Mit ‘Abenteuer’ getaggte Beiträge

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1984 erschien mit INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM die Fortsetzung des großen Spielberg-Hits um den Archäologen mit der Peitsche und spätestens zu diesem Zeitpunkt kannten die Kopisten kein Halten mehr. Natürlich waren auch unsere Freunde aus Italien bei der großen Sause am Start, unter anderem Antonio Margheriti, der dem US-Kino immer schon noch ein Stückchen mehr zugewandt war als viele seiner Kollegen. Das nebenstehende Artwork aus den USA ist also schon ein wenig irreführend, selbst wenn man hinter der muskelbepackten Kampfmaschine mit der Riesenwumme erkennt, worum es in dem Film eigentlich geht: um sagenumwobene Schätze, uralte, untergegangene Kulturen und die Pracht des Orients. Geschossen wird auch, aber mit den Auswüchsen des Achtziger-Actionkinos, an die David Warbecks zweidimensionales Ebenbild hier erinnert, hat Margheritis I SOPRAVVISSUTI DELLA CITTÀ MORTA nun wirklich nichts zu tun. Viel eher handelt es sich um ein archäologisches Heist Movie, das sich hier und da bei den James-Bond-Filmen bedient.

David Warbeck besetzt als Meisterdieb Rick Spear genau die Mitte zwischen Sean Connery und Roger Moore und bereist mit seiner Freundin Carol (Susie Sudlow) das schöne Istanbul, wo sein alter britischer Freund, Lord Dean (John Steiner), mit einem Spezialauftrag wartet. Rick soll den verschollenen Tempel Gilgameschs finden und aus dessen Grabkammer ein wertvolles Szepter bergen. Natürlich wollen ein paar Bösewichter den Schatz auch und heften sich an die Fersen des sympathischen Tausendsassas.

Meine Lieblingssequenz kommt schon relativ früh im Film: Kenner wissen die tollen Miniatureffekte von Margheriti längst zu schätzen, in diesem Film gibt es besonders schöne. Margheriti hat nämlich nicht nur einen Güterbahnhof samt Zügen nachbauen lassen, sondern gleich die ganze durch dieses Setting tosende Auto-Verfolgungsjagd mit kleinen Spielzeugmodellen realisiert. Da wackeln die Plastikautos durch den Sandkasten, fliegen durch die Gegend, dass es nur so eine Art ist. Wer sich dabei lachend auf die Schenkel klopft, hat wirklich kein Herz: Meines hingegen ging angesichts dieser Schau auf wie eine Blume. Für ein paar Minuten wähnt man sich bei den THUNDERBIRDS und glotzt mit offenem Mund auf das sich darbietende Wunder. Es ist leider aber auch der einzige Moment, in dem I SOPRAVVISSUTI DELLA CITTÀ MORTA diese Freude am Vordergründigen, an den großen Bildern und dem infantilen „Anything goes“, das den Abenteuerfilm im Innersten befeuert, genau trifft. Der restliche Film ist keineswegs schlecht, aber er inspiriert eben nicht annähern diesen jauchzenden Spaß am fabulierenden Humbug, sondern lediglich entspanntes Amüsement. Eine Teilschuld trägt – ich weiß, das klingt bescheuert – das Wetter: I SOPRAVVISSUTI DELLA CITTÀ MORTA wurde offensichtlich im Herbst gedreht, und Istanbul, das ein farbenfrohes, geheimnisvolles, exotisches Tor in den Orient und die dort lauernden Gefahren und Heldentaten abgeben sollte, sieht trist, grau, ungemütlich und irgendwie langweilig aus. Wenn es später dann auf Schatzsuche in den bizarren Felsformationen und Höhlenwohnungen von Kappadokien geht, ist das zwar ein angemessen außerweltliches Setting, aber die von Beige bis Grau reichende Farbpalette drückt die Stimmung ganz gewaltig. Der Film hebt einfach nicht ab.

