Mit ‘Komödie’ getaggte Beiträge

Ich habe an dieser Stelle schon häufiger das Loblied auf den unvergleichlichen Zbynek Brynych gesungen, der in Deutschland vor allem mit seinen drei vier brillanten DER KOMMISSAR-Episoden sowie zahlreichen DERRICK-Folgen assoziiert wird. Seine drei deutschen Kinoproduktionen, die er allesamt 1970 realisierte – OH HAPPY DAY, ENGEL, DIE IHRE FLÜGEL VERBRENNEN und eben DIE WEIBCHEN – floppten leider und fast möchte man anfügen: wenig verwunderlich, hatte man hierzulande doch immer ein untrügliches Talent, ware Größe nicht zu erkennen. DIE WEIBCHEN ist die letzte seiner drei deutschen Kinoproduktionen und unverkennbar Brynych. Was ironischerweise gleichzeitig impliziert, dass er natürlich ganz anders ist als die beiden vorangegangenen Werke. DIE WEIBCHEN ist, wenn man so will, ein Horror-, ja sogar ein Kannibalenfilm, verbindet Elemente von THE STEPFORD WIVES, L’ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD, SHOCK CORRIDOR und anderen, pulpigeren Werken zu einem psychedelischen Trip, der an zeitgenössische Pop-Art ebenso erinnert wie an die tschechische New Wave und natürlich an die großen, schrundigen Grindhouse-Reißer der Siebziger, die um ähnliche Themenkomplexe kreisten und dabei Männer und Frauen gegeneinander aufhetzten.

Eve (Uschi Glas), Chefsekretärin, kommt auf Anraten ihrer Ärztin nach Bad Marein, einem Kurort für Frauen, wo sie sich in Obhut von Dr. Barbara (Gisela Fischer) erholen soll. Vor Ort wird sie von einer Clique anderer Patientinnen aufgenommen, unter ihnen Astrid (Françoise Fabian) und Olga (Judy Winter). Nach einer ausgelassenen Feier, bei der drei mit ihrem Auto im Ort gestrandete Männer in die Gruppe eingeführt werden, findet Eve einen von ihnen ermordet vor. Und am nächsten Tag gibt es ein großes, blutiges Filetstück zum Frühstück. Eve sucht den Kommissar des Ortes (Hans Korte) auf, aber der hat für ihre Verdächtigungen nur Spott übrig …

Dass man von Brynych keinen straighten Kannibalen-Schocker erwarten sollte, dürfte den meisten, die diesen Text lesen, schon klar sein: Vielmehr weitet der Tscheche seine Geschichte zur gar nicht so bösen, vielmehr sogar sehr liebenswerten und verständigen Satire über das Geschlechterchaos aus, die in den späten Sechziger- und frühen Siebzigerjahren über die westliche Welt fegte. In DIE WEIBCHEN jedenfalls schlagen die Frauen, die viel zu lang unter der Fuchtel der Männer standen, mit einem Lächeln und einem im wahrsten Sinne des Wortes hungrigen Körper zurück, dass den Männern nicht viel mehr bleibt als ein notgeiles Lächeln. Der Film kulminiert in einer dann doch überraschend garstigen Kreissägenszene, bevor Eves Wille schließlich gebrochen, sie in den Kreis der Männermörderinnen eingemeindet wird. Der Ton oszilliert zwischen Fleisch-Thriller, ausgelassenem Beatfilm, greller Gesellschaftskomödie, dystopischem (oder doch utopischem?) Sex-Märchen, verspielt-ironischer Agit-Prop und immer wieder auch Elementen, bei denen man ein wenig das Gefühl hat, Brynych nehme das deutsche Filmgeschehen aufs Korn. Wie schnarchig und verquast etwas Waldleitners Simmel-Verfilmungen sind, wird in diesem ebenfalls von ihm produzierten Werk eben deshalb so augenfällig, weil sich zum Teil die selben Darsteller tummeln, die hier aber ganz von der Kette gelassen werden. Ein schmierbäuchiger Hüne mit Narbengesicht, Sonnenbrille und Krallenhand lässt Adi Berbers Fettsäcke aus den Wallace-Filmen wie tumbe Witzfiguren erscheinen. Und „uns Uschi“ zeigt uns hier, wo sie nicht dazu gezwungen wird, ein freches Powerfräulein zu spielen, plötzlich welche beachtlichen Qualitäten ihr makelloses Püppchengesicht als angrundtiefe Projektionsfläche mitbringt. Am schönsten ist DIE WEIBCHEN, wenn er sich in seinen orgiastischen Set Pieces verliert, etwa in einer Swimming-Pool-Sequenz gegen Ende, wenn alle Frauen nach dem Verlassen des Schwimmbeckens durch blutrotes Licht gleiten. (Apropos „Swimming Pool“: Bin ich der einzige, der in dieser Szene an Cronenbergs SHIVERS denken musste?) Toll ist auch eine mit der Subjektiven eingefangene Szene, in der die Frauen den vierschrötigen Gärtner zum Schweinchen-in-der-Mitte herausfordern. Oder die Frauen sich in einer THE WICKER MAN vorwegnehmenden Szene ihrer BHs entledigen und sie ins Feuer werfen. Oder wenn Hans Korte als Kommissar glucksend Schnapsfläschchen in sich hineingießt. Oder, oder, oder.

