Mit ‘Abenteuer’ getaggte Beiträge

Diskussionen über THE GOONIES drehen sich üblicherweise um die zentralen Punkte „Nostalgie“ und „Kindheitserinnerung“. Jedenfalls habe ich das jetzt mehrfach erlebt. Auch für mich ist die Spielberg-Produktion mit sehr konkreten Bildern verbunden und das, obwohl ich den Film erst einige Jahre nach seinem Kinostart zu Gesicht bekam. Aber THE GOONIES war damals ein großes Thema, etwa in der Bravo, die, wenn mich meine Erinnerung nicht trügt, einen ihrer „Film-Foto-Romane“ dazu brachten und das Plakatmotiv als Poster veröffentlichten. Dieses – siehe nebenan – war für mich eine Quelle der Faszination: Wie sollten diese Kinder, mit denen ich mich ja unweigerlich identifizierte, aus der dargestellten misslichen Lage entkommen? Das ging ja gar nicht! Höhlenverliese, Wasserfälle und -rutschen, ebenso raffinierte wie archaische Fallen und die Tatsache, dass mit dem Charakter des Sloth auch noch ein waschechtes Monster mitwirkte, machten THE GOONIES für mich zu einem Lieblingsfilm, obwohl er sich vorerst nur in meiner Fantasie abspielte.

Seltsamerweise hielt THE GOONIES bei der späteren Sichtung Stand und beschert mir auch heute noch großes Vergnügen. Nostalgie ist sicherlich ein Faktor und natürlich kann ich nicht beurteilen, wie mir Donners Film gefiele, wenn ich nicht diese Erinnerungen mit ihm verbände. Trotzdem mag ich ihn nicht darauf reduzieren, denn für mich verkörpert er eine bestimmte Art von großem Entertainment, wie es in den Achtzigerjahren (von Spielberg) perfektioniert wurde und auch heute noch ein Ideal darstellt. THE GOONIES ist, das zu verleugnen wäre töricht, ein INDIANA JONES-Rip-off für Kinder, voller Abenteuer, Schätze, comichaft überzeichneter Schurken, Höhlen und Gefahren in fantasievollen Settings, die den Eindruck machen, man habe bei der Konzeption gleich die Adaption als Theme-Park-Ride im Kopf gehabt. Das Drehbuch von Columbus hält sich nicht lang mit Erklärungen auf, stürzt den Zuschauer gemeinsam mit den Protagonisten in die Jagd nach einem legendären Piratenschatz, der den Erhalt des Wohnorts und damit auch der Freundschaft der Jungs und Mädels sichern soll. In die Quere kommen ihnen dabei die schurkischen Fratellis, verkörpert von den herrlich überdreht agierenden Robert Davi und Joe Pantoliano, die von der gewöhnt furztrockenen Anne Ramsey an die Kandarre genommen werden. Die Erkundung der unterirdischen Höhlensysteme ist wie aus einem Guss und kulminiert in einem Kampf auf einem Piratenschiff. Wie soll man das nicht mögen, wenn man sich einen Funken kindlichen Gemüts bewahrt hat? Keine Ahnung, aber es geht offensichtlich.