Die Kritik ist nicht ganz fair, der Vergleich mit den INDIANA JONES-Filmen verbietet sich eigentlich und gemessen an den Mitteln, die Margheriti wahrscheinlich (nicht) zur Verfügung standen, ist I SOPRAVVISUTI durchaus beachtlich. Man kann dem Regisseur keinen Vorwurf machen, auch Warbeck und Steiner ziehen wieder einmal alle Register und den Zuschauer auf ihre Seite, das Finale, in dem es in der Grabkammer Gilgameschs zum großen Kampf kommt, entschädigt mit den typischen Fallen, Lavaströmen und Mumien für manch kleinere Durststrecke. Aber es reicht nicht. Während billige Horror-, Action-, Western- oder Science-Fiction-Filme im Bestfall einen ganz eigenen Reiz entfalten können, der sie den Vergleich mit den teuren Vorbildern bestehen lässt, funktioniert das aus meiner Erfahrung beim Abenteuerfilm einfach nicht. Vielleicht bin ich aber auch nur enttäuscht, weil ich I SOPRAVVISUTI gern so richtig knorke gefunden hätte.

jungle_bookEs war klar, dass der vielleicht beliebteste unter den Walt-Disney-Filmen irgendwann ein Remake als „Realfilm“ erfahren würde: Nicht nur der Fortschritt der Effekttechnik und das Aus-der-Mode-Kommen klassisch gezeichneter Trickfilme machte das unabwendbar: Das Original von Wolfgang Reithermann legte es schon mit seiner nahezu elliptischen Erzählweise nahe, dass jemand das Bedürfnis verspürte, die Lücken zu füllen. Jon Favreau, der sich mit IRON MAN nicht gerade als großer Künstler, wohl aber als relativ sorgfältiger Verwalter eines beliebten Franchises erwiesen hat, ist wahrscheinlich die ideale Wahl für ein Unterfangen wie dieses. Im Zentrum von THE JUNGLE BOOK steht keine neue erzählerische Idee, sondern vor allem der Wunsch, tiefer in den Urwald vorzudringen, diese geheimnisvolle, von wilden Tieren bevölkerte Welt zu neuem, vor allem authentischem Leben zu erwecken. Also tatsächlich in die dritte Dimension vorzudringen, während sich der Originalfilm nur in zweien abspielte. Wie immer, wenn ein Film sich dermaßen auf den vermeintlichen Realitätsgrad seiner CGI verlässt, gibt es hier und da Anlass zu meckern, wenn die Illusion mal missglückt, aber im Großen und Ganzen ist THE JUNGLE BOOK die angepeilte Augenweide, der Plan ist also aufgegangen. Man bekommt ziemlich genau das geliefert, was sich im Original immer nur in den stilisierten Hintergründen andeutete: tiefen, unergründlichen Urwald voller Geheimnisse und Wunder – und einer bunten, großartig animierten Fauna.

Dieses Ausbreiten des Stoffes birgt auch Gefahren: Favreaus THE JUNGLE BOOK dickt an, wo Reithermann Dinge wegließ. Mowgli (Neel Sethi) erhält nun eine Backstory, Shere Khan (Idris Elba) hat einen persönlichen Grund, ihn zu hassen, und das Menschenkind ist zwischen den charakterstarken Tieren keine austauschbare Gestalt mehr wie zuvor, sondern das klare Zentrum, das am Ende beinahe messianische Fähigkeiten zugesprochen bekommt. Die Perspektive des Films ist eine andere. Während der Mensch in Reithermanns Klassiker durch die Augen der Tiere betrachtet wurde, Mowgli im Grunde ein universeller Repräsentant der Menschheit „an sich“ war, geht es in Favreaus Film eher darum, dass sich Mowgli als Individuum von bzw. vor den Tieren emanzipiert und behauptet. Bagheera und seine Wolfsfamilie versuchen ihm das „Menschliche“ bzw. das Individuelle auszutreiben, damit er einer von ihnen sein kann; etwas, das Mowgli sichtlich schwer fällt. Erst zum Ende des Films kann er seinen tierischen Freunden beweisen, dass seine genuin eigenen Fähigkeiten nicht etwa Mängel, sondern Stärken sind, die es zu bewahren lohnt: Auch und gerade für die tierische Gemeinschaft. Er geht auch nicht zu den Menschen, sondern bleibt als nun akzeptierter „Sonderfall“ bei seiner Wolfsfamilie. Kurz: Das Original forderte vom Zuschauer, sich selbst aus der Distanz von außen zu betrachten, ohne am Ende eine „Lösung“ zu offenbaren. Es akzentuierte einen natürlichen Lauf der Dinge, die Herausbildung der Persönlichkeit als universellen Prozess, der immer gleich abläuft. Favreaus Remake hingegen macht es dem Betrachter wesentlich leichter: Mowgli darf, ganz der Disney’schen Philosophie zufolge, bei ihm etwas Besonderes sein und damit auch das Maß der Schöpfung bleiben – vor der der Mensch aber natürlich Respekt haben sollte.