Ihr seht, DIE WEIBCHEN ist Film als Fest der Eindrücke, aber auch weit davon entfernt, bloß selbstverliebter Bilderreigen zu sein. Brynych inszeniert mit der Gewissheit, dass das Leben zu kurz ist und Film zu reich, um für eine schnöde Vision oder langweilige Kohärenz vergeudet zu werden, trotzdem bleibt er immer zielstrebig und auf den Punkt. DIE WEIBCHEN ist alles auf einmal, aber wie durch ein Wunder trotzdem von allem genau so viel, dass man gern noch ein bisschen mehr hätte, nie zu viel oder zu wenig. Um im Bild zu bleiben: Der Appetit ist geweckt, die Sättigung hat noch ein bisschen Zeit.

Wer die Blu-ray von Bildstörung noch nicht hat, sollte – wie könnte es anders sein? – schleunigst zugreifen und einen der aufregendsten Filmemacher, die je in Deutschland arbeiteten, auf dem besten deutschen Filmlabel entdecken, das ihm eine Veröffentlichung spendiert hat, die ihm zu jener Ehre gereicht, die seinen Filmen zu Lebzeiten leider verwehrt geblieben ist.

IDIOCRACY ist eine ganz klassische Dystopie im Gewand einer Komödie: Er zeichnet eine Zukunft, die als eine überzeichnete Version unserer Gegenwart verstanden werden muss und zielt damit auf einen Bewusstwerdungsprozess ab: „Guck mal, das ist bei uns ja auch schon so!“ oder ähnliche Reaktionen sind das anvisierte Ziel und nicht etwa eine Überraschung. Dass Mike Judges Film in dem knappen Jahrzehnt seit Erscheinen aber noch einmal deutlich näher an unsere Wirklichkeit herangerückt ist als er das damals schon war, darf einen durchaus erschrecken.

Der als idealer Durchschnittsbürger eingeführte Joe Bauers (Luke Wilson) wird aufgrund eben dieser Eigenschaft (und seiner damit einhergehenden Entbehrlichkeit) für ein Experiment verwendet, das gnadenlos schiefgeht: Er soll für ein Jahr eingefroren werden, wacht aber aufgrund einer Panne erst 500 Jahre später auf. Die USA sind vollkommen am Ende: Riesige Müllberge türmen sich auf, die Menschen artikulieren sich nur noch in rudimentären Stammelsätzen und glotzen den ganzen Tag hirnerweichende Fernsehshows. Aus Trinkspendern sprudelt „Brawndo“, eine grüne Limonade, deren Hersteller Wasser erfolgreich vom Markt verdrängt hat – was wiederum eine große Dürre nach sich gezogen hat, Supermärkte haben die Größe von Städten, durch die die Menschen wie die Zombies wanken. Der Präsident ist ein ehemaliger Catcher, der mit markigen Sprüchen auftritt und in der Gegend rumballert, und der gar nicht bemerkenswerte Bauers wird allein aufgrund der Tatsache, dass er in ganzen Sätzen spricht, als Genie angesehen, das die Welt retten soll.