Was Menschen, die partout nicht verstehen wollen, was an THE GOONIES dran ist, vielleicht helfen mag: So perfekt, glatt und kommerziell der Film auf den ersten Blick wirken mag, er ist das Werk damals noch recht junger Filmemacher, die machten, was sie auch selbst cool und witzig fanden. Wie Sean Astin in diesem Video erklärt, waren Spielberg, Donner und Columbus vermutlich dauerbekifft, als sie den Film erdachten und umsetzten und ließen sich von dem Erfolgsdruck, der mit der Großproduktion ohne Frage verbunden war, nicht den Spaß verderben. Wie auch der mit Anschlussfehlern gespickte TEMPLE OF DOOM zeigt THE GOONIES eine gewisse Laisser-faire, die darin zum Ausdruck kommt, das kleinere Fehler einfach dringelassen wurden. Das Wohnmobil, in dem sich Donner während der Drehpausen aufzuhalten pflegte, steht zu Beginn mehrfach prominent im Bild rum, hörbare Lacher und Versprecher wurden genauso dringelassen wie Hinweise auf Szenen, die am Schneidetisch der Schere zum Opfer gefallen waren. An blöden Ideen, wie den unablässig wackelnden Ohren Sloths, und fehlgeleiteten Gags hielt man fest, als hinge das Leben davon ab. Was man vielleicht als Ausdruck von Gleichgültigkeit, Zynismus oder mangelnden Stil begreifen könnte, verleiht dem Film aber genau die Seele, die andere, nicht weniger am Reißbrett entworfene Eventkino-Blockbuster vermissen lassen und die THE GOONIES auch 30 Jahre später noch zu einem Liebling macht, mit dem warme Erinnerungen verbunden werden. Spielberg und Donner haben einen Film gedreht, der genauso improvisiert, unperfekt, geschmacksverwirrt und ungezogen ist wie seine Protagonsiten und ihr Wohnort. Es ist ein Film, der einem damals sagte, dass man weder ein schickes Haus in einem schnieken Vorort braucht noch teuere Markenspielsachen, besonders intelligente oder wohlerzogene Freunde oder wohlhabende Eltern, um jemand zu sein. Dafür würde ich ihn auch heute noch vehement gegen jede Kritik verteidigen.

 

 

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Aus meiner Kindheit und Jugend sind mir dieser, der achte Film der Reihe, FRANKENSTEINS ZWEIKAMPF DER GIGANTEN und FRANKENSTEINS HÖLLENBRUT am meisten im Gedächtnis geblieben. FRANKENSTEINS MONSTER JAGEN GODZILLAS SOHN, wie KAIJÛTÔ NO KESSEN hierzulande hieß, fand ich damals, wenn ich mich recht erinnere, richtig super: Wahrscheinlich auch, weil ich mich mit Minigodzilla identifizieren konnte. Heute, rund 30 Jahre später, muss ich eingestehen, dass von dem Reiz, den Fukudas Film einst auf mich ausübte, nicht mehr so wahnsinnig viel übrig ist. Man könnte auch sagen: Die Vaterpflichten machen aus dem einstmals so imposanten Monster einen trampeligen Hausmann. Und man wünscht sich mehr als einmal, die fiesen Gottesanbeterinnen, mit denen es das Echsenpaar zu tun bekommt, schnitten dem nervtötenden Balg den Kopf ab.

Wahrscheinlich musste ein Film wie KAIJÛTÔ NO KESSEN irgendwann kommen. Vom realen Schrecken, der Düsterkeit und Trauer von Hondas Original hatten sich die Fortsetzungen immer weiter entfernt, waren immer bunter und alberner geworden und eine auf Kinder ausgerichtete Komödie war nur konsequent. So bekommt Godzilla also einen knuddligen kleinen Sohn zur Seite gestellt, der mit großen Kulleraugen in die Kamera quäkt, tolpatschig in der Gegend rumkullert, Schabernack mit des Vaters Schweif treibt und einfach nur herzig und knuffig ist. Oder zumindest sein soll. Denn eigentlich wünscht man ihm bereits nach kurzer Zeit den plötzlichen Kindstod an den halslosen Rumpf. Godzilla wird, wie erwähnt, nicht nur dazu verdammt, sein Balg zu erziehen und ihm die unverzichtbaren Moves des Monsterdaseins beizubringen, er sieht auch reichlich mitgenommen aus. Seine Gegner kommen jedenfalls deutlich besser weg: Sowohl die Riesen-Gottesanbeterinnen als auch die Riesenspinne sind toll geworden, lassen allenfalls etwas Persönlichkeit vermissen. Trotzdem drückt man ihnen die Daumen, dass sie wenn schon nicht den Vater, so doch wenigstens das Blag besiegen und Godzilla von den ihn niederziehenden Vaterpflichten befreien.