Wenn aber auch die intellektuelle Offenheit fehlt, die den Klassiker auszeichnete, so heimst Favreau Sympathiepunkte ein: Vor allem natürlich, weil THE JUNGLE BOOK einfach wunderschön anzuschauen ist und zumindest meine Knöpfchen sehr zielgenau zu drücken verstand. Der Film ist spannend, witzig und im richtigen Moment anrührend. Dass und wie er die unsterblichen Originalsongs adaptiert, hat mir ebenfalls gut gefallen.  Außerdem steuert Favreau immer wieder gegen, bevor es allzu formelhaft wird, und bewahrt dann die Mystik des Originals, vor allem natürlich in den Episoden um die geheimnisvolle Kaa (Scarlett Johansson) und den gigantischen King Louis (Christopher Walken). Letztere Besetzung mag auf dem Papier zunächst unorthodox und fehlgeleitet erscheinen, aber sie erweist sich als wahrhaft inspiriert. Die Louis-Episode ist dann auch der Höhepunkt des Films. Klar, das ist den Anforderungen des heutigen Eventkinos entsprechend alles sehr over the top und überschreitet im Affentempel die Grenze zum Horror- oder Monsterfilm, aber es funktioniert eben. Da sind Dinge auf der Welt, die der Mensch nicht versteht, die älter sind als er, mit denen er nichts zu tun hat. Bagheera hatte schon Recht. Auch wenn Disney das anders sehen mag.

551687Es ist schon seltsam: Wenn man sich auf einschlägigen Filmseiten umschaut, scheinen sich Filmfans nichts sehnlicher zu wünschen als buntes, großes, naives Entertainment, wie es Steven Spielberg und Konsorten in den Achtzigerjahren in Reihe zu produzieren pflegten. Doch wenn dann ein Film wie GODS OF EGYPT daherkommt, der eigentlich genau das bietet, dann hagelt es Spott und Verrisse. Der 140 Millionen teure Spaß von Alex Proyas ging an den Kinokassen heftigst baden, spielte in den USA noch nicht einmal ein Viertel seiner Kosten wieder ein – ein Desaster. Mit Sicherheit ist dieses miserable Abschneiden unter anderem auf das Fehlen jenes Staraufgebots zurückzuführen, das die Marvel-Verfilmungen regelmäßig aufzubieten pflegen, auch dass der Film nicht auf eine beliebte Vorlage verweisen kann, dürfte ihm in dieser Zeit nicht als Originalität, sondern als Mangel ausgelegt worden sein. Aber so nachvollziehbar sein kommerzielle Versagen vielleicht auch ist, es stimmt doch etwas traurig: GODS OF EGYPT liefert eine Extraportion überkandidelter Bilder, knallt einem die spektakulären Set Pieces um die Ohren, dass es nur so eine Art hat, und erzählt seine Geschichte mit jener perfekten Mischung aus fabulierfreudigem Enthusiasmus und milder Selbstironie, die ein solcher Stoff braucht, um dem Vorwurf des Zynismus mit pantherhafter Grazie zu entgehen.

GODS OF EGYPT ist so einer dieser Filme, die regelmäßig erboste Wortmeldungen von humorbefreiten Fachidioten, hier: Ägyptologen, nach sich ziehen, die sich dann beschweren, das irgendwas historisch total verfälscht dargestellt wurde, aber damit nur zeigen, wie wenig Spaß sie verstehen. Die Prämisse von GODS OF EGYPT ist tatsählich herrlich bescheuert: In Ägypten, der Wiege der Menschheit, leben die ca. drei Meter großen Götter mit den Menschen in friedlicher Eintracht. Der Himmel ist endlos weit und petrolblau, gewaltige Städte mit goldenen Prachtbauten und gigantischen Pyramiden erheben sich von den Inseln im Nil, die Topografie des Landes bietet genauso Platz für karge Wüsteneien wie für monolithische Gebirge mit ehrfurchtgebietenden Wasserfällen und Urwälder voller bizarrer Pflanzen. Und über all dem zieht Sonnengott Ra (Geoffrey Rush) auf seinem gläsernen Himmelsschiff seine Bahnen, zieht die Sonne hinter sich her und ballert jede Nacht dem gefräßigen Dämon Apophis einen vor den Latz, auf dass er die Erde in Ruhe lasse. Eben will der weise Osiris (Bryan Brown) seinen Sohn Horus (Nikolaj Coster-Waldau) zum neuen Gottkönig ernennen, da schneit sein Bruder, der missgünstige Set, (Gerard Butler) herein, tötet Osiris und rupft Horus die Augen heraus. Es liegt an dem sterblichen Bek (Brenton Thwaites), Horus die Augen zurückzugeben und ihm im Kampf gegen Set beizustehen, der sich anschickt, alle Götter umzubringen und Ägypten ins Chaos zu stürzen.