Es ist natürlich die Vereidigung Trumps als Präsident der Vereinigten Staaten, die dazu geführt hat, dass vieles, was 2006 noch wie eine absurde Überspitzung bestehender Tendenzen anmuten musste, heute von den Nachrichten längst eingeholt worden ist. Ein ehemaliger Catcher als Präsident, der in Stars-and-Stripes-Montur und markigen Sprüchen vor einer grölenden Schar dumpfer Nationalisten aufmarschiert, sich mit großkalibrigen Waffen als Rächer der Enterbten inszeniert, aber leider nicht weiß, dass man Getreide mit Wasser zu versorgen hat, damit es wächst: Das ist eigentlich nur noch ein gradueller Unterschied zum großmäuligen Pleitetycoon Trump, der mit seinen größenwahnsinningen Vulgarismen Waffennarren und Rassisten in ihren Allmachtsfantasien bestätigt, Frauen an die Pussy greift, den Klimawandel verleugnet, dem Kohlebergbau gegen jede ökologische, aber eben auch ökonomische Vernunft zur Renaissance verhelfen will, sich mit Ja-Sagern und anderen Verblendeten umgibt und eigene wirtschaftliche Interessen auf geradezu perverse Art und Weise mit politischen vermischt.

Die Gags auf Kosten des sogenannten Präkariatsfernsehens, zunehmender Verblödung und der Vermengung von Kultur und Markt sind da fast schon ein bisschen billig.  IDIOCRACY ist eben auch ein „Gebrauchsfilm“ für die lustige Runde, bei der man das ein oder andere alkoholische Kaltgetränk zu sich nimmt und die besten Sprüche ins eigene Humorrepertoire aufnimmt. Er fügt sich gut ein in die komödiantische Tradition, die in den letzten 15 Jahren von Leuten wie Judd Apatow, Seth McFarlane, Adam McKay und Konsorten etabliert worden und von den Abgründen der Popkultur gleichermaßen fasziniert wie abgestoßen ist. Meinen Lieblingsgag gibt es gleich zu Beginn, wenn der Initiator des Einfrierexperiments bei seinem Diavortrag berichtet, dass die weibliche Testperson ein Prostituierte aus dem Stall des Pimps „Upgrayedd“ ist – „the double d stands for a double dose of pimpin'“ – und er in Folge ein bisschen zu viel Begeisterung für die afroamerikanische Zuhälterkultur zeigt. Dieser „Upgrayedd“ tritt als handelnde Person niemals in Erscheinung, nur auf den Fotos des Vortrags, aber Rap-Enthusiasten werden ihn unschwer als Scarface identifizieren, ehemaliges Mitglied der skandalösen Geto Boys und Urgestein des Gangsta-Raps texanischen Ursprungs. Man mag es als Inkonsequenz bewerten, dass IDIOCRACY bei aller Kritik auch ein nicht geringes Maß an Sympathie für die Idioten dieser Welt aufbringt. Ich finde ja, dass ihn das eher auszeichnet als diskreditiert.

 

Die Fortsetzung des im Vorjahr von KOMMISSAR X-Regisseur Gianfranco Parolini mit seinen beiden Stars Brad Harris und Tony Kendall inszenierten I FANTASTICI 3 SUPERMEN kommt mit einer deutlich bescheideneren Besetzung wie eine Vorahnung der Komödien daher, die im Folgejahrzehnt auf dem Steifel in rauen Massen entstehen sollten. Es wird unter tatkräftiger Unterstützung der deutschen Synchro geblödelt, bis der Notarzt kommt, aber nur noch den Exitus feststellen kann. Hauptverantwortlicher für den Klamauk ist Salvatore Borghese als stummer Trottel Dick: Er äußert sich ausschließlich in einer nur rudimentär entwickelten Zeichensprache, zu der er Stammellaute von sich gibt und dafür von seinen beiden Partnern in einer Tour verhöhnt wird. Für FBI-Mann Martin (George Martin) etwa ist klar, das Dick die Sprache verlor, als er sich zum ersten Mal selbst im Spiegel sah. Der Mann, den man aus unzähligen Polizeifilmen als Nebendarsteller kennt, darf hier komödiantisches und artistisches Talent in einer Hauptrolle zeigen.