Sollte man die Idee eines kleinen, niedlichen Minigodzillas tatsächlich gut gefunden haben, schlägt das angesichts der infantil-bräsigen Possen, die er reißt, schnell ins Gegenteil um. Immer, wenn Godzillas Sohn das Bild betritt, weiß man, das jetzt etwas hirnerweichend Blödes passiert und Fukuda zelebriert diese „Gags“, dehnt sie endlos aus und beschert den Betrachter eine echte Vollbedienung, gegen die die Ewoks als „erwachsenes Entertainment“ durchgehen. Irgendwie finde ich es ja toll, dass es in der Godzilla-Reihe Platz für solchen Quark gibt, aber in der Praxis ist KAIJÛTÔ NO KESSEN vor allem ermüdend und anstrengend.

 

ERCOLE SFIDA SANSONE ist wahlweise der zehnte Herkules- oder der dritte Samson-Film: 40, 50 Jahre vor dem MCU haben die Italiener es vorgemacht, wie man eine Welt aus muskulösen Helden auf der Leinwand errichtet, die sich in den Filmen dann gegenseitig zur Seite springen konnten. Naja, jedenfalls fast. Auf dem Regiestuhl dieses Crossovers (bei dem auch noch Odysseus mitmischt, in den internationalen und deutschen Verleihversionen sogar im Titel) nahm erneut Pietro Francisci Platz, der schon den ersten Herkules-Film LE FATICHE DI ERCOLE inszeniert hatte. Gerade am Anfang musste ich dann auch einige Déjà Vus überwinden, bevor ich mir sicher war, hier wirklich einen mir noch unbekannten Film zu sehen: Es gibt während der Exposition einige offensichtliche Parallelen zwischen den beiden Filmen, ganze Szenen, die ähnlich aufgebaut sind und den Eindruck erwecken, es hier mit einem Remake zu tun zu haben. Doch das gibt sich dann zum Glück und Francisci kredenzt uns ein ganz neues Abenteuer um die muskelbepackten Haudraufs der Antike.

Alles beginnt damit, dass Herkules (Kirk Morris) ein paar griechische Seeleute gemeinsam mit dem etwas spiddeligen Odysseus (Enzo Cerusico) bei der Jagd auf ein Seeungeheuer begleitet, das die Männer regelmäßig dezimiert. Das Ungeheuer entpuppt sich dann als Nilpferd (?), das man im eingesetzten Stock Footage aber nur rudimentär erkennen kann. Noch dazu tobt ein Sturm, der schließlich dazu führt, dass Herkules, Odysseus und ein paar andere als Schiffbrüchige an fremdes Festland getrieben werden. Es handelt sich um Judäa, wo der Philisterkönig (Aldo Guiffré) das arme Volk knechtet, weil er Samson (Richard Lloyd) unter ihnen vermutet, der geschworen hat, ihn umzubringen. Weil Herkules dasselbe Talent zur barhändigen Ermordung gefährlicher Löwen an den Tag legt, wird er mit dem Gefürchteten verwechselt. Das alles mündet in einem von der geilen Philisterqueen Delilah (Liana Orfei) initiierten Intrigenspiel, bei dem sich die beiden Helden gegenseitig umlegen sollen. Doch natürlich kommt alles ganz anders: Herkules und Samson verbünden sich und fügen den Philistern eine empfindliche Schlappe bei.

Ganz am Anfang des Films gibt es eine Szene, die einen anderen, einen „realistischen“ Peplum antizipiert, der dann leider ausbleibt: Herkules kommt nach Hause zu seiner Familie, erklärt seiner Frau Leria (Diletta D’Andrea), dass er für ein paar Tage weg müsse, während sein vielleicht fünfjähriger Sohn anfängt, mit seinen kleinen Fäusten die Oberschenkel des Papas zu traktieren. Der reagiert darauf wie ein Lanwirt, der von einer Fliege belästigt wird und gibt dem Filius einen Schubs, sodass der unter den Tisch rollt. Nur noch mehr angestachelt kriecht er wieder hervor und kloppt erneut auf den Vater ein, bis sein greiser Lehrer endlich ein Einsehen hat und den Buben an den Schultern fortzerrt, damit die Eltern ihre Ruhe haben. Alltag im Hause Herkules eben. Leider lässt Francisci die Gelegenheit, den ersten komplett ereignislosen Peplum, einen, der von den Problemen handelt, die ein Halbgott bei der Erziehung und im Eheleben hat. zu drehen, liegen und konzentriert sich im Folgenden auf die bekannte und beim Publikum beliebte Abfolge von Abenteuern. Da werden dann Ochsen totgeschlagen, Löwen erwürgt, Heerscharen schurkischer Soldaten platt- und uralte Tempelanlagen dem Erdboden gleichgemacht, bis die Helden am Schluss mit triumphierendem Lächeln gen Heimat rudern und ihrem neuen Freund zum Abschied winken. Hervorzuheben ist noch das eminent homoerotische Geflirte zwischen Herkules und Samson, deren Balgerei ein bisschen wie Vorspiel für etwas wirkt, was uns dann leider vorenthalten wird. Hat Bruno Mattei eigentlich schwule Hardcore-Pepla gedreht?