Das ist alles natürlich total Banane, aber es spielt nicht wirklich eine Rolle, weil es einfach Spaß macht, sich von Alex Proyas in diese Welt entführen zu lassen. Der Regisseur, nach 20 Jahren im Business immer noch ein Geheimtipp, versteht es, die einzelnen Episoden zusammenzuhalten und seine Figuren nicht zu Spielbällen der Effekte verkommen zu lassen. GODS OF EGYPT als „charakterzentriert“ zu bezeichnen, wäre sicherlich zu viel der Ehre, aber es ist schon auffallend, dass es immer die Motivationen der Figuren sind, die in all dem Gewirbel und Gewusel die Richtung vorgeben. Der etwas lethargische Horus ist ein toller Held, der auch noch ein Sequel rechtfertigen würde, dass er nach dem Versagen dieses Films wohl eher nicht bekommen wird. Schade. Und das Pärchen aus Bek und seiner geliebten Zaya (Courtney Eaton), die auch der Tod nicht trennen kann, ist so zuckersüß, dass man ihm glatt noch länger beim Lächeln zusehen möchte. Und dann ist da ja auch noch Horus‘ Partnerin Hathor (Elodie Yung), die sich einfach nicht auf das Klischee des exotisch anmutenden Eye Candys reduzieren lassen möchte und ebenso beharrlich wie erfolgreich gegen die dahingehenden Bemühungen des Drehbuchs ankämpft. Proyas macht viele kleine Sachen richtig, die in anderen Filmen regelmäßig in die Binsen gehen. Den meisten wird das nicht aufgefallen sein, weil sie gekommen sind, um großes Effektkino zu sehen. GODS OF EGYPT liefert auch hier, aber er kann sich nicht merklich von seiner Konkurrenz abheben. Und er orientiert sich natürlich stark an den Klassenbesten der letzten Jahre. Ohne die Erfolge der Marvel Studios gäbe es auch diesen Film nicht, dessen Ikonografie ein wenig an die Asgard-Episoden aus den THORFilmen erinnert, der auch in seinen zahlreichen Kampfszenen natürlich mit einem Auge auf die beliebten Superheldenkeilereien schielt. Im direkten Vergleich musste Horus in der Gunst des durchschnittlichen Kinogängers wohl einfach den Kürzeren gegen Iron Man, Captain America und Konsorten ziehen.

Mir hingegen, der hier seit Jahren im Clinch mit den Marvel-Filmen liegt, hat gerade der Verzicht darauf, hier irgendeine Form der Relevanz oder sonst einer Bedeutung herbeizukonstruieren, enorm gefallen. Die generelle Nachlässigkeit, mit der Proyas seine Story behandelt, finde ich sehr sympathisch: Warum sollte man sich das Hirn dabei verrenken, einer Story zu folgen, die doch für jeden von vornherein ganz klar als Tinnef, als Mittel zum Zweck enttarnt werden kann, wenn es doch in erster Linie darum geht, sich an den Bildern zu erfreuen, über fremde Welten und Kreaturen zu staunen, dem nächsten Set Piece entgegenzufiebern? INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM kam damals auch gut ohne vorgeschobene Ambitionen aus und noch nicht einmal die unzähligen Anschlussfehler taten dem Vergnügen einen Abbruch. Nur Spielverderber und geistige Schrebergärtner lästern bei GODS OF EGYPT über eine „dumme Story“ oder „seelenlose CGI“. Alle anderen freuen sich darüber, jenen Eskapismus zu bekommen, der diesen Begriff tatsächlich verdient – und nebenbei einen Film zu bekommen, der cleverer ist als viele jener Werke, die heutzutage so als „intelligent“ durchgewunken werden.

Steve LONE WOLF MCQUADE Carvers letzter Film datiert auf das Jahr 1996 und wurde von Atze Brauners Bruder Wolf für dessen Produktionsfirma CCC gedreht. Schurkendarsteller Raimund Harmstorf, der hier Giftfässer in Alaska verbuddelt und Geologen umbringt, nahm sich zwei Jahre später das Leben: Zwar nicht aus Scham über diesen Film, aber THE WOLVES ist trotzdem nicht so richtig gut. Warum, das kann man in meinem Text auf critic.de lesen. Und die DVD danach via Pidax erwerben, wenn man denn unbedingt möchte.

steamboatDer Mississippi ist fast 3.800 Kilometer lang. Er durchfließt in Nord-Süd-Richtung das komplette Staatsgebiet der USA und passiert dabei acht Bundesstaaten. Gemeinsam mit dem Nebenfluss Missouri bildet er das viertlängste Flusssystem der Welt (nach Nil, Amazonas und Jangtsekiang). Liebevoll wird er auch „Old Man River“ bezeichnet und ihm kommt eine wichtige quasimythologische Bedeutung in der Americana zu. Mit STEAMBOAT ROUND THE BEND widmet ihm auch John Ford einen Film, seine letzte Zusammenarbeit mit Will Rogers, der im selben Jahr bei einem Flugzeugabsturz sein Leben ließ (der Film startete wenige Wochen nach seinem Tod in den US-Kinos).