Besagter Agent Martin wird den beiden mit kugelsicheren Kostümen ausgestatteten, artistisch begabten Superverbrechern Willi (Willi Colombini) und Dick zur Seite gestellt, um mit ihrer Hilfe einen pikanten Film in seinen Besitz zu bringen, mit dem ein Politiker kompromittiert werden soll. Die Hatz führt die drei erst nach Hongkong und dann nach Tokio, wo es die üblichen Keilereien, Verfolgungsjagden, Mordanschläge, Verwicklungen und amourösen Anwandlungen mit gefährlichen Frauen gibt. Das Ganze kulminiert im Einsatz einer Verkleinerungsmaschine, mit der Dick auf Miniaturgröße geschrumpft und dann im Hauptquartier der Bösewichte eingeschleust wird. Das ist alle hoffnungslos bescheuert, aber der Eurospy-Film ist ja sowieso eine eher komische Angelegenheit, die ihre Existenzberechtigung im Wesentlichen aus der Beliebtheit der Bond-Filme bezieht. Aus der unüberbrückbaren finanziellen Kluft, die zwischen den großen Vorbildern und ihren in dieser Hinsicht oft eher minderbemittelten Nachziehern klafft, machten diese Filme oft eine Tugend, indem sie die britischen Produktionen immer wieder mit Spott überzogen: Natürlich sind es ihre Helden, die gegenüber der Doppelnull den entscheidenden Vorteil haben und zu Rate gezogen werden, wenn dieser mal wieder versagt hat.

Man sieht das Augenzwinkern, denn natürlich wussten die Macher, dass sie den Abenteuern des Briten nichts entgegenzusetzen hatten, außer einer gewissen Unverdrossenheit und der Freiheit, die damit einhergeht, dass man an der Kasse keine Abermillionen einspielen muss, um den Bilanzausgleich zu schaffen. 3 SUPERMEN A TOKIO blödelt sich mit Verve durch seine Pappkulissen im Hinterhof von Cinecittà, doch bei den Szenen auf den Straßen von Tokio gucken die ungläubigen Passanten fast genauso neugierig und ungläubig, als wenn da der echte Bond rumturnen würde. Und natürlich gibt es dann auch immer wieder diese hübsch beknackten Ideen: In einem Nachtklub verhindert ein riesiger hinter einer Wand versteckter Magnet, dass sich die Schurken mit Waffen ins Etablissement schleichen. Da werden einer Gruppe von Ganoven dann also Panzerfäuste, Maschinengewehre, Messer und, wie eine Empfangsdame fürs Protokoll zu Bericht gibt, „drei Atombomben“ abgenommen. Und weil wir uns erst im Jahr 1968 befinden, muss man sich auch um die Political Correctness keine Sorgen machen: Japaner sagen also „l“ statt „r“, werden als „Geschlitzte“ bezeichnet und servieren Hund mit Reis, das Essen mit Stäbchen ist willkommener Anlass für eine ausgedehnte Slaspstick-Nummer. Die Miniatur-Nummer ist effekttechnisch erstaunlich gut gelöst und dass für die Zwischenstufe der Rückverwandlung Kinder in die Supermänner-Kostüme schlüpfen ein putziger Einfall. Doch, doch, ich hatte meinen Spaß mit diesem Teil.

Der italienische Superheldenfilm der Sechzigerjahre ist eine hübsche Zeitgeisterscheinung, die außerhalb Italiens eigentlich keine Entsprechung hatte: Von Pulpromanen und Comics um maskierte Superverbrecher ebenso inspiriert wie von den Abenteuern des britischen Superagenten 007 werfen die meist preisgünstig produzierten Filme einen ganzkörperbestrumpften Helden in die Schlacht gegen Schurken mit überkandidelten Weltbeherrschungsplänen und abstrusen Superwaffen. Der berühmteste Vertreter des Genres ist wahrscheinlich Mario Bavas psychedelisches Pop-Meisterwerk DIABOLIK, Griecos Argoman ist einer seiner zahlreichen Kollegen im Superheldenbusiness, neben solchen anderen Maskenträgern wie Superargos, Kriminal oder Satanik. Seine Markenzeichen: Ein gelber Jumpsuit mit putzigem schwarzen Mäntelchen und Maske sowie telekinetische Fähigkeiten, die ihn allerdings für sechs Stunden verlassen, wenn er sich mit einer Frau zum Liebesspiel niedergelassen hat. Was ziemlich oft passiert, denn hinter der Maske Argomans verbirgt sich der britische Superplayboy Sir Reginald Hoover (Roger Browne), der mit seinem treuen Diener Shandra (Eduardo Fajardo in Blackface) in einer unpraktischen Protzvilla mit gestohlener Mona Lisa, Indoor-Brunnen und von der Decke hängenden Loungesofas wohnt und ihn besuchende Damen gern mit Rolls Royce, Smaragdketten und Pelzmänteln beschenkt. Einfach so.