Nach ERCOLE E LA REGINA DI LIDIA verabschiedete Steve Reeves sich von der Rolle des Herkules: Er hatte den Eindruck, dass er seinen Darbietungen nichts mehr hinzuzufügen hatte. Dem Peplum blieb er aber dennoch erhalten, zum Beispiel in den beiden SANDOKAN-Filmen von Umberto Lenzi, wie Leser meines kleinen Blogs wissen. Den dritten HERKULES-Film, LA VENDETTA DI ERCOLE, mit Mark Forest in der Titelrolle, konnte ich leider nicht in nicht Augenkrebs verursachender Qualität ausfindig machen, weshalb ich gleich zu Nummer vier springe: Bragaglias GLI AMORI DI ERCOLE, in dem Mickey Hargitay den Halbgott an der Seite seiner damaligen Gattin gibt, Busenwunder Jayne Mansfield.

Hargitay, der 1955 den Titel „Mr. Universum“ errungen hatte, bringt gegenüber dem holzfällerartigen Reeves eine jungenhaft-überschwängliche Qualität mit, die gut zu Bragaglias Film passt. Er beginnt mit der Ermordung von Herkules‘ Gattin durch den gemeinen Licos (Massimo Serato). Der Mann will Herkules‘ Zorn anstacheln, um in der Folge seine Königin Deianira (Jayne Mansfield) vom Thron zu stoßen und ihn selbst zu besteigen (den Thron, nicht Herkules). Zunächst bringt er dafür aber auch noch Deianiras Verlobten um und schiebt Herkules diesen Mord in die Schuhe. Der nimmt die Fährte des wahren Mörders auf, besiegt im Vorbeigehen einen dreiköpfigen Drachen und landet schließlich im Reich der Hexe Hippolyta (Jayne Mansfield), die ihm in Gestalt Deianiras den Kopf verdreht.

GLI AMORI DI ERCOLE geizt nicht mit Schauwerten, von denen der Drache natürlich der schönste ist: Gut, ein bisschen fühlt man sich an die Geisterbahn erinnert, wie das Monstrum da mit seinen Köpfen wackelt, mit den Augen rollt und mechanisch ein kleines Flämmchen spuckt, ohne wirklich von dem sich an ihm abarbeitenden Herkules Kenntnis zu nehmen. Aber dennoch muss man die Handarbeit, die in die Konstruktion des Drachen gegangen ist, honorieren. Wie ich überhaupt den oft gehörten Vorwurf, die Pepla seien „billig“ nicht so recht nachvollziehen mag: Der betriebene Aufwand ist ziemlich hoch, von den Kostümen bis hin zu den elaborierten Bauen und toll ausgestatteten Sets. Wem da nicht die Augen übergehen, dem ist eigentlich kaum zu helfen oder er ist von den maximal perfektionistischen, aber eben auch lebloseverdorbenn CGI schon. Wenn am Schluss dann auch noch ein behaarter Affenmann auftritt, ist das Glück eigentlich perfekt. Der tollste Einfall sind aber definitiv die verwunschenen Ex-Liebhaber von Hippolyta, die als knorrige Baumwesen ein trauriges Dasein auf einem Stück Ödland fristen und noch ein bisschen bluten, wenn man ihnen ein Ästlein abknickt.