Liest man vorab die Inhaltsangabe, scheint sich an geradliniger, schneller Film anzukündigen: Duke (John McGuire), der Neffe des Quacksalbers und frischgebackenen Dampferkapitäns Doctor John Pearly (Will Rogers), hat einem Menschen das Leben genommen, als er die Ehre seiner Geliebten Fleety Belle (Anne Shirley) verteidigen wollte, eines Mädchens aus den Sümpfen. Der Onkel überzeugt den Neffen davon, sich zu stellen: Er habe nichts zu befürchten, da er in Notwehr gehandelt habe. Doch er irrt sich: Duke wird zum Tode verurteilt. Es gibt jedoch einen Zeugen, den John Pearly nun erreichen will, um seinen Neffen zu retten. Auf der Suche nach ihm gerät er in ein Dampfschiff-Rennen gegen seinen Rivalen Eli (Irvin S. Cobb) …

Es liegt wohl auch an Will Rogers und seiner Persona, dass STEAMBOAT ROUND THE BEND keineswegs straight, sondern ebenso mäandernd und voller Untiefen ist wie der Mississippi – oder eben wie sein Hauptdarsteller. Rogers lässt sich in kein enges narratives Korsett zwängen. Er ist ein Kommunikator, ein Mann, der eine gute Geschichte ebenso liebt wie den ornamentalen Schlenker, der die Pointe hinauszögert. Ein amerikanischer man of the people – aber dabei kein märtyrerhaft-selbstloser Wohltäter, sondern eher ein schelmischer, manchmal durchaus auch gerissener Diener einer größeren Wahrheit, die das Individuum übersteigt. Der Mensch muss in seiner Einfalt manchmal zu seinem Glück gezwungen werden. Oder man muss ihm einen kleineren Schaden zufügen, um ihm mittelfristig zu helfen. Bis es zum großen Dampfschiff-Rennen kommt, ist STEAMBOAT ROUND THE BEND eigentlich schon fast wieder vorbei. Davor hat John den alten Säufer Efe (Francis Ford, Bruder des Regisseurs) sowie den schwarzen Taugenichts Jonah (Stepin Fetchit) unter seine Fittiche genommen, sich mit der aufgrund ihrer Herkunft zunächst kritisch beäugten Fleety Belle angefreundet, ein Wachsfigurenkabinett mit allerlei Helden der amerikanischen Geschichte eröffnet und seine Rivalität mit Captain Eli auf die Spitze getrieben. Nichts davon übertrifft den zentralen Handlungsstrang an Bedeutung, aber es ist doch auffällig, dass dieser Film, in dem immerhin das Leben eines Unschuldigen auf dem Spiel steht, so überaus verspielt und über weite Strecken überhaupt nicht dramatisch oder gar existenziell ist.

Die Gefahr, der Duke ausgesetzt ist, wird keinesfalls heruntergespielt: Die Szenen, die sich seinem Schicksal widmen, sind dann auch die theatralischsten des Film. Die Gerichtsverhandlung, bei der der Junge entgegen der Erwartungen nicht freigesprochen, sondern für schuldig befunden wird, spart Ford ganz aus, setzt erst mit einer Fahrt durch den bereits wieder leeren Gerichtssaal ein, in dem nur noch die enttäuschten und ernüchterten John und Belle sitzen, die kaum fassen können, was sie eben erlebt haben. Auch wie der Einspruch abgeschmettert wird, ereignet sich außerhalb des Bildes, der Zuschauer erfährt eher nebenbei, dass Duke nun gehängt werden soll. Die folgende, im Gefängnis abgehaltene Hochzeitszeremonie, ist gewiss der emotionale Höhepunkt des Films, aber Duke trägt sein Schicksal mit solcher fast an Todessehnsucht grenzender Fassung, dass es schwerfällt, wirklich mit ihm mitzuleiden. Aber darum geht es auch nicht: STEAMBOAT ROUND THE BEND ist ein Film über die unerschöpflichen Ressourcen des amerikanischen Underdogs. Er handelt von all dem Leid und der Unbill, die man ertragen kann, wenn man seinen Mut nicht verliert und unverdrossen nach vorn schaut. Davon, dass nichts wirklich schlimm ist, wenn man sich einen gewissen Grundoptimismus bewahrt. John hat eine Crew aus Säufern, Faulpelzen und anderen denkbar ungeeigneten Schifffahrern, einen alten klapprigen Kahn, dessen besten Tage lange vorbei sind, aber am Ende triumphiert er, gewinnt das Rennen, das schicke Schiff von Captain Eli und rettet das Leben seines Neffen. Und wie ihm das gelingt, ist ein solch schöner Einfall, dass ich ihn hier nicht verraten werde. Film anschauen und sich verzaubern lassen!