Neben seiner Tätigkeit als Superheld ist Hoover außerdem gefragter Kriminalexperte und immer einer der ersten Ansprechpartner für Scotland Yard, FBI und Konsorten, wenn wieder einmal die Kronjuwelen gestohlen wurden wie im vorliegenden Film: In der zertrümmerten Vitrine des Towers liegt nur noch ein Brief einer gewissen „Jenabell, Königin der Welt“, die mit dem Raub der Krone aber nur ihre Macht demonstrieren will, bevor sie einen Superdiamanten verlangt, der aufgrund von Irgendwas von allen möglichen Leuten wahlweise als Lösung oder Ursache aller Weltprobleme angesehen wird. Hoover hat besagte Schurkin schon kennen gelernt und sie zum Beischlaf überreden können, in der Gestalt von Argoman heftet er sich dann an ihre Fersen. In Jenabell findet er endlich einen adäquaten Gegner: Die von einer Armee in Fetischuniformen unterstützte Schurkin hat eine Möglichkeit gefunden, Menschen zu willenlosen Robotern zu machen und so auch diverse Politiker „umgedreht“. In einer famosen Szene stürzt sich einer der willenlosen Verräter aus einem Fenster in den Freitod, doch Argoman kann ihn mittels telekinetischer Kräfte vor dem Aufprall bewahren – zumindest bis es plötzlich an die Tür klopft, Argoman die Konzentration verliert und er den Unglücksseligen fallen lässt. Klatsch!

COME RUBARE LA CORONA D’INGHILTERRA ist produktionstechnisch deutlich besser als ich das eigentlich erwartet hatte: Die Settings sind hübsch und liebevoll, die Kostüme grandios, die Musik von Piero Umiliani einfach herrlich, wenn man diesen typischen Sixties-Sound mag. Dazu kommt der Humor, der nicht immer aus der Verwunderung über den damals vorherrschenden, lässigen Sexismus und den latenten Rassismus sowie den rührend naiven Vorstellungen über Wissenschaft herrührt, sondern hier und da durchaus beabsichtigt ist. Klar, wenn da ein Schauspieler in einer sperrigen Blechlitfasssäule steckt und mit steifen Armen den wenig bedrohlichen Folterroboter geben muss oder Jenabell den Helden in einer der für diese Filme typischen superumständlichen Fallen steckt, anstatt ihn einfach auf dem nächstbesten Klo einzuschließen, ist die Freude groß. Aber man muss doch einräumen, dass Grieco wusste, was er tat: Die Stunts in den ansonsten herrlich ungeschickten Prügeleien sind allererste Sahne, ein Rennen über die Dächer eines fahrenden Zuges wurde nicht etwa mit Rückprojektion realisiert, sondern tatsächlich gedreht: inklusive Unter-einer-Brücke-Durchducken! Ich kann nicht anders, als hier eine dicke Empfehlung auszusprechen, denn COME RUBARE LA CORONA D’INGHILTERRA ist ein großer, unbeschwerter, kindischer Spaß. Nicht Ultra-, sondern Argokunst sozusagen.

 

Schon im Kino der Fünfzigjahre wurden idealistische Lehrer, die es sich zum Ziel gesetzt hatten, den ihrer Obhut anvertrauten Jugendlichen Wissen und Werte zu vermitteln, von belederjackten und brillantinebefleckten Tunichtguts bei der Ausübung ihrer Aufgabe gestört. Aber die Störenfriede waren in der Minderheit, ihr umstürzlerisches Potenzial noch nicht ausgeprägt genug, um echten Schaden anzurichten. Eigentlich suchten auch sie nur Anerkennung, die ihnen im Elternahus versagt geblieben war. In den Achtzigerjahren stand die bildungspolitische Apokalypse hingegen kurz bevor: Schulen glichen Kriegsgebieten, an den Eingängen wurden die Kids nach Waffen durchsucht, an Unterricht war gar nicht mehr zu denken, die neue Schülergeneration bestand aus Terroristen, Psychopathen und Mördern.