Insgesamt wird die mit REGINA eingeschlagene Richtung von Bragalia mit AMORI fortgesetzt, was bedeutet, dass die zugrundeliegenden Mythen lediglich noch eine motivische Basis liefern, von der aus dann wild in alle möglichen Richtungen fantasiert wird. Interpretiert man Herkules‘ Gesichtsausdruck richtig, dann kann er selbst kaum glauben, was ihm da alles widerfährt und dem Zuschauer geht es ganz ähnlich. Ein beknackter Einfall reiht sich an den nächsten, das alles wird in quietschbunte Bilder mit ebensolchen Kostümen verpackt. Den Vogel schießt gewiss Leicos ab, dessen Frisur und lilafarbener Jumpsuit auch Eighties-Hardrock-Gniedelgöttern wie Yngwie Malmsteen oder Steve Vai gut zu Gesicht bzw. Schritt gestanden hätten, aber Herkules‘ meterbreite Lederhosenträger sind auch nicht verkehrt. Jayne Mansfield hat demgegenüber deutlich mehr an und ist vollends ausgelastet mit der Aufgabe, nicht vorn über zu fallen. Alles in allem eine sehr runde Sache.

Ich will hier nicht behaupten, dass es sich beim Vorgänger LE FATICHE DI ERCOLE um seriöses Historienkino handelt, aber mit diesem Sequel kehrt nun der Camp ein, den man mit dem Peplum gemeinhin assoziiert. Die englische Synchro, die für den ein oder anderen Schenkelklopfer sorgt, trägt gewiss ihren Teil dazu bei, aber auch so gibt es deutlich mehr zu schmunzeln als noch zuvor. Wenn Hercules (Steve Reeves) durch den Genuss verzauberten Quellwassers sein Gedächtnis verliert und fortan als fauler Lustsklave der nuttigen Omphale (Sylvia Lopez) in den Tag hineinlebt, sein verzweifelter Sidekick Odysseus (Gabriele Antonini) wie ein Flummi durch die Gegend hüpft, um seinen Kumpel von seinem Schicksal zu erlösen, dann ist das schon sehr putzig. Zumal Hercules in seinem roten hüftbetonten Minikleidchen wirklich herzallerliebst aussieht. Die schönste vollbärtige Dame, die ich je gesehen habe!

Mario Bavas Talent als Lichtmagier und Effektzauberer kommt ebenfalls deutlich mehr zum Tragen als in LE FATICHE, mit dem Ergebnis, dass ERCOLE E LA REGINA DI LIDIA auch mehr fürs Auge bietet, als der diesbezüglich eher erdfarbene Erstling. Der Höhlenpalast der titelgebenden Königin ist ein wunderbar kitschiger Hingucker und die Gruppenbilder, in denen leichtbeschürzte, bronzen glänzende Herren dekorativ im Sonnenuntergang stehen, möchte man sich gleich rahmen lassen und übers herzförmige Bett hängen. Mutete LE FATICHE immer etwas gebremst an, geht es hier in die Vollen und man hat den Eindruck, das jeder im ersten Teil vielleicht noch bestehende Anspruch, den literarischen Vorlagen halbwegs gerecht zu werden, hier beherzt in die Tonne getreten wird. Oder vielmehr besinnt sich Francisci auf das, was ich in meinem letzten Text angemerkt habe: In REGINA DI LIDIA wird alles, was der herzzerberstenden Emotion im Wege stehen könnte, merklich zurückgefahren.

Der Beleg: Auch wenn man das Drehbuch wieder als Fehlschlag verbuchen muss, ist es doch auffällig, dass es den Film überhaupt nicht anficht. Die Episode um Hercules‘ Gefangenschaft bei Königin Omphale ist eigentlich nur ein Subplot, der mit der eigentlichen Geschichte – einem Bruderkampf um die Herrschaft über Hercules‘ Heimatstadt Theben – rein gar nichts zu tun hat und einer reinen Verzögerungstaktik gleichkommt,  aber gut dreimal so viel Laufzeit einnimmt. Was aus künstlerischer Sicht streng genommen ein Offenbarungseid ist, fungiert hier als Beleg dafür, dass Francisci verstanden hat, worauf es ankommt: Denn natürlich ist es ein kluger Schachzug, sich ganz auf das sadomasochistische Treiben von Omphale zu konzentrieren, die ihre abgelegten Liebschaften in Stauen zu verwandeln pflegt, und Hercules‘ Ringen um die eigene Virilität. Wer interessiert sich da schon für den albernen Schwanzvergleich zweier Deppen mit Topfhaarschnitt?