the_wicked_lady_filmposterTHE WICKED LADY war nach DEATH WISH II der zweite Film, den Michael Winner für die damals aufstrebende Produktionsfirma Cannon inszenierte und es genügt ein Blick auf die Besetzungs- und Stabliste, um zu wissen, dass es sich um ein absolutes Prestigeprojekt gehandelt haben muss. Faye Dunaway galt damals schon als Hollywood Royalty, Sir John Gielgud, Denholm Elliott und Alan Bates sind Namen, die jeden Freund des britischen Kinos mit der Zunge schnalzen lassen. Hinter der Kamera stand mit Jack Cardiff einer der ganz Großen des europäischen Kinos und den Score komponierte kein Geringerer als Tony Banks, seines Zeichens Gründungsmitglied der legendären Prog Rocker von Genesis. An Originalschauplätzen in England mit einem Budget von 8 Millionen Dollar gedreht, steht THE WICKED LADY ausstattungstechnisch und tonal durchaus in der Tradition des von Richard Lesters THE THREE MUSKETEERS losgetretenen Mantel-und-Degen-Revivals: Auch Poster und Tagline versprechen eine turbulente Kostüm-Komödie und eine solche ist der Film auch. Irgendwie. Zum Lachen ist THE WICKED LADY aber trotzdem nicht und die mageren 3,8 Sternchen, die er auf der IMDb eingeheimst hat, geben Zeugnis ab von der Irritation, die er bei seinen Zuschauern ausgelöst hat.

Zur Handlung: Die hübsche Kammerzofe Caroline (Glynis Barber) wird nach Jahren treuer Arbeit ihren Herrn, Sir Ralph Skelton (Denholm Elliott), ehelichen. Doch als ihre Cousine Barbara (Faye Dunaway) zu den Feierlichkeiten eintrifft und sofort beginnt, Skelton den Kopf zu verdrehen, ist es vorbei mit diesen Plänen. Skelton heiratet kurzerhand Barbara, die aber schon bei der Hochzeitsfeier anfängt, dem Edelmann Kit (Oliver Tobias) schöne Augen zu machen. Das Leben auf dem Land geht der rastlosen Frau schnell auf die Nerven und als sie von dem Räuber Jerry Jackson (Alan Bates) hört, der die Wälder der Gegend unsicher macht, schlägt kurzerhand selbst eine erfolgreiche Karriere als Wegelagerin ein. Nach einem Zusammentreffen mit ihrem großen Vorbild wird sie zu seiner Partnerin und Geliebten. Ein Mord und ein achtlos bei der Leiche zurückgelassenens Taschentuch gefährden aber ihr Geheimnis …

Möglicherweise steckt in der Geschichte der Lady Skelton (basierend auf dem 1945er Roman „The Life and Death of the wicked Lady Skelton“ von Magdalen King-Hall, der damals bereits schon einmal verfilmt worden war) tatsächlich eine Komödie. Aber wenn, dann ist es eine ziemlich finstere, und ein Film müsste zum Funktionieren zu allererst ein Bewusstsein von und ein Verhältnis zu dieser Finsternis entwickeln. Die Titelheldin ist nämlich absolut keine Identifikationsfigur und noch weniger sympathisch. Man mag ihr zugutehalten, dass sie in einer Gesellschaft aufwächst, die für eine selbstbewusste, ambitionierte Frau nicht gerade viele attraktive Optionen zur Selbstverwirklichung bietet: Mit der Heirat, am besten in eine höhere Schicht, ist das Lebenswerk einer Frau eigentlich getan, danach sind für sie nur noch häusliche Pflichten und repräsentative Aufgaben zu erfüllen. Aber selbst wenn man anerkennt, dass eine Frau sich damit nicht zufriedengeben mag, erteilt man ihr damit ja noch keinen Persilschein zum skrupellos durchgesetzten Egoismus. Faye Dunaways Lady Skelton handelt aber derart rücksichts- und empathielos, dass es einem die Sprache verschlägt. Sie spannt ihrer Cousine innerhalb eines Tages den Ehemann aus, der bei ihr aber schon kurz nach der Eroberung wieder auf dem Abstellgleis landet, ermordet dann später heimtückisch und brutal den Hausdiener Hogarth (John Gielgud), als der ihr auf die Schliche kommt, und verrät schließlich ihren Geliebten, um ihn an den Galgen zu bringen, als sie ihn mit einer anderen im Bett erwischt. Und wenn ihr doch einmal Konsequenzen drohen, dann winselt sie und fleht um Verschonung. Eine tolle Person.