Die kanadische Komödie REBEL HIGH spielt genau an einer solchen Schule. Wie der Zuschauer erfährt, sind allein in den letzten zwei Jahren 69 Direktoren an der Aufgabe gescheitert, Ordnung in den Laden zu bringen. Die Wände sind mit obszönen Grafitti beschmiert, der Zustand des Gebäudes ist mit „ruinös“ noch freundlich beschrieben, ständig explodieren Sprengkörper, bekriegen sich die Gangs auf den Gängen mit Feuergewalt. Vize-Direktor Norman Relic (Wayne Flemming) betreibt verzweifelte Schadensbegrenzung, sein Sidekick Harvey Schlepper (Ralph Millman) legt den Stahlhelm längst nicht mehr ab. Die Idee des neuen Direktors Edwin Swimper (Harvey Berger), die Schüler nicht mehr länger mit strengen Regeln und Strafen zu plagen und sie ihre Schulfächer selbst wählen zu lassen, macht alles noch schlimmer: Plötzlich sind Bogenschießen und Sex Education die beliebtesten Aktivitäten. Swimper wirft entnervt das Handtuch, an seine Stelle tritt der blässliche Peckham (Stu Trivax), der zuvor in Afrika unterrichtet hatte und die Rebel High ernsthaft für eine Verbesserung hält. Schon nach kurzer Zeit verliert auch er den Verstand angesichts der dort herrschenden Zustände. Weil sich die Schulbehörde angekündigt hat, müssen Relic und Schlepper sich aber dringend etwas einfallen lassen, sonst wird die Rebel High dem Erdboden gleichgemacht. Die Planierraupen stehen schon bereit …

REBEL HIGH ist hoffnungslos albern, billig und völlig in seiner Zeit verhaftet – genau meine Kragenweite also! Nur wenige Gags zünden, was der Voice-over-Narrator bereitwillig eingesteht, aber das macht irgendwie nichts, weil der Film davon lebt, sattsam bekannte Klischees gnadenlos auf die Spitze zu treiben. Was einem Mark L. Lester in CLASS OF ’84 noch als dystopische Beschreibung des Status quo verkaufen wollte, wird hier vielmehr gegen die Mahner, die über die Jugend von heute klagen, gerichtet. Die eigentlichen Witzfiguren sind die Lehrer: Verkniffene Ewiggestrige, die den Kontakt zu ihren Schülern völlig verloren haben. In einer Szene versucht Peckham seiner Klasse klarzumachen, dass Jesus aus einer unbefleckten Empfängnis stammt und von Gott gezeugt wurde. Ob Maria das auch ihrem Mann erzählt und der das tatsächlich geglaubt habe, will ein Schüler wissen. „Natürlich“, lautet die Antwort der nervösen Erwachsenen, worauf sich die Kids vor lachen biegen. Am Ende kann Relic das drohende Ende seiner Schule dadurch abwenden, dass er mit Calvin (Kenny Robinson), dem Anführer der Schüler, gemeinsame Sache macht und ihm einen Abschluss gegen Mithilfe verspricht.

REBEL HIGH richtet sich natürlich an ein Teeniepublikum, deshalb ist die Sympathieverteilung ganz klar: Mit der Idee, dass es die Schüler sind, die insgeheim die Fäden an einer Schule ziehen – Calvin hat auf der Schultoilette einen Men’s Club mit Jacuzzi eingerichtet, von wo aus er seine „Geschäfte“ führt -, bedient er den jugendlichen Omnipotenzwahn und die Ansicht, dass die Pauker nichts anderes als Grüßauguste sind, deren jämmerliche Macht sich eben auf die vier Wände der Schule beschränkt, während die Schüler diese irgendwann hinter sich lassen und dann selbst die Welt erobern dürfen. Darin steckt schon viel Wahrheit, die REBEL HIGH sehr sympathisch macht.

Thornton Melon (Rodney Dangerfield) ist ein erfolgreicher Unternehmer: Mit einer Kette von Bekleidungsgeschäften für Übergrößen namens „Tall & Fat“ ist er reich geworden, obwohl er eigentlich nie etwas gelernt hat. Gebracht hat es ihm eine schlampige Ehefrau (Adrienne Barbeau), die ihn hasst, sich kaum Mühe gibt, ihre Seitensprünge zu verbergen und ständig blasierte Leute zu protzigen Partys einlädt. Als sie ihm die Scheidung ankündigt, packt er seinen treuen Chauffeur Lou (Burt Young) und fährt kurzerhand zur Uni seines Sohnes Jason (Keith Gordon), der nicht gerade zu den Beliebtheitsanführern auf dem Campus zählt und gut etwas vom überbordenden Selbstbewusstsein des Papas gebrauchen könnte. Mit einer großzügigen Spende bei Dean Martin (Ned Beatty) gelingt es Thornton, sich selbst noch einmal einzuschreiben. Er verärgert den Lehrkörper, verliebt sich in die Literaturprofessorin Diane (Sally Kellerman) und mogelt sich dank nie versiegender Finanzen durch den Schulalltag. Dann kommt es zum Zerwürfnis mit dem Sohn …