I PIRATI DELLA MALESIA ist Lenzis zweiter und letzter Sandokan-Film sowie der dritte Beitrag der ais SANDOKAN, LA TIGRE DI MOMPRACEM, SANDOK, IL MACISTE DELLA GIUNGLA und I TRE SERGENTI DEL BENGALA bestehenden Indien-Tetralogie. Das Drehbuch stammt von Ugo Liberatore und man entdeckt viele Gesichter aus den anderen Filmen wieder, unter anderem Andrea Bosic, Nazzareno Zamperla, Mimmo Palmara und Leo Anchóriz, sowie natürlich manch doppelt verwertete Szene. I PIRATI DELLA MALESIA ist sozusagen das gespuckte Ebenbild der anderen drei Titel und das bedeutet zum einen, dass hier wieder sauber gefertigtes, kompetent gemachtes, farbenfrohes Abenteuerkino vermeldet werden kann, das diesmal an Originalschauplätzen in Singapur entstand. Zum anderen sind aber auch leichte Ermüdungserscheinungen nicht von der Hand zu weisen. Gut möglich, dass mir I PIRATI DELLA MALESIA zu einem anderen Zeitpunkt besser gefallen hätte, so hat mich das inhaltlich mittlerweile sattsam bekannte Spiel aber doch etwas ermüdet.

Der tapfere Sandokan (Steve Reeves) muss diesmal wieder einen gutmütigen Sultan befreien, der vom bösen Briten Lord Brook (Leo Anchóriz) gefangen gehalten wird. Dazu schleicht sich Sandokan als Schiffbrüchiger bei Brook ein, wird aber bald enttarnt. Es folgt das übliche Spiel aus Gefangenschaften und Fluchten, Scharmützeln und Befreiungsktionen, bevor die Rebellen um Sandokan am Ende ihren Triumph gegen die bösen Besatzer feiern dürfen.

Die Briten um Lord Brook sind hier besonders verabscheuungswürdig, begraben arme Teufel bei lebendigem Leibe, um „Kugeln zu sparen“, oder werfen sie Krokodilen zum Fraß vor, ansonsten unterscheidet sich IL PIRATI DELLA MALESIA nur marginal von seinem Vorgänger. Das macht ihn, wie oben erwähnt, nicht unbedingt schlechter, aber die Freude über solch buntes Entertainment ist dann doch etwas abgekühlt. Ein paar Überraschungen oder wenigstens ein etwas anderer Handlungsverlauf hätten dem Film nicht geschadet. So bin ich, gebeutelt von schwüler Hitze, das ein oder andere Mal weggedöst und war dann am Ende froh, es geschafft zu haben und mich einer anderen Thematik zuwenden zu können. Wer nicht vorhat, die Indien-Lenzis an einem Stück zu schauen, macht hier aber nichts falsch.

Der dritte Teil von Umberto Lenzis Indien-Tetralogie hört auf den putzigen Titel SANDOK, IL MACISTE DELLA GIUNGLA oder in Deutschland IM TEMPEL DES WEISSEN ELEFANTEN, was zweifellos weniger originell, aber dennoch passender ist. Titelheld „Sandok, der Maciste des Dschungels“ ist zwar ziemlich muskulös und kräftig, aber eigentlich gar nicht die Hauptfigur. Bei dieser handelt es sich um Lieutenant Dick Ramsey (Sean Flynn), der von seinem Vorgesetzten auf frischer Tat dabei ertappt wird, wie er seinen Tresor ausräumen will. Aus dem Kittchen gelingt ihm aber die Flucht und er schlägt sich in den Urwald, wo er auf Prinzessin Dhara (Marie Versini in Blackface) und eben ihren getreuen Diener Sandok (Mimmo Palmara) trifft.  Die beiden sind auf der Suche nach dem Bruder der Prinzessin, der vom geheimnisvollen Kult um einen gewissen Brahmu entführt und in ihren unterirdischen Tempel verschleppt wurde. Was die beiden nicht wissen: Den sucht Ramsey auch, denn sowohl Kamerad Reginald Milliner (Giacomo Rossi Stuart) als auch die holde Cynthia Montague (Alessandra Panaro) sind dem Kult in die Hände gefallen …