Das piéce de resistance des Films, auf das das obige Plakat in Text und Grafik hindeutet, ist eine ausdauernde, anscheinend komisch gemeinte Szene, in der Lady Skelton die Geliebte (Marina Sirtis) ihres partners in crime Jerry angestachelt durch das anwesende Volk minutenlang quer durch die Pampa peitscht, woraufhin die Gepeinigte schnell ihre Oberbekleidung einbüßt und ihren schlackernden Busen offenbart. Die Szene verschaffte dem Film damals einige Probleme mit der Zensur. Winner schildert in seiner Autobiografie „Winner takes all“ sein Unverständnis, erklärt dass die Peitschenszene „comedic“ gewesen sei und erzält weiter, wie seine Lobbyarbeit die Zensurbenühungen schließlich zerschlug. Aber das Unbehagen des unbekannten Zensors ist trotzdem voll und ganz nachvollziehbar: Man spürt in dieser dramaturgisch ganz und gar unnötigen Szene das sadistische Vergnügen nicht so sehr der Protagonistin als vielmehr des Regisseurs, der eine eher unbedeutende Nebenfigur zum Opfer einer sexuellen Demütigung macht, die er offensichtlich für komisch hält. Solche geschmacklichen Fehlgriffe sind charakteristisch für THE WICKED LADY, der mit einer bitteren, ja grausamen Schlussnote endet, die dem Betrachter noch einmal vor den Kopf stößt: Das für alle Charaktere in Aussicht stehende Happy End wird von Lady Skelton unwissentlich torpediert, der Film schließt mit der (wahrscheinlich) sterbenden Protagonistin, die im Todeskampf von der letzten Person verlassen wird, die noch zu ihr stand.

THE WICKED LADY ist kein schlechter Film: Ich mag bekanntlich solch atonalen Unfug, bei dem man vermuten muss, dass alle Beteiligten unter kollektiver Unzurechnungsfähigkeit litten. Aber er wirft doch einige Fragen hinsichtlich Winners Menschenbild auf, das schon vorher nicht das allerbeste war, worüber man in Filmen wie THE SYSTEM, THE JOKERS oder I’LL NEVER FORGET WHAT’S ‚ISNAME, die ja als Provokation, als  gesellschaftlicher Weckruf gedacht waren, hinwegsehen konnte. Hier, in diesem durch und durch trivialen Unterhaltungsfilmchen, gilt diese „Ausrede“ nicht mehr. Es gibt mehrere Zeitzeuginnen, die Winner als Frauenhasser beschreiben. THE WICKED LADY wirkt wie ein belastendes Indiz.

revenant-leoEin Blut-Schweiß-Tränen-Rotz-Schnee-Matsch-Erd-und-Eingeweide-Epos: THE REVENANT, der auf der wahren Geschichte des Trappers Hugh Glass basiert, erzählt ausdauernd von Schmerz und Leid und vom entsagungsreichen Leben unter widrigen Bedingungen, das, wenn man Glück hat, nach einem heftigen Adrenalinschub der Angst von einem schnellen, gewaltsamen Tod beendet wird, oder aber, wie im Falle des Protagonisten, einfach nicht aus den Knochen weichen mag, sich an den gemarterten Körper klammert wie die Pranken eines Bären, ihn auf allen Vieren durch die Wildnis treibt.