BACK  TO SCHOOL ist zunächst einmal ein sehr typischer Vertreter der Collegekomödie, wie sie in den Achtzigerjahren populär war: Da geht es um amouröse Anbahnungen, ausufernde Partys, langweilige Unterrichtsstunden bei exzentrischen Lehrern, den Konflikt zwischen den Nerds und den Jocks und darum, wichtige Entscheidungen für die Zukunft zu treffen. Jason kämpft verzweifelt um die Aufnahme ins Turmspringerteam unter Trainer Turnbull (M. Emmet Walsh) sowie um das Herz der süßen, aber auch etwas langweiligen Valerie (Terry Farrell), auf die es auch sein ekliger Rivale Chas (William Zabka) abgesehen hat, und hängt mit dem ewigen Clown Derek (Robert Downey jr.) rum. Papa Thornton wirbelt alles ordentlich durcheinander und verpasst dem Sohnemann einen kräftigen Schub: Das Überraschende an BACK TO SCHOOL ist, dass sein zentrales Vater-Sohn-Gespann ein ganz gutes Team darstellt, es erst spät zum Konflikt zwischen den beiden kommt – der dann auch kaum länger als drei Szenen anhält. Der Vater kann noch so peinlich sein, Jason nimmt das mit einem Lachen und scheint sich tatsächlich darüber zu freuen, den alten Herren an seiner Seite zu wissen. Klar, der verwandelt die drei kargen dorm rooms in ein spitzenmäßig eingerichtetes bachelor pad, hat nur Unfug im Kopf und gibt den Lehrern, allen voran dem spießig-elitären Wirtschaftsprof Barbay (Paxton Whitehead), ordentlich Kontra. Der Umschwung kommt irgendwann, weil Jason es selbst schaffen will, anstatt ständig die Unterstützung seines Papas zu bekommen – der es aber natürlich nur gut meint. Am Ende löst sich alles in Wohlgefallen auf: Thornton büffelt wie ein Ochse, um den Abschluss zu schaffen (die „Trainingssequenz“ ist der Höhepunkt von BACK TO SCHOOL), der Sohnemann versöhnt sich mit ihm und als der alte Herr mit seinem Spezialsprung dann auch noch das Turmspringerteam zum unerwarteten Sieg führt, dürfen die Melons sogar ihre beiden jeweiligen love interests in die Arme schließen.

Rodney Dangerfield dürfte den meisten meiner Leser durch seine Rolle als neureicher Zampano Al Czervik in Harold Ramis Kultkomödie CADDYSHACK bekannt sein; in den USA machte er sich einen Namen als Stand-up-Comedian, dessen Catchphrase „I don’t get no respect!“ der Ausgangspunkt für zahllose Gags war, in denen er sich als vom Schicksal, den Eltern und allen anderen Mitmenschen geprügelter Hund stilisierte. Hintergrund waren wohl handfeste Depressionen und Selbstzweifel – seine Glubschaugen und die Tatsache, dass er seinen großen Durchbruch erst relativ spät erlebte, trugen vermutlich erheblich zur Etablierung dieser Persona bei. In BACK TO SCHOOL (und in CADDYSHACK) erahnt man diese Seite eher, als dass sie explizit zum Vorschein käme. Wie seine Charaktere mit dem Geld um sich werfen und immer darum bemüht sind, im Mittelpunkt des Geschehens zu stehen, auch wenn sie sich dabei zum kompletten Narren machen, deutet jene Unsicherheit und das Bedürfnis nach Bestätigung an, die jedoch nie auszureichen scheint, weil sie natürlich immer bloß „erkauft“ ist. In BACK TO SCHOOL sieht man den traurigen Clown im Gesicht des Spaßvogel, wenn man in seine Augen schaut. Metters Film ist dann auch nicht ganz das, was ich mir von ihm erhofft hatte: Die großen Brüller bleiben aus, dafür hat der Film andere Qualitäten. Er ist eine Spur wärmer als die oft sehr auf ihr jugendliches Publikum hin konzipierten Spaßvehikel, bei denen der Soundtrack und die geilen Klamotten oft wichtiger sind als alles andere, zwar ziemlich albern, aber dennoch darum bemüht, die absurde Prämisse mit einer gewissen Glaubwürdigkeit auszustatten. Doch, ich habe mich schon ganz gut amüsiert, auch wenn es für höhere Weihen nicht ganz reicht.

