einfängt. Chris Hemsworth verleiht dem großmäuligen, selbstverliebten Popanz Gestalt und Persönlichkeit, findet mit Branagh und den Autoren einen Weg, die potenziell lächerliche Figur glaubwürdig und ohne allzu großes Pathos auf die Leinwand zu bringen. Die Szenen, in denen der Held selbst zur Zielscheibe des Spottes wird, ziehen ihn nicht ins Lächerliche, sondern konturieren ihn als aus der Zeit Gefallenen. THOR verfolgt über weite Strecken eine Fish-out-of-Water-Plotline, die immer wieder mit Ausflügen in das fantastische Asgard kontrastiert wird. Donnergott Thor wird so zu einer ambivalenten Figur: Seine Heldentaten sind real, jedoch nicht eins zu eins auf unsere Welt übertragbar. Um der Erbe seines Vaters zu werden, dient ihm die Erde als der Ort, an dem er Demut lernt und seine Methoden überdenkt. Was auf den ersten Blick ein lahmer Kostümfilm zu werden drohte, ist die erfolgreiche Bewältigung des weiter oben geschilderten Problems geworden: THOR zeigt, wie man auf der Erde ein altertümlicher Gott sein kann, ohne sich zu verraten. Und wie man ihn zum Protagonisten eines Films machen kann.

Was dem Film dabei sehr zugute kommt – und vielleicht ist das dem Enfluss Branaghs geschuldet, den man nun nicht gerade im Verdacht haben muss, ein Comicnerd zu sein –, ist, dass er sich nie zu ernst nimmt, sich trotz seines gigantomanischen Budgets von 150 Mio. Dollar als fest im B-Film verwurzelt zeigt. THOR kommt angenehm flüchtig und unaufgeregt daher: Anders als bei anderen Marvel-Filmen hat man hier nicht ständig das Gefühl, dazu angehalten zu werden, ehrfurchtsvoll und im Wissen um den historischen Moment auf die Leinwand zu starren. Schon dass der Film wenigstens zur Hälfte in einem kleinen Wüstenkaff spielt, zeugt von einer Bescheidenheit, die auch anderen Comicverfilmungen ganz gut zu Gesicht stünde. In der Rezeption, wie sie die Filme vornehmen, drohen meiner Meinung oftmals der Spaß, die kindliche Unschuld und die Naivität der Comics flöten zu gehen. Superheldengeschichten darf man ruhig ernst nehmen, aber man sollte trotzdem nicht vergessen, dass es dabei nicht zuletzt um bunte Bildchen, überlebensgroße Figuren und die Erfüllung von Kinderträumen geht. THOR hat keine Angst, sich zu genau dieser Trivialität voll zu bekennen. Ein Gewinner. Trotz Natalie Portman.