Alejandro G. Iñárritu hat sich bisher nicht gerade einen Namen als „bescheidener“ Regisseur gemacht. Seinen Filmen haftet immer etwas der Ruch der Aufschneiderei, des überflüssigen Pomps und Kitsches sowie der Prätentiosität an. AMORES PERROS, mit dem er 2000 international bekannt wurde, lief bereits 155 Minuten und verknüpfte mehrere Episoden und Schicksale zu einem theatralischen Runterzieher, in dessen Mittelpunkt das Schicksal eines armen Wauwaus stand. Dem folgenden 21 GRAMS konnte man mit einigem Recht vorwerfen,  in erster Linie den Zweck verfolgte, seinem Publikum mit großem Aufwand die Laune zu vermiesen zu wollen, BABEL verrannte sich mit weltumspannenden Netzwerk-Plot in rechtschaffenem Welterklärertum, und wenn man so hörte, wie unbescheiden Iñárritu über seinen preisgekrönten BIRDMAN schwadronierte, konnte man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass er sich tatsächlich für so wichtig und genial hielt, wie seine Filme das immer suggerierten. Auch THE REVENANT ändert nichts daran: Er dauert erneut zweieinhalb Stunden und wartet mit zwei Hauptdarstellern auf, die jeweils für die volle Dröhnung thespischer Gravitas und märtyrerartige Verschmelzung mit ihren Figuren stehen. Als besonderes Gimmick verzichtete der Regisseur auf die Verwendung jeglicher künstlicher Beleuchtung und die Auftaktsequenz, die Spielbergs D-Day in den US-amerikanischen Nordwesten verlegt, ihren Strand verteidigende Nazis durch attackierende Indianer ersetzt, ist selbstredend ohne (sichtbaren) Schnitt inszeniert. Die Handlung ist demgegenüber geradezu aufreizend sparsam: Es geht um Durchhaltevermögen und Lebenswillen, um Liebe und Loyalität und, ich bin geneigt zu sagen: natürlich, um Rache.

Damit wir uns richtig verstehen: THE REVENANT sieht wirklich fantastisch aus, lässt sich als ausufernder Bilderbogen beschreiben, der die ganze ungezähmte Wildheit der US-amerikanischen Wildnis in eindrucksvollen Panoramen einfängt, den armen, durchnässten Weißen, die wie ahnungslose Zielscheiben durch das feindliche Land ziehen, eine schroffe, unbarmherzige Natur entgegensetzt, deren Schönheit nur wenig mit den Idealisierungen der Romantik zu tun hat. Den Protagonisten dabei zuzusehen, wie sie sich dieser Natur entgegenwerfen, wie sie versuchen zu überleben und welche Entbehrungen sie dabei auf sich nehmen, ist durchweg packend und nicht selten schmerzhaft. Vor allem DiCaprio darf als halbtoter, durch die Mangel gedrehter Hugh Glass alle Register ziehen, bluten, schreien, grunzen, keuchen und kriechen, aber seine Mitstreiter, von denen nicht wenige von aus dem Nichts heranrasenden Pfeilen durchbohrt werden, und Tom Hardys Fitzgerald, dessen Indianerhass von einer überlebten Skalpierung herrührt, sollen auch nicht verschwiegen werden. Es ist schon eine Schau, THE REVENANTs Sadismus über die volle Distanz zu folgen. Definitiv der erste Film Iñárritus, bei dem ich mir eine Zweitsichtung wirklich vorstellen kann.

Aber, und das wäre dann also meine Kritik, es ist schon etwas seltsam, diese trotz esoterischem Geraune (Glass sieht immer wieder seine tote Indianergattin) im besten Wortsinne eindimensionale Geschichte im Gewand des großen Oscaranwärters dargeboten zu bekommen. Glass‘ Geschichte war schon einmal verfilmt worden, 1971 mit Richard Harris in der Hauptrolle als MAN IN THE WILDERNESS, und damals war das ein schlanker 100-Minüter von Richard Sarafian, an den sich heute niemand mehr erinnert. Unter Iñárritus Regie avanciert die Mär über einen sich grunzend durch den Schnee schleppenden Zottel, der nur von Rachegelüsten, eisernem Willen und – seien wir ehrlich – einer ihm vom Drehbuch angedichteten Tom-und-Jerry-haften Stehaufmännchen-Physis am Leben gehalten wird, hingegen zum kulturellen Großereignis, über das alle reden und dem die Auszeichnungen hinterhergeworfen werden. Das Missverhältnis ist kaum zu übersehen, und so langsam aber sicher finde ich die Obsession des amerikanischen Kinos mit dem Rachethema durchaus etwas problematisch: Ich habe rein gar nichts gegen einen kompakten, gewalttätigen Reißer, aber gibt es für das ganz große Kino wirklich keine interessanteren menschlichen Grenzerfahrungen mehr als unstillbaren Blutdurst und Hass? Wie oft müssen wir uns noch damit auseinandersetzen und so tun, als habe das wirklich etwas mit unserem Leben zu tun? Und: Ist es wirklich angemessen, diese Geschichte mit diesen Mitteln zum Großereignis aufzublasen?