Dass aller guten Dinge drei sind kann man hinsichtlich der SPESSART-Filme von Kurt Hoffmann leider nicht bestätigen. Alles, was im ersten Film so liebenswert und stimmungsvoll war, im zweiten witzig, beschwingt, originell und spritzig, ist in HERRLICHE ZEITEN IM SPESSART albern, bemüht, verkrampft und geschmacksverirrt. Man erkennt das Bemühen, dem direkten Vorgänger noch einen draufzusetzen, nicht nur eine Musikkomödie mit satirischen Seitenhieben gegen die Politik in Bonn, Filz in den Amtsstuben, Altnazis und den Kapitalismus zu drehen, sondern wirklich eine Satire, einen Film, der das bekannte Sujet nutzt, um den Zustand der Weltpolitik aufs Korn zu nehmen. Ein hehres Ziel, das Hoffmann aber leider meilenweit verfehlt. HERRLICHE ZEITEN IM SPESSART ist eine Qual, weil die Kluft zwischen Anspruch und Wirklichkeit so offen zu Tage liegt, dass es weh tut.

Gegenwart: Anneliese (Liselotte Pulver) bereitet sich auf ihre Hochzeit mit dem amerikanischen Soldaten Frank Green (Harald Leipnitz) vor, der ihr versprochen hat, aus der Armee auszutreten. Doch das hat er mitnichten vor, steckt vielmehr mittendrin in einem vom deutschen General Teckel (Hubert von Meyerinck) angeheizten Kräftemessen mit den Russen. Just in diesem Moment landet die Raumfähre Spessart 3 mit den im letzten Teil zum Mond geschossenen Gespenster-Räubern. Sie nehmen Anneliese auf eine Zeitreise zu den Germanen ins Mittelalter und in die Zukunft mit, wo sie verschiedene Inkarnationen ihres Zukünftigen trifft …

Ich weiß gar nicht, wo ich anfangen soll: Die Idee mit den Gespenstern in einer Mondfähre war als Schlussgag in DAS SPUKSCHLOSS IM SPESSART noch sehr putzig gewesen, aber darauf einen ganzen Film basieren zu lassen? Die Behelfsmäßigkeit der Raumfahrtanzüge wie auch des Raumschiffinterieurs sollen wahrscheinlich skurril und liebevoll wirken, aber stattdessen passiert etwas anderes: Man fühlt sich nicht für voll genommen. HERRLICHE ZEITEN IM SPESSART scheint in dem Bewusstsein inszeniert, dass alles, was man sich ausgedacht hat, so herrlich komisch und mitreißend ist, dass man es dem Zuschauer nur noch vorsetzen muss, um sein Herz im Sturm zu erobern. Das Gegenteil ist der Fall: Die geschäftige Witzigkeit und Überdrehtheit fängt schon nach wenigen Minuten an, gnadenlos zu nerven, weil nichts davon ankommt. Besonders auffällig ist das bei den zahlreichen Kommentaren zum politischen Zeitgeschehen: Im Vorgänger waren sie noch ein überraschender Bonus, der immer wieder für einen Aha-Effekt sorgte, hier hat man sich gar nicht erst lang damit aufgehalten, diese Kritik sorgfältig einzuarbeiten, sondern lässt die Figuren regelmäßig mit einem dreifach unterstrichenen Augenzwinkern platteste Witze in die Kamera sprechen.

HERRLICHE ZEITEN IM SPESSART wird in der letzten halben Stunde geringfügig erträglicher, weil beim Besuch in der Zukunft ein paar Ideen abfallen, die ganz hübsch sind: Dass der Freistaat Bayern bei einem Eklat auf dem Oktoberfest 2012 in Ober- und Niederbayern zerfiel, ist so einer, die Erfindung eines Apparats, der als unpraktischer Vorläufer unseres Navigationsgerätes beschrieben werden kann, ein anderer. Aber das rettet diesen furchtbaren Film ebensowenig wie die Präsenz der bildschönen Hannelore Elsner. Bei DAS SPUKSCHLOSS IM SPESSART war ich noch überrascht darüber, wie unverkrampft, originell und, ja, auch mutig ein bunter, großer deutscher Familienfilm anno 1960 sein konnte. Bei HERRLICHE ZEITEN muss das Fazit lauten, dass der Versuch, sieben Jahren später dasselbe noch einmal zu machen, gnadenlos in die Hose gegangen ist. Hoffmanns Film ist nicht spritzig und witzig, sondern peinlich, altbacken und unerträglich.