Nach I TRE SERGENTI DEL BENGALA und SANDOKAN, LA TIGRE DI MOMPRACEM endeckt man viele Schauplätze und Szenen auch in SANDOK wieder. Elefanten, Tiger, Schlangenbeschwörer, Fort Victoria: Umberto Lenzi wusste schon zu diesem frühen Zeitpunkt seiner Regiekarriere, wie man den Produzenten Geld sparte und wie man aus dem Material von drei Filmen vier machte. Aber das klingt jetzt deutlich negativer als es SANDOK verdient hat, denn wie die beiden anderen Titeln macht der einfach großen Spaß, profitiert außerdem gegenüber Lenzis SANDOKAN-Epos davon, dass er 20 Minuten kürzer ist. Der Tempel der Kultisten sowie deren verschwörerisches Geraune um den maskierten Brahmu muss Junggebliebenen einfach das Herz aufgehen lassen: Neben dem weißen Elefanten (der schon etwas hospitalistisch herumwankt) gibt es hier finstere Gänge und Verliese, stimmungsvolle Fackelbeleuchtung und Statuen sowie natürlich die pittoresken Folter- und Mordmethoden, die im Inventar eines solchen Films nicht fehlen dürfen. Rossi-Stuarts Reginald wird der Wasserfolter unterzogen, ein armer Teufel mit flüssigem Gold übergossen und Held Ramsey muss sich gegen einen glatzköpfigen Hünen behaupten: und zwar auf einer schmalen Brücke über einer Leopardengrube (in der aber, wenn man es genau nimmt, zwei Geparden hausen).

Prinzessin Dharma kommt natürlich die Aufgabe zu, dem Protagonisten mit Stolz, Edelmut, Anmut und Schönheit den Kopf zu verdrehen, während die arme Cynthia vom bösen Brahmu unter Drogen gesetzt und so in seine Gewalt gebracht wurde. Sie faselt bis zum Tod ihres Peinigers nur wirres Zeug. Sandok beweist sich am Schluss, wenn er Ketten zerreißt und Gitterstäbe verbiegt. Natürlich gelingt die Flucht aus dem Tempel in allerletzter Sekunde, kurz bevor er zusammenstürzt – ausgelöst durch ein kleines Feuerchen, das die Schar der Protagonisten als Ablenkungsmanöver gelegt hat. Hauptdarsteller Sean Flynn, ein gutaussehender Sonnyboy, der auch die für diese Rolle nötige Hochnäsigkeit mitbringt, hatte Stoffe wie diesen im Blut: Er ist der Sohn des großen Errol Flynn und agierte in den Sechzigerjahren neben seiner Tätigkeit als Journalist in europäischen Rip-offs der Erfolge seines Papas, wie z. B. Tulio Demichelis‘ EL HIJO DEL CAPITÁN BLOOD oder Mario Caianos IL SEGNO DI ZORRO sowie einigen Italowestern und Eurospy-Vehikeln. Sein Ende ist tragisch: Während seiner Arbeit als Kriegsreporter in Vietnam und Kambodscha wurde er, gerade 30-jährig, gemeinsam mit einem Kollegen entführt und vermutlich hingerichtet. Seine Spur verliert sich am 6. April 1970, der deshalb auch als sein Todesdatum gilt, obwohl Flynn erst 1984, nachdem zahllose Versuche, ihn aufzuspüren, gescheitert waren, für tot erklärt wurde.

Nach dieser furchtbar traurigen Geschichte habe ich fast ein schlechtes Gewissen, über SANDOK, IL MACISTE DELLA GIUNGLA sagen zu müssen, dass er einfach Spaß macht, kurzweilig, bunt und angenehm unprätentiös ist. Eine richtige Räuberpistole eben, wie sie schon seit Jahrzehnten nicht mehr gemacht werden. Ich finde, das ist ein respektables Vermächtnis.